西方音乐史略李应华人民音乐出版社音乐考研正版教材9787103001356 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李应华 著

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• 西方音乐史
• 音乐史
• 李应华
• 音乐考研
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• 人民音乐出版社
• 9787103001356
• 音乐学
• 高等教育
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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103001356

商品编码：29684830281

页数：121

图书基本信息 书名：   西方音乐史略 作者/主编：   李应华 出版社：   人民音乐出版社 ISBN号：   9787103001356 出版年份：   1998年10月      版次：   第1版 总页数：   121页 开本：   1/32 图书定价：   20.00元 实际重量：   100 g 新旧程度：   正版全新

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《西方音乐史略》由人民音乐出版社出版。 

章 古代和中世纪的西方音乐节 古代希腊、罗马音乐概述第二节 封建社会初期和盛期的音乐第三节 文艺复兴时期 第二章 文艺复兴以后的一百年节 歌剧艺术的断续发展第二节 器乐的繁荣第三节 巴赫和哼德尔 第三章 从启蒙运动到贝多芬节 喜歌剧和繁荣的格鲁克的歌剧改革第二节 古典的交响乐套曲和奏鸣曲式的形式第三节 海顿和莫扎特第四节 贝多芬 第四章 十九世纪前及中期的欧洲音乐节 德奥的音乐第二节 法国的音乐第三节 意大利的音乐第四节 民族乐派的兴起与繁荣 第五章 十九世纪末,二十世纪初的欧洲音乐节 德奥的音乐第二节 法国的音乐第三节 意大利的音乐第四节 以俄国音乐为代表的民族乐派的继续发展 第六章 二十世纪音乐概观附录 十九世纪前欧洲音乐发展主要线索图示十九世纪欧洲主要作曲家年表二十世纪欧洲主要作曲家年表 

《西方音乐史略》共分六章，内容包括古代和中世纪的西方音乐、文艺复兴以后的一百年、从启蒙运动到贝多芬、十九世纪前及中期的欧洲音乐、十九世纪末，二十世纪初的欧洲音乐、二十世纪音乐概观。书后附录有十九世纪前欧洲音乐发展主要线索图示、十九世纪欧洲主要作曲家年表、二十世纪欧洲主要作曲家年表，可供查阅。 

西方音乐史纲要 一部深入浅出、勾勒西方音乐宏伟画卷的权威著作 本书旨在为音乐学习者、研究者以及所有对西方音乐发展脉络抱有浓厚兴趣的读者，提供一部全面、系统且富有洞察力的音乐史导读。全书以时间为轴线，清晰地梳理了自古代音乐萌芽至二十世纪末乃至当代音乐思潮的演变历程，力求在展现历史连续性的同时，突出各个历史时期音乐风格的独特面貌与核心贡献。 导论：音乐的起源与早期欧洲声响的奠基 开篇部分将追溯音乐这一艺术形式的哲学与人类学根源，探讨早期人类社会中音乐的功能与形态。随后，重点聚焦于古希腊、古罗马音乐对西方音乐理论体系的奠基作用，特别是对“乐学”（Musica）概念的界定、音律理论（如毕达哥拉斯音律）的初步建立，以及对早期记谱法雏形的探讨。这部分内容为理解中世纪音乐的宗教属性和技术发展提供了必要的背景知识。 第一编：中世纪的圣咏与世俗之声（约500年—1400年） 本编深入剖析了在基督教主导下，西方音乐如何系统化和规范化。核心内容围绕格里高利圣咏（Gregorian Chant）展开，细致阐述其单音音乐（Monophony）的特点、文本与旋律的关系，以及在罗马天主教会礼仪中的地位。 随后，本书将笔触转向西方复调音乐（Polyphony）的诞生与早期发展。重点分析了莱奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）等巴黎圣母院乐派大师的贡献，特别是“奥尔加农”（Organum）技法的演变，标志着音乐从单声部向多声部结构的关键飞跃。 同时，本书也关注中世纪世俗音乐的蓬勃发展，对游吟诗人（Troubadours）、游唱诗人（Trouvères）以及德国的“明歌歌手”（Minnesinger）的创作主题、体裁（如“颂歌”Canso、“法拉莱”Farce）及其对后世歌唱艺术的影响进行了详尽的论述。纪元末期，我们将探讨“新艺术”（Ars Nova）在法国和意大利的出现，阐释其在节奏复杂性和和声运用上所展现出的先驱性。 第二编：文艺复兴的“人本主义”与音乐的黄金时代（约1400年—1600年） 文艺复兴时期，随着人文主义思潮的兴起，音乐摆脱了纯粹的宗教束缚，开始更加关注情感的表达和文本的清晰度。 本编详细考察了勃艮第乐派（Burgundian School）的作曲家如杜法依（Dufay）如何融合了“有节律的”法国风格与“抒情的”意大利风格。重点解析了奥兰多·德·拉索（Orlando di Lasso）和帕莱斯特里那（Palestrina）在宗教复调音乐（如弥撒曲和经文歌）中对“纯净之声”的追求，以及他们如何巧妙地平衡多声部织体与文本可辨识度。 世俗音乐方面，意大利的牧歌（Madrigal）作为文艺复兴时期最重要的声乐体裁，其“音乐文学化”的趋势得到了深入分析，探讨了“文字因画”（Word Painting）技法在表达诗歌意境中的作用。此外，早期器乐音乐的独立发展，如鲁特琴音乐和维奥尔琴合奏的兴起，也被纳入考察范围，为巴洛克音乐的器乐繁荣埋下伏笔。 第三编：巴洛克的辉煌与戏剧性（约1600年—1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上一个充满活力和技术革新的时代。本书首先聚焦于17世纪初在佛罗伦萨“美人圈”中孕育出的歌剧（Opera），分析“巴洛克式歌唱”（Stile concertato）、“数字低音”（Basso Continuo）的诞生，以及卡瓦列里、蒙特威尔第等先驱者如何通过音乐再现戏剧冲突。 接着，对欧洲各地歌剧中心的发展进行了对比，如意大利的早期那不勒斯学派与法国的“歌剧芭蕾”传统。 器乐方面，本编系统梳理了协奏曲（Concerto）体裁的成熟，特别是协奏曲的两种主要形式——大协奏曲（Concerto Grosso）和独奏协奏曲的特点。对组曲（Suite）、赋格曲（Fugue）等重要的器乐形式进行了技术性的剖析。 最后，本书将巴洛克音乐推向高潮，对两位巨匠——亨德尔（Handel）和巴赫（J.S. Bach）的创作进行了深度解读。巴赫在对位法和赋格艺术上的集大成，以及亨德尔在清唱剧（Oratorio）领域对公众品味的精准把握，被视为该时期的艺术顶峰。 第四编：古典主义的平衡与清晰（约1750年—1820年） 随着启蒙运动思潮的深入，音乐审美转向追求清晰、平衡、典雅的“自然”之美。 本编着重分析了“第二维也纳乐派”——海顿（Haydn）、莫扎特（Mozart）和贝多芬（Beethoven）的革新。重点讨论了奏鸣曲式（Sonata Form）的最终确立及其在交响曲、协奏曲和室内乐中的核心地位。对海顿在确立四乐章交响曲结构中的决定性作用，以及莫扎特在歌剧（如《费加罗的婚礼》）中对人物心理刻画的精妙之处，进行了细致入微的分析。 贝多芬的早期、中期和晚期风格转变，被视为古典主义向浪漫主义过渡的关键节点，本书将此期的作品置于社会变革的大背景下进行考察。此外，对钢琴艺术的崛起、键盘奏鸣曲的发展，以及室内乐（尤其是弦乐四重奏）作为“纯音乐”理想载体的地位提升，也得到了充分的阐述。 第五编：浪漫主义的激情与个体解放（约1820年—1900年） 浪漫主义音乐的核心在于情感的极端化表达、对想象力、自然和异域风情的迷恋，以及对个体“天才”的崇拜。 本编首先探讨了舒伯特（Schubert）如何通过艺术歌曲（Lied）将诗歌与音乐完美融合，创造了浪漫主义的声乐典范。随后，对肖邦（Chopin）和李斯特（Liszt）在钢琴音乐领域的革命性贡献，特别是技巧的拓展和性格小品的兴盛，进行了详尽的评述。 大型器乐体裁方面，本书深入分析了标题音乐（Program Music）的兴起，如柏辽兹（Berlioz）的“艺术交响曲”和李斯特的交响诗（Symphonic Poem）。在歌剧领域，对威尔第（Verdi）意大利美声传统的延续，以及瓦格纳（Wagner）“乐剧”（Gesamtkunstwerk）理念的构建，特别是其和声语言的极端化（如“特里斯坦和弦”的暗示）和主导动机的运用，进行了全面的剖析。 民族乐派（如德沃夏克、穆索尔斯基）在借鉴民间音乐元素，建构本民族音乐身份认同方面的努力，也构成了本编的重要组成部分。 第六编：世纪之交与二十世纪的多元探索 跨越19世纪末至20世纪初，音乐创作进入了前所未有的多元化和实验性阶段。 本编探讨了德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）为代表的印象主义（Impressionism），分析他们如何运用全音阶、五声音阶和模糊的和声色彩，营造“瞬间”的听觉意象。 紧接着，本书着重分析了表现主义（Expressionism）在第二维也纳乐派，特别是勋伯格（Schoenberg）手中的激进化。对无调性（Atonality）的探索，以及随后诞生的十二音序列技法（Twelve-Tone Technique）的系统性原理，进行了清晰的逻辑推演。 二十世纪中叶，音乐创作进一步分裂：斯特拉文斯基（Stravinsky）在不同时期对新古典主义（Neoclassicism）和序列音乐的探索；对音色和节奏的极端关注催生了野蛮主义和序列音乐的深化（如布列兹）；电子音乐和偶然音乐（Aleatoric Music）的出现，则标志着作曲家对音乐材料和控制范围的颠覆性尝试。本书将对这些复杂思潮进行梳理，旨在帮助读者理解当代音乐的复杂性和深刻内涵。 全书结构严谨，论述深入浅出，辅以必要的音乐术语解释和关键作品赏析，是掌握西方音乐史全景图景的理想参考读物。

评分☆☆☆☆☆

这本书在对具体作品的案例选取和阐释上，体现出了极高的专业水准和独到的品味。它挑选的例子并非都是那些烂熟于心的“必考曲目”，而是兼顾了代表性和启发性。作者对每一个案例的分析都非常精炼，但又不失深度。比如，他分析某一早期歌剧选段时，不是简单地描述旋律走向，而是结合当时的舞台表演惯例和演唱技巧来解读作曲家的意图，这种“场景化”的分析方式让人印象深刻。更重要的是，书中对于一些音乐史上的“争议点”的处理也显得十分成熟和公正，作者能够清晰地呈现不同学派的观点，并给出自己的审慎判断，而不是武断地下结论。这培养了读者独立思考的能力，让我们在面对复杂的音乐现象时，知道如何去权衡和辨析。总而言之，这本书不仅是一本知识的汇集，更是一本关于如何进行音乐史研究和鉴赏的范本，它教会了我如何带着一颗探求真理的心去面对那些伟大的艺术作品。

评分☆☆☆☆☆

跨文化视野的引入和对非主流音乐的关注，是这本书区别于许多传统教材的显著特点。很多教材似乎只关注德奥传统，但这本书在适当的地方，适时地穿插了对中欧、北欧乃至更早期、更边缘流派的介绍，这极大地拓宽了我的知识面。例如，它对中世纪吟游诗人音乐的讨论，虽然篇幅不长，但寥寥数语就勾勒出了当时音乐在民间流传的生动图景，这与我们通常在课堂上接触到的教会音乐形成了很好的对比。这种包容性和广度，让整个音乐史的图景不再是单调的直线，而是多维度的复杂星系。我感觉作者在撰写时，是在努力还原一个“活的”音乐世界，而不是一个仅仅服务于考试的知识点清单。这种视野的开阔，让读者在学习过程中，能够更全面、更客观地去评价和欣赏不同历史阶段、不同地域的音乐成就。

评分☆☆☆☆☆

关于乐理和分析部分的深度，这本书的处理达到了一个令人惊喜的高度。它没有采取那种“只列举现象不解释原理”的浮泛做法，而是真正做到了深入剖析。比如，它对特定和声进行分析时，往往会引用大量的实例，并辅以精准的术语解释，使得原本晦涩难懂的理论变得触手可及。我尤其欣赏它在讨论曲式分析时所展现的严谨性，它提供了一套非常系统化的分析框架，读者可以依据这个框架，自己去解构和理解那些宏大的交响曲或奏鸣曲。这种方法论的培养，远比死记硬背知识点来得重要得多。对我而言，这本书更像是一位耐心且学识渊博的导师，它不仅告诉我“是什么”，更重要的是告诉我“为什么是这样”，以及“如何去验证它”。这种强调实践和理解的教学方式，极大地提升了我对音乐作品的鉴赏能力，让我从一个单纯的听众，向一个更具批判性思维的聆听者转变。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真不错，封面那种淡雅的米白色调，加上烫金的书名，拿在手里感觉就沉甸甸的，很有学术书籍该有的那种庄重感。我特别喜欢它那种注重细节的排版，文字间距和行距都拿捏得恰到好处，即便是厚厚一本，长时间阅读也不会觉得眼睛很累。印刷质量也是一流的，墨色饱满清晰，即便是那些乐谱插图，线条也锐利得像是用最好的铅笔勾勒出来的。我过去买过一些出版社的书，经常遇到纸张泛黄或者油墨蹭到手上的情况，但这一本完全没有这个问题，看得出出版社在制作环节上的用心。而且，这本书的开本设计也很考究，既方便在书桌上摊开阅读，也方便携带出门，无论是图书馆啃书还是咖啡馆里速览，都很合适。翻阅起来，那种纸张特有的、略带粗粝的触感，让阅读本身变成了一种享受，完全不是那种廉价印刷品可以比拟的体验。如果光看外表，就已经让人对接下来的阅读内容充满了期待，它给人的第一印象就是：这是一本值得珍藏的工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事结构处理得非常高明，它不是那种将音乐史简单地按照时间顺序堆砌起来的流水账，而是巧妙地将不同时期的风格演变、核心作曲家的思想脉络，以及当时的社会文化背景编织成一张立体的网。作者在论述巴洛克时期的对位法时，那种深入浅出的讲解方式让人茅塞顿开，感觉那些复杂的复调结构一下子变得清晰明了。尤其值得称赞的是，它在处理重大历史转折点时的笔力，比如从古典主义向浪漫主义过渡的那段论述，作者不仅仅停留在曲式结构的分析上，更深入挖掘了贝多芬作为“巨人”对个人情感表达的开拓性意义。读到这里，我甚至能感受到作者那种对音乐史的深厚感情，文字中流露出的不是冰冷的学术信息，而是对人类艺术创造力的由衷赞叹。这种叙事上的张力，使得即便是对音乐史不太熟悉的读者，也能被牢牢吸引住，跟随作者的思路，一步步探索西方音乐的辉煌历程。