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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301274200

商品编码：29867350653

丛书名： 文体问题现代中国的文学社团和文学杂志(191

《单簧管入门》单簧管是木管乐器的一种，通常用非洲黑木制造，由木料、硬橡胶或金属制成，有一个鸟嘴形的吹口和圆形的空心，管身是可装拆的喇叭口，管体成圆筒形，下端为开放的喇叭口。在吹口处固定一个簧片，吹奏者通过簧片和吹口的空间吹气时，并配合下唇适当的压力，薄薄的簧片尖产生振动，使乐器管内的空气柱开始振动，因而发出柔美的音色。其根源可以追溯到号角和风笛，一般认为是从一种类似竖笛的单簧片乐器芦笛演变而来。

 

概述
01 单簧管的故事
02 乐器的挑选与保养
03 簧片的保养与调整
基本发音练习
04 口形
05 呼吸
06 笛头练习
07 演奏姿势和整支单簧管练习
基本技术练习
08 音准与音色练习
09 连音练习
10 吐音练习
11 音阶与琶音练习
12 关于视谱和练习建议
13 怎样演奏好乐曲

 

 

内容提要

单簧管是木管乐器的一种，通常用非洲黑木制造，由木料、硬橡胶或金属制成，有一个鸟嘴形的吹口和圆形的空心，管身是可装拆的喇叭口，管体成圆筒形，下端为开放的喇叭口。在吹口处固定一个簧片，吹奏者通过簧片和吹口的空间吹气时，并配合下唇适当的压力，薄薄的簧片尖产生振动，使乐器管内的空气柱开始振动，因而发出柔美的音色。其根源可以追溯到号角和风笛，一般认为是从一种类似竖笛的单簧片乐器芦笛演变而来。

编辑推荐

钱俊，单簧管演奏家，博士。现任美国Houghton大学与Nazareth大学单簧管教师。他自幼学习单簧管，1986年以优异成绩考入上海音乐学院，随顾鹏、洪竞立先生学习。1994年赴美留学，先后随Richand A·Shanley博士、Kenneth Grant先生与单簧管大师Stanley Hasty先生学习，并获Eastman音乐学院演奏与文学艺术博士学位。
在美期间，他还荣获单簧管协会乐队独奏一等奖及青年艺术家独奏比赛三等奖，成为该协会有史以来在同一年度获两项大奖的演奏家。出版了个人首张专辑《狂想曲》，并担任Eastman管乐团、美国管乐团的首席单簧管。2000年，他应邀在卡内基音乐厅演出单簧管协奏曲，是在该音乐厅进行独奏的华人管乐演奏家；2004年，他在纽约州Rochester市举行的个人音乐会被美国国立公共广播电台实况转播；他还受SONY音乐基金会等邀请，在日本音乐节进行独奏演出；2006年受中国文化部的邀请，在法国巴黎成功地举行了个人音乐会。本世纪以来，他还在中国各地成功演出单簧管协奏曲，影响广泛。

 

音乐理论精要：从零构建你的音乐世界 作者： [此处留空，或填写与前述DVD内容完全无关的领域专家] 出版社： [虚构出版社名称，例如：和声工坊] ISBN： [虚构ISBN，例如：978-7-5000-0001-2] 字数： 约 45 万字 --- 书籍简介 本书《音乐理论精要：从零构建你的音乐世界》并非专注于任何特定乐器的演奏技巧或入门指导，它是一部全面、系统、深入浅出地阐述西方音乐基础理论的教科书与参考手册。我们的目标是为所有对音乐的内在结构、逻辑和美学原理感到好奇的人士提供一座坚实的知识桥梁，无论他们是专业的作曲家、严肃的音乐学生，还是仅仅希望提升欣赏水平的听众。 本书完全脱离了针对单一乐器（如单簧管）的实操层面，转而聚焦于支撑所有音乐表达的抽象概念和普适规律。 第一部分：声音的本源与基础物理 本部分将带领读者从物理学的角度审视“音乐”这一现象的本质。我们不会探讨如何吹奏或指法如何对应，而是深入研究声音的产生、传播及其可量化的属性。 1. 听觉的科学与频率的基石： 详细解析声波的构成，包括振动频率、波形和幅度。清晰区分物理振动与主观感知（音高、响度、音色）之间的关系。我们将用图表解释等比级数在音高划分中的作用，而非直接给出任何乐器按键的对照表。 2. 律制体系的演变： 本章将追溯人类如何从自然泛音列（谐波序列）中发现音程，并逐步建立起科学的音高系统。重点对比纯律、毕达哥拉斯音律，并详细剖析十二平均律的数学原理、历史必要性以及其在现代音乐中的统治地位。读者将理解八度、五度、四度的精确频率比，但不会涉及任何指法图或特定乐器的音域划分。 3. 音高与记谱的视觉化： 解释音名（A, B, C...）和唱名（Do, Re, Mi...）的对应关系，以及它们如何在五线谱上被标准化地记录。本书将大量使用数学坐标和图表来展示音高的相对位置，强调记谱法作为一种抽象符号系统的功能，而非作为乐器演奏的直接指令。 第二部分：节奏、节拍与时间的组织 本部分专注于音乐时间维度的结构化处理，这是将声音组织成连贯“乐句”的关键。 1. 节奏的定义与要素： 区分“节奏”（Rhythm，指音符时值排列的模式）与“节拍”（Meter，指组织这些时值的周期性框架）。本章详尽分析音符、休止符的时值关系，如全音符、二分音符、十六分音符等，完全基于数学分数关系，与任何乐器的演奏速度无关。 2. 拍号的意义与构建： 深入探讨拍号（如 4/4, 3/4, 6/8）如何指示重音的分布和组块结构。我们将分析复合拍号与简单拍号的区别，以及不规则拍号（如 5/8）如何打破常规的听觉预期。书中不会出现任何指挥手势的图解或对齐节拍器的建议。 3. 复合节奏与错位： 探讨复节奏（Polyrhythm）和对位节奏（Cross-rhythm）的理论概念。通过叠加不同的时间分割（如 3 对 4 的叠加），展示如何创造复杂的、充满张力的时间织体。这些分析完全基于时值比例，不涉及任何具体的演奏技术来实现这种效果。 第三部分：和声的逻辑与色彩的构建 和声学是本书的核心，它研究音符垂直组合产生的效果与规律。 1. 音程的性质与情感投射： 彻底分类和分析所有音程（如大三度、小六度、增四度），阐述它们在听觉上的“张力”与“协和”程度。分析泛音列如何赋予特定音程特定的听感特征。 2. 三和弦的结构与功能： 详尽解析大三和弦、小三和弦、增三和弦、减三和弦的构成原理，基于音程堆叠。本章的重点是功能和声学的奠基石——主、属、下属功能（Tonic, Dominant, Subdominant）的概念，它们是音乐“前进”的内在驱动力。 3. 调性系统的运作： 系统讲解大调与小调的音阶构成（自然、和声、旋律），以及如何围绕中心音（主音）构建功能和声体系。我们将绘制大量的和弦图表，展示和弦的转位、七和弦的扩展，以及它们在调性框架内的逻辑连接（如导音的作用）。 4. 调性之外的探索： 引入更复杂的和声材料，包括模态和声（基于教会调式），以及对非功能性和声（如全音阶、十二音体系的早期思想）的理论探讨，为读者打开通往现代音乐的大门。 第四部分：曲式结构与音乐的宏大叙事 本部分将探讨如何将声音、节奏和和声组织成具有清晰结构和逻辑流程的完整作品。 1. 动机、乐句与段落的组织： 分析音乐材料如何通过重复、模进（移高或移低）、对比和变化，从最小单位（动机）发展成完整的乐句（Phrase）。 2. 基础曲式结构解析： 详细剖析西方音乐中最常见的几种结构模型： 二部曲式 (A-B)： 强调对比与平衡。 三部曲式 (A-B-A)： 深入分析回归的意义和中段的对比作用。 变奏曲式： 探讨如何在保持核心主题不变的情况下，改变其和声、节奏或织体。 奏鸣曲式（理论概述）： 侧重于呈示部、展开部和再现部的功能划分，而非对特定乐章的演奏分析。 3. 对位法的基本原理： 介绍对位法作为组织独立声部之间关系的艺术。重点解释两条或多条旋律线如何相互交织、模仿与竞争，实现垂直（和声）与水平（旋律）的统一。 --- 本书特色总结： 高度抽象化： 专注于音乐的数学、物理和结构逻辑，完全避免任何特定乐器的演奏细节、发音技巧或器材选择。 面向普适性： 理论框架适用于管弦乐、室内乐、键盘乐器乃至电子音乐的结构分析。 图表导向： 使用大量的音高图、节奏比例图和和声功能图表，强化读者的概念理解。 学术严谨性： 采用严谨的术语体系和清晰的逻辑推导，为读者打下坚实的音乐分析基础。 本书旨在教授“如何思考音乐”，而非“如何演奏音乐”。它将是所有希望超越表面听觉享受，深入理解音乐家创作意图的听众与学习者的必备案头工具。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的爵士鼓爱好者，我总是在节奏的稳定性上感到吃力，这本书的出现简直是为我量身定做的。它非常侧重于节奏的“律动感”（Groove）和“精准度”的训练，而非炫技。全书结构清晰，首先从最基础的脚踏板控制开始，详细分析了高低脚跟（Heel up/Heel down）在不同力度和速度下的优劣。接着，它引入了“复合节奏”的训练方法，通过将不同的鼓组部件（底鼓、军鼓、踩镲）进行模块化组合，循序渐进地提高了我的手脚协调能力。最让我印象深刻的是，它引入了“视觉化节拍器”的概念，教你如何在大脑中构建一个稳定的时间网格，而不是完全依赖外部的嘀嗒声。书中附带的配套CD中，提供了大量不同速度下的伴奏音轨，从简单的布鲁斯节奏到复杂的放克（Funk）律动，让你可以在真实的音乐场景中练习，而不是对着干巴巴的节拍器敲打。这本书的实用性极强，让我对节奏的理解从“数拍子”提升到了“感受时间流逝”的层面，大大增强了我的乐队合作信心。

评分☆☆☆☆☆

最近在研究数字音乐制作，偶然翻到了这本关于编曲和混音的工具书，简直打开了新世界的大门。我之前一直困惑于为什么我做的Demo听起来总是“干巴巴的”，没有专业音乐的那种空间感和冲击力。这本书没有堆砌晦涩难懂的术语，而是从实际操作层面，手把手地教你如何使用主流DAW软件中的EQ和压缩器。它用了很多非常直观的图示来解释“动态范围”和“频谱分析”，比如它会告诉你，低音吉他的频率区域和底鼓的哪个频段容易“打架”，然后给出最有效的削减和提升方案。最让我佩服的是，它对“混响（Reverb）”和“延迟（Delay）”的讲解达到了教科书级别的高度，不再是简单地“调大Wet/Dry比例”，而是深入到板式混响、厅堂混响的参数设置，以及如何用延迟来制造节奏上的层次感。看完这本书，我重新审视了我以前的作品，发现很多问题都是出在空间感处理上。现在我做出来的东西，听起来立体多了，层次分明，非常具有专业感。对于想在家庭工作室做出厂牌品质音乐的朋友，这本书绝对是必备手册。

评分☆☆☆☆☆

我得说，我淘到一本关于萨克斯风演奏技巧的“秘籍”！这本书的视角非常独特，它不是那种干巴巴的乐理书，而更像是一个经验丰富的老乐手在跟你唠家常，分享他的心路历程和踩过的那些“坑”。比如，它深入探讨了口型（Embouchure）的微妙调整，这一点是很多教材容易一带而过的地方，但作者却用非常形象的比喻——“像含着一颗柔软的鹅卵石”——来描述那种既要放松又要保持张力的感觉。书里还特别强调了呼吸支持的重要性，提供了几个非常有效的腹式呼吸训练方法，我坚持练习了一周，感觉气息明显比以前稳定多了，吹奏长音时不再那么容易“飘”了。更绝的是，它还专门开辟了一章，讲解如何根据不同的音乐风格（爵士、古典、流行）来调整音色和情感表达，这一下子打开了我的视野，让我明白了乐器不只是发出声音，更是用来“说话”的。这本书对于想要从“会吹”进阶到“会演奏”的人来说，价值实在太高了，结构严谨又不失趣味性，读起来完全没有压力。

评分☆☆☆☆☆

哇，最近迷上了一本关于小提琴的入门书籍，简直是我的救星！我之前完全零基础，光看乐谱就头疼得厉害，更别提那些复杂的运弓技巧了。这本书的排版设计非常人性化，图文并茂，尤其是那些高清的分解动作图，简直是手把手地教你如何持弓、如何按弦。我记得有一章专门讲“Vibrato”（揉弦），我试了好多方法都不对劲，但这本书提供了一个非常有趣的“肌肉记忆”练习法，让我一下子就找到了感觉。而且，它的选曲也特别棒，从最简单的音阶开始，慢慢过渡到一些耳熟能详的古典小品，听起来一点都不枯燥。最让我惊喜的是，它居然还附赠了一个详细的在线资源链接，里面有所有练习曲目的示范音频和慢速版本，这对于自学者来说太重要了，可以随时校准自己的节奏和音准。这本书真的让我觉得学小提琴不再是遥不可及的梦想，每天下班回家对着镜子练习，都能感受到自己的进步，成就感满满！这本书绝对是初学者不可多得的宝藏教材。

评分☆☆☆☆☆

我对古典吉他练习的枯燥感终于得到了治愈，因为我找到了一本超赞的教材！这本书最大的特点就是它将技术训练和音乐欣赏完美地结合在了一起。它不是那种只给你一堆练习曲让你机械地重复，而是每学完一个指法技巧（比如不同的拨弦方式或和弦转换），它都会立刻搭配一首与之相匹配的、短小精悍的练习曲或乐段。这些练习曲的风格非常多样，从巴洛克时期的对位练习，到西班牙民谣的浪漫旋律，应有尽有。我特别喜欢它关于右手拨弦的章节，它详细区分了“Tirando”（自由拨弦）和“Apoyando”（靠弦）在音色和力度上的差异，并通过几个非常清晰的听觉描述，让我能立刻分辨出自己弹奏的效果是否到位。此外，这本书对乐谱的注释也非常到位，除了标准的指法标记外，还融入了作曲家的时代背景和情感意图的解读，让你在弹奏时不仅仅是在“完成”音符，而是在“讲述”一个故事。这让原本枯燥的练习过程变得充满了探索的乐趣和艺术的享受。