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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 四川文艺出版社

ISBN：9787541137174

商品编码：29867354329

丛书名： 著名交响曲欣赏

开本：16开

出版时间：2013-08-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

 

• 书名: 钢琴名曲精粹3
• ISBN编号: 9787540439071

 

寰宇之音：古典音乐的无尽探索与实践 引言：聆听历史的回响，触摸指尖的温度 音乐，是人类情感最精妙的载体，而古典音乐，更是经过时间洪流淘洗，沉淀下来的精神瑰宝。本书并非聚焦于某一特定乐器或某一特定阶段的教程，而是一部宏大叙事、旨在引导读者全面、深入地理解与欣赏西方古典音乐的恢弘版图。它将带领您跨越巴洛克时代的严谨对位，穿越古典主义的和谐典雅，感受浪漫主义的激情澎湃，直至现代音乐的无限可能。我们不提供具体的乐谱练习，而是致力于搭建一座理解音乐语言的桥梁，让每一次聆听都成为一次有深度的对话。 第一部：溯源与架构——西方音乐的基石 本部分着重于构建读者对西方音乐发展脉络的宏观认知。我们不会讨论具体练习曲的指法，而是深入剖析音乐形式与美学观念的演变。 第一章：中世纪与文艺复兴的曙光 我们将追溯西方音乐的源头，从格里高利圣咏的单音音乐，到复调音乐的萌芽。重点探讨奥兰多·迪·拉索（Orlando di Lasso）和乔斯昆·德普雷（Josquin des Prez）等大师的作品中所体现的“人文化”精神。此阶段的音乐，是宗教与人文思想交织的产物，其声部进行与和声逻辑，为后世所有音乐创作奠定了最基础的“线性思维”。我们将详细分析秘仪（Motet）与弥撒曲（Mass）的结构，理解旋律如何在不同的声部间交织、渗透，形成初级的空间感。 第二章：巴洛克：理性与激情的交响 巴洛克时期，是音乐史上一次划时代的飞跃。本章将聚焦于巴赫（J.S. Bach）和亨德尔（G.F. Handel）的贡献，但我们不侧重于对具体赋格曲的演奏指导，而是深入挖掘其背后的“结构美学”。 对位法的哲学意义： 我们探讨复调音乐如何体现一种精密的逻辑体系，解析赋格曲中“主题”、“应答”与“插入段”的辩证关系，理解对位法不仅是一种技巧，更是一种世界观的表达。 协奏曲的诞生： 维瓦尔第的《四季》不仅是优美的旋律，更是“独奏与合奏”张力建立的典范。本章将解析“快-慢-快”的三乐章结构确立的意义，以及大协奏曲（Concerto Grosso）中“合奏团”（Tutti）与“独奏组”（Concertino）的对话模式。 歌剧的诞生与发展： 从蒙特威尔第的早期作品开始，我们探究歌剧如何成为综合性艺术的最高体现，关注宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）的功能区分，以及舞台戏剧性与音乐抒情性的完美结合。 第二章：古典主义：清晰、平衡与形式的胜利 海顿、莫扎特和贝多芬——这三位巨匠将音乐推向了形式美学的巅峰。本部分将侧重于对“结构”的解构与欣赏。 奏鸣曲式的魔力： 奏鸣曲式被誉为古典主义音乐的“建筑蓝图”。我们不再讨论如何分解和弦，而是专注于解析呈示部（Exposition）、发展部（Development）和再现部（Recapitulation）的心理学意义——主题的提出、冲突的爆发与最终的和解。 交响曲的史诗性： 深入剖析四乐章交响曲的内在逻辑。从海顿的幽默与精巧，到莫扎特的纯粹与平衡，再到贝多芬如何利用这一形式突破传统，注入强烈的个人意志。 室内乐的精妙： 尤其关注弦乐四重奏，解析四个独立声部如何构成一个完整、对话式的微观世界，理解其“对话的艺术”如何超越独奏乐器的炫技。 第二部：情感的潮汐——浪漫主义与民族乐派的勃发 当严谨的形式遭遇个体强烈的内心世界，音乐进入了浪漫主义的黄金时代。本书的这一部分，将引导读者进入情感的深处。 第三章：个体意志的解放与抒情 浪漫主义音乐的核心在于对“无限”的向往和对“自我”的表达。肖邦的钢琴诗篇、舒曼的内心独白、李斯特的英雄主义，构成了这一时期的主旋律。 标题音乐的兴起： 柏辽兹的《幻想交响曲》如何打破了纯音乐的界限，用“固定音型”（Idée Fixe）来描绘复杂的情感故事。我们分析音乐如何通过配器和和声色彩，直接与文学和视觉产生关联。 钢琴文学的深化： 重点解析肖邦的夜曲、圆舞曲和叙事曲，理解其钢琴写作如何将乐器的音色潜力推向极致，用踏板的运用和细腻的触键来模拟人声的呼吸与叹息，营造出极致的私密感。 德彪西与印象主义的转向： 浪漫主义的极致也带来了对传统调性的反思。我们将介绍德彪西如何运用全音阶、五声音阶，模糊和声的明确性，使音乐如同水波、光影般捉摸不定，开启了通往现代音乐的门径。 第四章：民族色彩的回归与融合 十九世纪下半叶，欧洲各地涌现出具有强烈本土色彩的作曲家群体。他们并非简单地“引用民歌”，而是将民族的韵律和叙事传统融入宏大的古典体裁之中。 俄罗斯五人组的史诗： 从穆索尔斯基对俄罗斯民间故事的描绘，到里姆斯基-科萨科夫对异域风情的想象，解析“民族性”在交响诗和歌剧中的体现。 德沃夏克的“新大陆”回响： 探讨其作品中如何融合了斯拉夫的旋律性与美国黑人民谣的节奏感，实现文化间的桥接。 斯美塔那与祖国： 聚焦《我的祖国》组曲，理解音乐如何承担起国家历史叙事和爱国主义教育的功能。 第三部：二十世纪的碎片与重构——音乐的边界测试 进入二十世纪，音乐的“规则”被彻底打破，不再有统一的主流风格，而是呈现出爆炸性的多元化。 第五章：新古典主义与无调性探索 斯特拉文斯基的“原始性”与“回归古典”： 对《春之祭》的原始冲击力进行分析，随后探讨他如何转向新古典主义，试图在现代和声体系中重建巴洛克和古典主义的清晰结构。 勋伯格与十二音体系： 详细解析十二音列（Tone Row）的原理，理解其意图是如何通过数学的严谨性来取代传统的调性功能，从而实现“十二个音的平等”。这是一种对听觉习惯的挑战，也是对“可理解性”的重新定义。 巴托克的民间音乐学： 探讨这位作曲家如何将民间音乐的复杂节奏、怪异音程，以及东欧的调式特点，融入到高度复杂的复调写作中，创造出既现代又根植于土地的音乐语言。 第六章：电子、极简与声音的无限 本章探讨超越传统乐器局限的音乐实验。 极简主义的呼吸： 约翰·亚当斯（John Adams）和史蒂夫·赖希（Steve Reich）如何通过重复和细微的相位变化，让时间本身成为音乐的主角。我们分析“渐进过程”如何引导听者进入一种冥想状态。 电子音乐的先声： 介绍早期的电子合成器技术，以及作曲家如何将录音和电子处理技术视为新的“乐器”，探讨声音的质地和空间处理的重要性。 结语：未来演奏者的思考 本书的最终目的，是培养一位具有深厚人文素养和广阔音乐视野的聆听者与思考者。理解这些风格的演变与内在逻辑，远比死记硬背一个音符序列更为重要。每一次接触古典音乐，都应是一次跨越时空的对话——与巴赫的理性对话，与贝多芬的抗争对话，与德彪西的梦幻对话。真正的艺术享受，来源于对音乐深层结构和历史语境的洞察。

评分☆☆☆☆☆

我是一个业余的声乐爱好者，主要想提高自己的视唱练耳能力，所以买了很多相关的书籍，但大多要么太偏向理论，看得我头昏脑胀，要么就是练习曲太机械化，让人提不起精神。最近翻阅的这本《基础乐理与视唱练耳综合教程》简直是拨开了眼前的迷雾。这本书的独特之处在于，它将乐理知识和实际的听力练习紧密地结合了起来，做到了“学即用，用即练”。比如，在讲解完三和弦的构成后，紧接着就会有一组专门听辨大小三和弦的听写练习，这种即时反馈的学习模式效率非常高。它没有浪费篇幅去介绍那些短期内用不到的冷僻知识点，而是紧紧围绕声乐学习中最核心的需求展开：音准、节奏感和对和声背景的敏感度。作者很懂得如何设置练习的难度梯度，从单音的模唱到简单的旋律进行，再到复杂的节奏型视奏，每一步的提升都是循序渐进的，让人感觉每完成一个章节都是一个实实在在的进步。对于想提升音乐素养的非专业人士来说，这本书提供了极佳的自学路径。

评分☆☆☆☆☆

这本《爵士钢琴即兴演奏入门》简直是为我这种半路出家的自学者量身定做的！我之前学钢琴完全是跟着古典乐的谱子走的，指法倒是还算规矩，可一到想自己随便弹点什么的时候，脑子里就一片空白，完全不知道和弦该怎么接，旋律线往哪拐。这本书最棒的地方在于，它没有一上来就抛一堆复杂的乐理概念轰炸你。它从最基础的布鲁斯音阶和基本的和弦结构讲起，而且非常注重“听感”。作者花了大量的篇幅讲解如何“听”出爵士乐的味道，比如切分音的微妙处理，以及不同节奏型之间的切换。书中提供的练习曲目虽然简单，但都是经过精心设计的，每首曲子都像是在引导你进行一次小小的即兴探索。我特别喜欢它关于“和弦内音与经过音”的讲解部分，用非常形象的比喻把原本抽象的乐理知识变成了可以直观感受的色彩变化。通过模仿和重复练习，我感觉自己的耳朵和手指终于开始有了初步的“对话”，不再是机械地在键盘上移动，而是能感受到音乐的流动性了。对于想从古典跨界到爵士领域的朋友来说，这本书绝对是把“天书”变成了“地图”，让你知道该往哪里走，每一步踩着什么。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我都对巴赫的键盘作品情有独钟，但总觉得自己的演奏缺乏那种层次感和清晰的复调线条。因此，我尝试找一本能深入解析巴赫复调写作技巧的书籍，最终入手了这本《巴赫赋格曲演奏与解析》。这本书的深度远超我的预期。它不是简单地给出指法建议，而是像一位技艺精湛的钢琴大师在跟你进行一对一的“解剖”教学。书中对每一首重点赋格曲的结构，比如主题的呈示、进入点、中段的转调逻辑，都有非常细致的图表和文字分析。更重要的是，它教会我如何“听见”不同的声部。作者详细阐述了如何通过触键的力度差异、时值的微妙处理来区分和凸显各个声部，让原本复杂的对位音乐也能在听众耳中清晰地分离出来，各司其职又和谐共存。这种对作品“内在骨架”的理解，极大地改变了我以往那种“弹过去”的演奏方式，转变成了更有目的性的“构建”音乐。对于任何想要深入理解巴洛克音乐精髓，并提升演奏清晰度的钢琴学习者，这本书绝对是案头的必备参考书。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书《经典电影配乐钢琴改编精选集》纯粹是出于兴趣使然，希望能弹一些自己喜欢的电影主题曲来放松心情。拿到书后，我发现它在选曲的品味上非常独特，收录的都是那些旋律性强、辨识度高，但又不像烂大街的流行金曲那样缺乏深度的作品。这本书的改编水平堪称一流，这一点非常重要。很多改编本为了追求“听起来复杂”而把简单的旋律弄得花里胡哨，反而失去了原曲的韵味。但这里的改编，既保留了原配乐的大气磅礴或细腻情感，又在钢琴上做了非常巧妙的处理，使得即使是业余爱好者，在投入一定的练习时间后，也能弹出那种“大片感”。比如，对于一些需要大跳跃或复杂和弦进行的部分，作者都提供了非常人性化的解决方案，要么是简化了伴奏织体，要么是调整了和弦的分布，确保了演奏的可行性。这让我每一次练习都充满了成就感，不再是枯燥的技巧堆砌，而是沉浸在熟悉的电影场景和情感氛围之中，极大地满足了我对音乐的欣赏和表达欲。

评分☆☆☆☆☆

我孩子参加的那个少儿音乐兴趣班，最近换了一本教材，叫《拜厄钢琴基本教程（修订版）》，说实话，我一开始还有点疑虑，毕竟市面上教材五花八门。但用了这段时间下来，我这个“陪练家长”都忍不住要点赞。这本书的编排逻辑非常清晰，它就像是给初学钢琴的小朋友设计的一条平缓的“学习阶梯”。每一课的内容都不会太贪多，总是围绕一个或两个核心技术点展开，比如正确的坐姿、手指的支撑力度，或者某一种特定的音符组合。最让我欣赏的是，它在枯燥的基本功练习中巧妙地融入了大量富有画面感的小曲子。比如，有些练习曲听起来就像是小火车“呜呜”地开，有些则像是小鸟在唱歌，这极大地激发了我孩子学习的兴趣，他不再觉得练琴是件痛苦的事，而更像是在完成一个有趣的音乐小任务。而且，书中对五线谱的引入也循序渐进，配合清晰的指法标注，让我这个非专业人士在辅导时也能做到心中有数，基本不会误导孩子形成错误的手型习惯。这套教材真的做到了“寓教于乐”，为孩子打下了非常扎实的基本功底。