复调音乐教程音乐卷于苏贤上海音乐出版社音乐考研正版教材9787805539492 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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于苏贤 著

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• 复调音乐
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• 苏贤
• 上海音乐出版社
• 教材
• 9787805539492
• 和声
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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805539492

商品编码：29684830553

页数：481

图书基本信息
书名：	复调音乐教程 音乐卷
丛书名：	中国艺术教育大系 普通高等教育“九五”重点教材
作者/主编：	于苏贤
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787805539492
出版年份：	2001年5月

版次：	第1版
总页数：	481页
开本：	1/16
图书定价：	70.00元
实际重量：	900 g
新旧程度：	正版全新

 

 

 

 

《中国艺术教育大系·音乐卷:复调音乐教程》介绍了在世纪之交编写、出版的“中国艺术教育大系”，是依据文化部1995年颁发的《全国高等艺术院校本科教学方案》，《中国艺术教育大系·音乐卷:复调音乐教程》以艺术本科教育为主，兼顾普通艺术教育的教材。 

《中国艺术教育大系》序 上卷 复调技术理论 章 绪论 第二章 二声部基本对位 节 总论 第二节 类对位一音对一音 一、和声音程 二、调性结构 三、声部进行 四、对位声部避免同音反复及连续模进 第三节 第二类对位二音对一音 一、基本构成 二、第二个二分音符的音程性质 三、二度音程的处理 四、终止式 第四节 第三类对位四音对一音 一、基本构成 二、不协和音及协和音转换的处理原则 三、终止式 第五节 第四类对位切分音对全音符 一、基本构成 二、切分音的性质 三、声部进行与终止式 第六节 第五类对位混合节奏对全音符 一、基本构成 二、新因素与变化形式 第三章 二声部单对位对比复调 节 基本概念 一、单对位的概念 二、对比复调的概念 第二节 新增加的不协和音形式 一、跳进辅助音 二、连用的跳进辅助音 三、非延留音声部的旋律性运动 四、倚音 第三节 对比复调的对比因素 一、不同特性的对比 二、相同特性的对比 第四节 严格写作的二声部对比复调 一、严格对位的旋律特性 二、二声部对比复调的结合原则 第四章 二声部复对位对比复调 节 基本概念 第二节 八度二重对位 一、特性 二、八度二重对位的构成与技术处理原则 三、实际应用 四、写作方法 第三节 十二度二重对位 一、特性 二、写作原则 第四节 十度二重对位 一、特性 二、写作原则 第五节 其他音程的二重对位 一、九度二重对位音程表 二、十一度二重对位音程表 三、十三度二重对位音程表 四、十四度二重对位音程表 第六节 横向可动对位 一、特性 二、写作原则 第七节 纵横可动对位 一、特性 二、写作原则 第八节 倒影对位 一、特性 二、写作原则 第九节 逆行对位 一、特性 二、写作原则 第十节 二重对位的分析方法 第五章 二声部模仿复调 节 基本概念 第二节 严格模仿 一、局部模仿 二、卡农 第三节 变化模仿 一、倒影卡农 二、扩大卡农 三、扩大倒影卡农 四、紧缩卡农 五、紧缩倒影卡农 六、逆行卡农 七、逆行倒影卡农 八、同步倒影卡农 九、自由卡农 十、节奏卡农 第六章 二声部复对位模仿复调 节 基本概念 第二节 无终卡农 一、特性 二、无终卡农的应用形式 三、无终卡农的写作方法 第三节 卡农模进 一、特性 二、卡农模进的构成 三、卡农模进的写作方法 四、卡农模进的应用 第四节 转位卡农 一、特性 二、转位卡农的应用 三、转位卡农的写作方法 第五节 紧接模仿 一、特性 二、紧接模仿的应用 三、紧接模仿的构成及写作方法 第七章 二声部复调乐曲 节 综述 第二节 卡农曲 一、卡农曲的概念 二、卡农曲的结构 三、卡农曲的特性 第三节 创意曲 一、创意曲的概念 二、创意曲的结构形式 三、创意曲的写作 第四节 其他形式的二声部复调乐曲 第八章 三声部基本对位 节 综述 第二节 三声部基本对位 一、和弦 二、和弦的应用原则 三、不协和音的新形式 第九章 三声部单对位对比复调 节 基本概念 第二节 艺术表现特性 一、三个不同特性的主题相结合 二、两个不同特性的主题与陪衬性对比旋律结合 三、一个主题旋律与两个陪衬性对比旋律结合 第三节 三声部对比复调的结合原则 一、基本相同的节奏组织之间的对比 二、节奏特点鲜明的旋律之间的对比 三、三个旋律开始的进入形式 第四节 严格写作的三声部对比复调 第十章 三声部复对位对比复调 节 综述 第二节 八度三重对位 一、特性 二、写作原则 三、实际应用 四、严格写作的八度三重对位 第三节 三声部倒影对位 一、特性 二、写作原则 三、实际应用 四、严格写作的三声部倒影对位 第四节 附加平行三度的三声部复对位 一、特性 二、写作原则 第十一章 三声部模仿复调 节 综述 一、三声部模仿的构成 二、声部进入的形式 第二节 严格模仿 一、局部模仿 二、三声部卡农 第三节 变化模仿 一、倒影变形的三声部卡农 二、扩大时值的三声部卡农 三、紧缩时值的三声部卡农 四、扩大倒影与紧缩倒影卡农 五、自由卡农 第四节 模仿与对比结合的三声部复调结构 一、加自由声部的卡农 二、加自由声部的变形卡农及卡农模进 第十二章 三声部复对位模仿复调 节 基本概念 第二节 三声部无终卡农 第三节 三声部卡农模进 第四节 转位卡农 一、八度三重对位转位卡农 二、二重对位转位的三声部卡农 第十三章 三声部复调形式 节 综述 第二节 复调合唱曲 第十四章 四声部对比复调 节 综述 一、“分对”原则 二、四声部和弦的应用原则 第二节 四声部对比复调 一、艺术表现特性 二、四声部对比复调的结合原则 三、严格写作的四声部对比复调 第十五章 四声部复对位对比复调 节 综述 第二节 八度四重对位 一、特性 二、写作原则 三、实际应用 四、严格写作的八度四重对位 第三节 四声部倒影对位 一、特性 二、写作原则 三、实际应用 四、严格写作的四声部倒影对位 第四节 附加平行三度的四声部复对位 一、特性 二、实际应用 三、写作方法 第十六章 四声部模仿复调 节 综述 一、四声部模仿的构成 二、声部进人形式 第二节 四声部局部模仿 第三节 四声部卡农 一、模仿条件相同的四声部卡农 二、模仿条件不相同的卡农的选择 三、八度四重对位转位卡农 第四节 二重模仿与二重卡农 一、特性 …… 下卷 赋格及其他复调音乐形式

近一个世纪伴随我国艺术教育体系创立、发展的过程中，建立与之相应的中西结合，科学的规范性艺术教材体系，成了几代艺术教育家孜孜以求的奋斗目标。如果说本世纪上半叶，我国艺术教育家们为此已进行了辛勤探索，有了极为丰厚的积累，只是尚欠的话，那么在50年代全国编制各艺术课程教学方案和教学大纲的基础上，于1962年全国文科教材会议之后，国家已有条件部署各项艺术教材的编写和出版工作，并开始付诸实施。可惜由于接踵而来十年“”动乱的破坏，这项工作被迫中断。在教材中如何对待西方现代派艺术，是一个无法回避的问题。正如同志在1983年说过：“我们要向资本主义发达国家学习先进的科学技术，经营管理方法以及其他对我们有益的知识和文化，闭关自守，故步自封是愚蠢的，但是，属于文化的东西，一定要用马克思主义对它们的思想内容和表现手法进行分析，鉴别和批判……。”

好的，这是一本关于西方管弦乐队合奏艺术的深度探讨专著的简介，旨在为音乐院校学生、指挥专业人士以及对管弦乐配器和演奏技术有浓厚兴趣的读者提供一份详尽的参考指南。 --- 《交响的织体：西方管弦乐队合奏的结构、声学与实践》 本书聚焦于管弦乐队这一复杂而精妙的音乐实体，从其历史演进、乐器间的相互作用、声学原理在乐队配置中的应用，以及不同时期指挥艺术对合奏效果的塑造等多个维度，构建了一套系统而深入的理论与实践框架。 本书并非侧重于单一乐器技术或基础对位理论，而是将目光投向整个乐队作为一个有机整体所能达到的艺术高度与技术挑战。它旨在揭示，如何将几十种音色、音域和技术特性迥异的乐器，通过精妙的编配与富有洞察力的指挥，融合成一个统一、富有生命力的声音形象。 第一部分：管弦乐队的建制与演化——从巴洛克到浪漫主义的形制变迁 本部分追溯了管弦乐队作为独立演奏团体的诞生与成熟历程。我们首先回顾了早期乐队的构成——以弦乐组为核心，木管和铜管乐器作为色彩点缀的模式，详细分析了这种早期配置如何服务于如协奏曲和歌剧序曲等体裁的需求。 随后，重点分析了古典主义时期（特别是海顿和莫扎特时期）乐队编制的标准化过程。探讨了双管编制（双簧管、双法国号）的引入如何显著增强了乐队的色彩层次感和动态范围。本书细致描绘了清晰的乐器声部划分如何开始影响作曲家的配器策略，并分析了早期交响曲中“均衡”与“清晰度”的追求。 进入浪漫主义早期，随着管弦乐队的“巨型化”趋势，本书深入研究了大编制乐队的声学基础。这包括对低音区（低音提琴、低音管、大号）力量的加强，以及长号组的正式加入对铜管声部厚度的决定性影响。我们不仅考察了编制的扩张，更分析了这种扩张如何反作用于音乐的表达力——从细腻的心理刻画到史诗般的宏大叙事。 第二部分：声部间的张力与融合——管弦织体的解析 本章是本书的核心理论部分，专注于探究不同声部在合奏中的相互关系、平衡原则以及如何实现“透明度”与“密度”的动态转换。 1. 弦乐组的内部分层与声场构建： 详细分析了第一、第二小提琴、中提琴和大提琴、低音提琴之间的音域重叠与互补关系。重点讲解了如何通过对弓法、揉弦和指法的精细控制，使弦乐组在极弱（ppp）的音量下依然保持音色的统一性，以及在处理厚重和弦时，如何避免“泥泞”感，确保每个声部线条的独立性。特别讨论了中提琴声部在和声支撑中的关键作用，以及其在20世纪配器中获得的独立旋律地位。 2. 木管组的色彩镶嵌技术： 本书将木管组视为乐队的“调色板”。我们剖析了长笛、双簧管、单簧管和巴松（低音管）之间音色衔接的难度与技巧。例如，分析了单簧管在不同换把位时音色亮度的不一致性如何影响旋律的连贯性，以及作曲家如何利用短笛和低音单簧管扩展整个木管组的音域边界。“八度交替”与“音色叠加”是本节的关键讨论点，解释了如何利用巴松和低音提琴的低音连接，以保证木管低音的扎实感。 3. 铜管组的冲击力与支撑： 探讨了圆号、小号、长号和大号在合奏中的功能定位。圆号被视为连接木管与铜管的“桥梁乐器”，其独特的泛音特性如何使其能够巧妙地融入弦乐或木管声部。小号与长号则被视为乐队的“驱动力”，分析了在处理强音和弦时，如何通过不同组别的乐器音量控制，实现“声音的尖锐度”而非单纯的“响度”的控制。 4. 打击组的节奏锚定与空间点缀： 本书对定音鼓、大鼓、铙钹等主要打击乐器的声音特性进行了详尽的音响学分析。阐述了打击乐在合奏中的双重角色：一是提供节奏的明确性和稳定性（如定音鼓对调性中心的强调），二是提供瞬间的色彩爆发和动态的极限拓展。特别关注了在极简主义和印象主义音乐中，打击乐如何从背景装饰转变为构建音乐时间的独立元素。 第三部分：合奏的动态哲学与指挥的视角 本部分侧重于将理论转化为实践的艺术——如何通过有效的指挥技术，将乐谱上的抽象记号转化为统一、富有生命力的听觉体验。 1. 动态的相对性与绝对性： 深入探讨了不同乐器组对同一动态标记（如 mf 或 f）的物理响应差异。例如，弦乐组的 f 可能需要更长的渐强时间来达到饱和，而铜管组的 f 则可能瞬间达到最大功率。指挥如何通过手势、眼神和预示性动作，引导各声部在“同一时刻”达到“同一种音响感知目标”。 2. 空间声学与舞台布局对合奏的影响： 分析了音乐厅的反射特性如何影响乐队的自我监听和听众的接收效果。探讨了指挥家在确定乐队布局时，如何利用乐器间的物理距离和声学特性，来优化特定声部的清晰度或融合度。例如，在处理厚重和弦时，铜管组的微妙后移或前置对整体声场平衡的具体影响。 3. 织体透明度的指挥策略： 这不是简单的“减弱某声部”，而是对音乐“层次感”的雕塑。本书提供了一系列针对性的训练方法，帮助指挥家识别和修正织体中的“模糊点”——即声部重叠导致信息丢失的区域。这包括对特定乐器组的“聚焦练习”和“声部分离练习”。 4. 速度的弹性与节奏的内在脉搏： 探讨了如何在严格的拍号下，实现内部节奏的流动性（Rubato在合奏中的应用）。分析了不同作曲家（如马勒与斯特拉文斯基）对节奏精确性的不同要求，以及指挥家如何通过对“重音”、“附点”和“休止符”的微妙处理，来体现作品的内在驱动力。 结语：面向未来的管弦艺术 本书最终展望了20世纪后期及当代管弦乐的最新发展，包括电子乐器与传统管弦乐的融合、扩展技巧（Extended Techniques）在合奏中的整合挑战，以及如何在新音乐语境下重新定义“合奏的完美性”。 本书旨在为读者提供一个宏观的、结构性的视角，理解管弦乐队不仅仅是乐器的堆砌，而是一个需要深刻理解声学、心理学和历史语境才能驾驭的复杂艺术系统。

评分☆☆☆☆☆

作为一个自学者，我经常在面对艰深的音乐理论时感到迷茫，不知道该从何入手才能系统地建立知识体系。这本书的结构安排，简直就像一位循序渐进的良师。它不是简单地堆砌知识点，而是按照一条清晰的逻辑主线推进的。从最基础的两个声部对位开始，稳扎稳打地引入各种限制和技巧，然后逐步过渡到三声部、四声部的复杂织体。这种阶梯式的难度提升，给了我极大的信心去攻克下一个难关。而且，书中对每一种对位法（比如自由对位、严格对位）的介绍都非常细致，给出了大量不同历史时期的范例，这让学习过程非常立体，不至于局限于某一个特定的风格或时期。我感觉自己不是在背诵规则，而是在学习一门艺术的创作方法论。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容深度，真的对得起它“考研”的定位。我发现很多其他入门书籍里一带而过或者干脆不涉及的精微之处，这本书都做了详尽的剖析。特别是关于和声与旋律线条之间相互作用的探讨，非常深入。它不仅仅告诉你“这样做是对的”，更解释了“为什么这样做听起来更好”，挖掘了背后的审美和功能性需求。这对于我们这种想要从事音乐理论研究或者希望提高自己作曲水平的人来说，简直是如获至宝。有时候我甚至会停下来，根据书中的提示，自己尝试在纸上写一写简单的对位练习，然后对照书中的范例进行自我修正。这种实践与理论的紧密结合，是真正意义上的“学以致用”。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，这本书的装帧和排版真是让人眼前一亮，完全没有传统教材那种枯燥乏味的感觉。纸张的质感很舒服，而且印刷的清晰度极高，即便是那些密密麻麻的五线谱例子，看起来也一点都不费力。最让我欣赏的是，它在讲解复杂概念时，总是能找到一个绝佳的平衡点——既保证了学术的严谨性，又保持了阅读的流畅性。它不像有些教材那样，为了追求高深而故作晦涩，而是努力用最清晰的语言去阐述核心思想。我常常在图书馆或咖啡馆里翻阅它，即使只是随手翻到一页，也能立刻被里面的某个音乐现象所吸引，然后不由自主地就沉浸进去了。这种设计上的用心，无疑极大地提升了学习的效率和兴趣，让原本可能让人望而却步的专业知识，变得亲切和易于消化。

评分☆☆☆☆☆

老实说，这本书的篇幅和知识密度让人有点“压力山大”，但正是这种扎实的内涵，让我觉得物超所值。它要求学习者付出足够的耐心和时间，因为它拒绝任何形式的“捷径”。对于我来说，它更像是一本可以长期陪伴我的参考书，而不是一本学完就束之高阁的应试材料。我注意到书中引用的文献和案例都非常权威，显示出编者深厚的学术功底。每一次我带着一个新的疑问去翻阅它，总能找到相关的、详尽的解答。这种百科全书式的全面性，让我对外来学习复调的各个分支，比如不同风格时期的织体变化，都有了一个清晰的认知框架。能够拥有一本如此严谨、全面的教材，是备考路上的一大幸事。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的乐理书简直是我的救星！我一直觉得复调音乐听起来高深莫测，那些线条交织在一起的感觉总是让我有点晕乎乎的。但自从我开始啃这本教材，很多以前想不通的地方一下子就清晰了。它不是那种干巴巴地罗列规则的教科书，而是非常注重“听感”和“理解”。比如，它会用很多生动的例子来解释对位法的原理，让你在脑海中能勾勒出不同声部是如何互相追逐、模仿、又如何巧妙地融合在一起的。我尤其喜欢它对巴赫作品的分析部分，那种层层剥茧的讲解方式，让我发现原来那些复杂的赋格曲里藏着这么清晰的逻辑和美感。读完前几章，我感觉自己看音乐的耳朵都被“升级”了，对古典音乐的欣赏层次一下子就上去了。对于准备音乐研究生的同学来说，这本书的深度和广度是毋庸置疑的，它确实能帮你打下极其坚实的基础，不仅仅是死记硬背，更是真正理解复调思维的精髓。