音乐教程 中国音乐学院复调音乐分析教程 张韵璇正版音乐理论教材书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806676516

商品编码：29867344404

丛书名： 复调音乐分析教程

开本：16开

出版时间：2009-11-01

内容介绍

作为多声部音乐之一的复调音乐是构筑音乐大厦的重要材料，它以藤蔓式的横向线条与基石般的纵向和声紧密配合，共同营造着作品的立体化音响效果。和声与复调就像一枚钱币的两面，互为表里，谁也离不开谁。音乐院校作曲专业开设的作曲技术理论“四大件”中，和声与复调总是其中不可缺少的两门课程。但是，音乐院校中非作曲专业的复调公共课却常常被忽视，探其究竟，教学模式的困惑或相关教材的匮乏当是其中重要的原因。不开设复调公共课会造成学生知识结构的欠缺，这一点许多同仁们是有所共识的，但如何开设该门课程就不仅是个人认知问题，而更是个实践层面上的问题。目前大多数音乐院校、师范院校和声与复调公共课的教学思路，基本上是根据作曲专业以写作为主的模式进行因陋就简的改造而来。这种作法不能不说是解决课程开设难题的办法之一，而且是省事的，但它却存在着许多的弊端。本来，非作曲专业学生由于学习任务和专业条件的不同就没有必要进行太多、太重的写作训练，何况恰恰是这种费时费力的写作训练影响了学生对更宽阔、更系统、更相关的知识、文献和信息的获取。

目录 前言
绪论1
一、什么是复调音乐1
二、复调音乐发展简述4
三、复调音乐的类型8
上编 复调音乐分析教程
第 I 单元 对比式复调13
第 I 章 对比要素13
一、音高14
二、节奏14
三、结构19
四、旋律形态22
五、调式、调性23

第二章 二声部对比27
一、和声27
二、织体33

第三章 三、四声部对比37
一、和声37
二、织体39
第二单元模仿式复调49

第四章 模仿的构成49
一、基本概念49
二、模仿要素57
三、声部进入的顺序53

第五章 简单模仿——模仿的基本形式之一
一、简单模仿的构成55
二、**模仿与守调模仿58

第六章 卡农式模仿——模仿的基本形式之二
一、卡农式模仿的构成63
二、不同高度的卡农式模仿66

第七章 变化模仿74
一、倒影模仿74
二、扩大模仿77
三、缩小模仿78
四、逆行模仿80
五、自由模仿87

第八章 几种复杂的卡农模仿形式85
一、带自由声部的卡农85
二、无终卡农87
三、卡农式模进9D
四、二重卡农95

第三单元 复对位7D5
第九章 纵向可动对位105
一、对比式复调的纵向可动对位7D5
二、模仿式复调的纵向可动对位12D

第十章 横向与纵横可动对位124
一、对比式复调的横向与纵横可动对位124
二、模仿式复调的横向与纵横可动对位125

第十一章 倒影对位与逆行对位130
一、倒影对位130
二、倒影对位与纵向可动对位相结合134
三、倒影转位卡农137
四、逆行对位138

第四单元 复调曲体141
第十二章 赋格曲141
一、一般特征141
二、基本结构成分142
三、赋格曲的整体分析146

第十三章 其他复调曲体152
一、创意曲152
二、复调变奏曲156
三、圣咏前奏曲159
四、经文歌弥散曲161
附录一 复调手法归纳表163
附录二 复调音乐的历史及风格演变169

下编 分析谱例
第 I 单元 对比式复调(1-30)
第 I 章 (1-8)187
第二章 (9-20)193
第三章 (21-30)202

第二单元 模仿式复调(31-69)
第四章 (31-38)213
第五章 (39-149)218
第六章 (50-159)226
第七章 (60-69)232

第三单元 复对位(70-111)
第八章 (70-89)240
第九章 (90-99)256
第十章 (100-105)270
第十一章 (106-111)275

第四单元 复调曲体(112)
第十二章 (112)280

 

作者简介 张韵璇，汉族，1943年出生，中国音乐家协会会员，中国音乐学院教授、硕士研究生导师、作曲系和声复调教研室主任。1967年毕业于中国音乐学院作曲系，长期从事作曲技术理论教学及研究工作。著有《梅西安与十四世纪新艺术派的异曲同工之美——论等节奏技巧及其审美意识》、《作

好的，这是一份关于其他音乐理论教材的详细图书简介，完全不涉及《音乐教程 中国音乐学院复调音乐分析教程 张韵璇正版音乐理论教材书籍》的内容。 --- 《西方和声学基础与实践：从巴洛克到浪漫主义的探索》 作者： [此处可虚构一位资深音乐教育家姓名，例如：李明德] 出版社： [此处可虚构一家权威音乐出版社名称，例如：星海音乐出版社] 定价： 人民币 128.00 元 开本： 16开 页数： 约 580 页 书籍简介： 本书是一部系统、深入、面向专业音乐院校学生及高阶音乐爱好者的西方音乐和声学教材。它超越了传统和声学教材的僵化框架，以严谨的理论建构为基石，结合丰富的历史语境与大量的实例分析，旨在培养学习者扎实的和声思维能力和独立分析的音乐耳朵。 第一部分：基础音高与调性系统重构 本书伊始，并非直接跃入三和弦的堆砌，而是首先对西方十二平均律体系的物理学基础及其在音乐实践中的演变进行了细致的回顾。我们探讨了纯律体系向平均律过渡的音乐动力学，尤其关注了巴赫时代“平均律”的实际含义，而非仅仅是技术规范。 音高与音响心理学： 探讨人耳对音高的感知机制，以及不同调律体系对音乐情感表达的影响。 调性功能分析的深化： 传统教材中对主、属、下属三和弦的描述往往过于静态。本书引入了“功能强度”与“调性张力”的概念，详细分析了在不同音乐时期（如早期巴洛克与晚期浪漫主义）中，同一和弦功能如何在语境中产生截然不同的听感效果。 基础和弦的拓展： 除了大、小三和弦，本书对七和弦（属七、大七、小七、半减七）的结构及其在解决与不解决状态下的功能角色进行了详尽的图表解析和听觉训练指导。 第二部分：和声连接与织体构建 本部分是全书的核心，重点关注和声进行中的逻辑性和流动性，这是区分初级学习者与成熟音乐家的关键所在。 古典主义和声语汇（海顿、莫扎特时期）： 严格对位与和声的交织： 深入分析如何将巴赫时期遗留的对位思维融入到古典主义的清晰结构中。着重讲解“序进”的手法及其在清晰的乐句划分中的作用。 转调技巧的层级划分： 系统梳理了近系、远系转调的技法，并引入“枢纽和弦识别模型”，帮助学生快速定位转调的起点与终点。我们特别强调了“功能性转调”与“色彩性转调”的区别。 浪漫主义的和声扩张（舒伯特、肖邦至瓦格纳早期）： 和弦的内涵延展： 详细分析了九和弦、十一和弦的应用，特别是其作为“色彩和弦”而非严格的功能和弦时，在营造特定氛围中的作用。 副属和弦的动态运用： 不仅列举了V/V、V/IV等常见的副属和弦，更深入探讨了其“倾向性”的建立过程，以及如何利用它们来制造预期的打破与重建。 半音化和弦的精细剖析： 侧重分析减七和弦在功能模糊化、制造情绪张力方面的多重可能性，以及如何避免其在实践中的滥用。 第三部分：和声的风格化处理与分析工具 本书的价值在于将理论应用于实际的音乐作品分析中。本部分提供了具体的方法论，帮助读者从“记谱”走向“理解”。 乐段分析与结构和声： 介绍如何从宏观结构层面（如奏鸣曲式、回旋曲式）来审视和声的布局，理解和声在乐章发展中的“推动力”。 织体与配器的交互影响： 和声的听感极大地依赖于织体（如四部和声、钢琴织体、管弦乐队配器）。本书提供了具体的案例，说明在不同乐器组合下，如何调整和声的密度、音域分配以达到最佳的听觉效果。 风格分析案例库： 精选了巴赫的赋格片段、海顿的奏鸣曲引子、贝多芬的慢板乐章以及勃拉姆斯室内乐中的复杂和声进行，进行逐小节的深度解析。解析不仅关注“是什么和弦”，更关注“为什么是这个和弦”。 本书特色： 1. 理论的严谨性与实践的贴合度并重： 结构清晰，数学般严谨，同时注重在大量真实音乐作品中的验证。 2. 大量“思考题”与“听辨练习”： 每章末尾均设置了由浅入深的习题，辅以配套的音频资源（需另行购买或下载），旨在将视觉的理解转化为听觉的确认。 3. 强调“历史语境”： 拒绝将所有时期的音乐置于同一套和声规则下评判，鼓励学习者理解特定历史时期音乐家所面临的创作挑战与解决方案。 4. 专设“和声色彩词汇表”： 帮助学习者建立一套准确描述和声听感（如“透明的”、“厚重的”、“游移的”、“坚实的”）的专业术语体系。 适用对象： 音乐学、作曲与指挥、音乐教育等相关专业本科生及研究生；有一定基础，希望深入研究西方音乐语言的业余学习者；需要系统梳理和声知识的中学及艺术培训机构教师。通过本书的学习，读者将能更自信地解读古典、浪漫时期的西方音乐，并将其理论应用于自身的创作实践中。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧简直是教科书制作的典范，拿在手里就感觉分量十足，那种沉甸甸的质感，让人对里面的内容充满了期待。封面设计简约而不失专业性，没有过多花哨的装饰，这一点深得我心，毕竟是用于严谨的音乐学习的工具书，需要的是一种学术的庄重感。内页纸张的选择也非常考究，字迹清晰锐利，墨色浓淡适宜，即便是长时间伏案阅读，眼睛也不会感到过分疲劳。尤其是那些乐谱示例的印刷质量，每一个音符、每一个力度记号都处理得恰到好处，线条的精细度足以媲美专业的乐谱出版物，这对于需要仔细辨别复杂复调织体的人来说，简直是福音。侧边留白的处理也体现了编者的细心，方便我们在阅读过程中随时进行批注和勾画重点，这对于我这种习惯于在书本上留下学习痕迹的读者来说，非常友好。装订工艺看起来也十分牢固，即便是经常翻阅和对照，也不担心书脊会轻易散开，这确保了它能陪伴我度过漫长且艰巨的学习旅程。整体来看，这本书在物理形态上就已经传递出一种“值得信赖、专业可靠”的信号，这为接下来的学习奠定了极佳的第一印象。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的逻辑组织结构简直是为初学者量身定做，又兼顾了资深学习者的深入需求。它不是简单地堆砌理论知识点，而是构建了一个清晰的、层层递进的学习路径。从最基础的对位原则梳理，到逐步引入更复杂的织体分析，过渡得非常自然流畅，几乎没有出现那种让人感到突兀或者“迷路”的章节。作者似乎非常理解学习者在面对复调音乐时，那种从宏观把握到微观细节的思维转变过程。比如，在讲解某个特定的复调技巧时，它会先给出该技巧在不同历史时期和不同作曲家作品中的体现的宏观描述，然后才细致地拆解到一个具体的声部进行分析，这种“先见树木，再见森林”的教学法，极大地帮助我构建了完整的知识框架。我特别欣赏它在理论阐述后紧接着安排的大量实例分析，这些实例的选择往往兼具代表性和启发性，不仅仅是枯燥的练习曲，而是真正具有音乐美感的片段，这让学习过程充满了乐趣，也让抽象的理论变得具象化，真正做到了学以致用。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格可以说是学术严谨与平易近人之间找到了一个绝妙的平衡点。它并没有因为是专业教材就故作高深，而是用一种相当清晰、精确的措辞来描述复杂的音乐现象。面对一些极度抽象或容易引起歧义的术语时，作者总是能用精准的定义和恰当的比喻来加以说明，避免了许多同类教材中常见的晦涩难懂。尤其是在讨论某些“灰色地带”的分析判断时，书中会明确指出不同流派或不同学派可能存在的分析差异，并给出合理的解释，这种开放性的讨论态度，极大地鼓励了我独立思考，而不是盲目接受单一标准。我感觉作者在撰写每一个段落时，都在脑海中预设了一个正在学习的听众，时刻注意着如何把知识点最有效地传递过去。这种教学上的同理心，是很多理论书籍所缺乏的，也是这本书能够真正“教会”读者的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

作为一本深入学习的参考书，配套的习题和案例分析的深度绝对是超乎预期的。那些用来检验理解程度的练习题，绝不是简单的名词解释或片段重构，而是需要动用综合分析能力的“小挑战”。它们的设计巧妙地将理论知识点巧妙地融入到实际的音乐片段中，迫使读者必须调动起对和声、对位以及曲式结构的全面认知才能解开谜题。更值得称赞的是，对于一些难度较高的分析题，书后提供的解析部分（如果有的化，或者在专门的解析册中）可以说是详尽入微，它不仅告诉你“答案是什么”，更会一步步展示“我是如何得出这个答案的”，这种透明化的解题过程，远比只给出最终结果更有价值。这使得我在卡壳的时候，不是感到挫败，而是能从中领悟到分析的完整思维链条，这对于自我修正和提升分析能力至关重要，它真正培养的是一种解决问题的能力，而非死记硬背。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容的前沿性和广度上也给我留下了深刻印象。虽然它是一本教程，但明显地吸收了近些年音乐学研究领域的一些最新成果和视角。它没有固步自封于传统的“巴赫-莫扎特”范式，而是将触角伸向了更广阔的音乐领域，对不同时期、不同风格的作品都进行了精到的分析，确保了读者建立的分析体系是具备时代适应性和跨风格适用性的。我尤其欣赏它在分析方法上的包容性，既保留了经典分析的严谨，又融入了现代分析工具的考量。这使得这本书不仅仅是一份“过去”的知识记录，更是一份面向“未来”音乐研究的指南。它提供的不仅是分析的工具箱，更是思维的框架，让我感觉自己正在接受的是一套与时俱进、真正能应对未来复杂音乐挑战的专业训练，这对于任何严肃的音乐学生来说，都是一本不可或缺的基石性读物。