京剧经典剧目舞台规制纵览书籍 白蛇传 白蛇传人物服装穿扮介绍 京剧经典唱段 王梓丞 著 张尧 编 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 张尧
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 1

ISBN：1295539065666

商品编码：29867344968

目录

序 
章 剧目介绍 
剧情梗概 
剧目说明 
剧目信息 
标注说明 
第二章 人物穿扮 
白素贞穿扮式样 
白素贞 全场穿扮清单 
白素贞 场 【游湖】 
白素贞 第二场 【结】 
白素贞 第四场 【酒变】 
白素贞 第五场 【盗草】 
白素贞 第七场 【飞桨】 
白素贞 第八场 【索夫】 
白素贞 第九场 【水斗】 
白素贞 第十一场 【断桥】 
白素贞 第十二场 【合钵】 
白素贞 第十三场 【倒塔】 
许仙穿扮式样 
许 仙 全场穿扮清单 
许 仙 场 【游湖】 
许 仙 第二场 【结】 
许 仙 第三场 【说许】 
许 仙 第四场 【酒变】 
许 仙 第六场 【上山】 
许 仙 第十场 【逃山】 
许 仙 第十一场 【断桥】 
许 仙 第十二场 【合钵】 
小青穿扮式样 
小 青 全场穿扮清单 
小 青 场 【游湖】 
小 青 第二场 【结】 
小 青 第四场 【酒变】 
小 青 第七场 【飞桨】 
小 青 第八场 【索夫】 
小 青 第九场 【水斗】 
小 青 第十一场 【断桥】 
小 青 第十二场 【合钵】 
小 青 第十三场 【倒塔】 
法海穿扮式样 
法 海 全场穿扮清单 
法 海 第三场 【说许】 
法 海 第六场 【上山】 
法 海 第八场 【索夫】 
法 海 第十二场 【合钵】 
其他人物穿扮式样 
小沙弥 
船 夫 
鹤 童 
鹿 童 
南极仙翁 
伽 蓝 
神 将 
男水族 
女水族 
蛟 
韦 驮 
火 神 
第三章 出箱 服化道盔光响装效 
戏曲舞台演出工作区域示意图 
服装箱 
大衣箱 
二衣箱 
三衣箱 
化 妆 
彩匣子 
梳头桌 
道 具 
旗把箱 
杂项道具 
桌椅摆设 
盔 箱 
盔帽冠巾 
髯 口 
配 件 
灯 光 
音 响 
装 置 
特 效 
第四章 砌末检场 
场 【游湖】 
第二场 【结】 
第三场 【说许】 
第四场 【酒变】 
第五场 【盗草】 
第六场 【上山】 
第七场 【飞桨】 
第八场 【索夫】 
第九场 【水斗】 
第十场 【逃山】 
第十一场 【断桥】 
第十二场 【合钵】 
第十三场 【倒塔】 
后 记 

京剧的艺术脉络：从声腔流派到行当体系的深度探析 本书旨在为京剧艺术的爱好者、研究者以及舞台工作者提供一部全面、深入的理论与实践参考，聚焦于京剧艺术的内在结构、美学思想及其发展脉络，内容涵盖京剧的声腔体系、表演程式、行当划分、以及剧目结构等核心要素。 --- 第一章：京剧声腔艺术的生成与演变 1.1 京剧声腔的基石：皮簧体制的构建 本章将细致剖析京剧音乐的生成基础——皮簧体制的形成过程。京剧声腔并非凭空出现，而是徽班进京后，吸收融合了昆曲、秦腔、梆子等多种声腔艺术的精华，最终在实践中淬炼而成的独特体系。重点阐述“皮簧”这一术语的内涵，即由西皮和二黄两大声腔系统构成的核心框架。分析西皮的流畅抒情、明快热烈与二黄的凝重深沉、叙事性强的不同特质，及其在剧目中的交替运用如何服务于人物情感与情节推进。 1.2 西皮与二黄的腔调细分与审美取向 深入探讨西皮与二黄内部的派生腔调。例如，西皮的“二六”、“快板”、“流水”如何适应不同速度和情绪的表达；二黄的“慢板”、“原板”、“散板”如何营造韵味悠长的舞台氛围。研究不同地域和历史阶段对这些腔调的演绎差异，例如早期皮簧腔的粗犷豪放与后期融合后的细腻婉转之间的流变。特别分析“垛板”和“摇板”在制造高潮和转折时的功能性与音乐美学价值。 1.3 流派纷呈的声腔艺术成就 本章核心聚焦于京剧声腔史上具有里程碑意义的艺术大师及其形成的流派。详细介绍老生、青衣、小生、花脸等主要行当的代表性声腔流派。如对程砚秋的“程派”青衣，着重分析其“抑扬顿挫，水袖功的配合”所形成的悲剧美学；对“马派”老生，则剖析其“气沉丹田，腔圆韵足”所体现的雍容大度和内敛力量。对比谭鑫培的“谭派”与后世“余派”在老生唱法上的继承与创新，探讨不同流派对演唱气息、吐字归音、乃至舞台气场的重塑。 --- 第二章：京剧表演的程式化语言与程式化美学 2.1 表演程式：从生活模拟到符号提炼 京剧表演艺术的精髓在于其高度凝练的程式化。本章阐释“程式”并非僵化的教条，而是经过数代艺术家提炼和总结的、最能表达戏曲意境的视觉符号和动作语言。分析行走（圆场、碎步）、上下（上马、下马、登楼、下楼）等基础动作的规范性，及其在特定情境下的含义延伸。探讨程式化在塑造角色性格深度上的作用，例如如何通过规范化的手势（亮相、拂袖）来瞬间完成复杂心理的表达。 2.2 虚拟空间的构建与舞台调度 京剧舞台的虚拟性是其区别于写实戏剧的关键特征。本章重点分析如何利用有限的舞台空间，通过演员的表演，构建出无限的虚拟场景。详细解析“扳马”、“开船”、“拉弓射箭”等经典程式，如何通过道具（马鞭、船桨）与肢体动作的配合，使观众产生强烈的沉浸感。同时，讨论舞台调度（走位、上下场口的选择）在平衡舞台视觉美感与叙事节奏中的关键作用。 2.3 武功与对打的技艺要求 京剧武戏的程式化同样严格。本章探讨武生、花旦（武旦）等行当所涉及的翻跟头、跌扑、起霸、穿把等高难度技巧的训练体系。区别于单纯的杂技，重点分析武戏中的“套路”设计，即武打的结构性——如何从“上手”、“交手”、“散手”的结构中，体现人物的武艺高低与情绪冲突，以及文武场伴奏在烘托武打氛围中的同步性。 --- 第三章：京剧行当体系的职能划分与审美定位 3.1 “生旦净丑”的结构框架与审美功能 本章系统梳理京剧四大行当（生、旦、净、丑）的职能划分。阐释“生”行代表正面、中正的力量；“旦”行（青衣、花旦、武旦等细分）代表女性角色的多元面相；“净”（花脸）行以面部油彩为标记，承担着表现性格鲜明、气势雄浑角色的任务；“丑”行则负责调节气氛、推动情节或起到讽刺揭露的作用。 3.2 行当细分的层次与跨行表演 深入探讨四大行当内部更为精细的划分，如老生、小生、武生；青衣、花旦、彩旦；大花脸、架子花脸等。分析不同细分行当在嗓音、身段、扮相上的具体要求和审美倾向。同时，探讨京剧发展中出现的“跨行当”现象，即在某些特殊剧目中，演员如何运用自身技能跨越传统行当的限制，展现角色的复杂性。 3.3 脸谱艺术：色彩的语言与性格的密码 作为净行标志的脸谱艺术，是研究京剧美学的必修课。本章详尽解读脸谱的色彩学与符号学意义。例如，红色代表忠勇，黑色代表刚直或鲁莽，白色代表奸诈或谋略。分析“三块瓦”、“十字门”等基本脸谱造型的结构，以及如何通过细节的描绘（如兽纹、云纹）来精确传达角色的身份、地位乃至命运走向。 --- 第四章：京剧经典剧目的结构范式与审美范畴 4.1 传统戏码的“骨架”：结构与情节的提炼 本章考察京剧传统保留剧目的结构模式。分析“靠把戏”、“杀争戏”、“伦理戏”等不同题材类型的基本叙事结构。探讨京剧如何通过“一上一下”的程式化结构，在有限的演出时间内完成人物的命运起伏与情感张力，而非追求情节的完全复述。重点分析“小本戏”和“大轴戏”在结构上的差异。 4.2 唱、念、做、打的综合性体现 深入剖析一出经典京剧如何通过“唱、念、做、打”四种基本功的有机结合来完成艺术表达。举例分析某一著名武戏（如《挑滑车》）中，如何将高难度的武打（打）与激烈的内心冲突（念白与唱腔）完美融合，以达到“以武显文，以文衬武”的艺术效果。 4.3 京剧审美中的“意境”与“含蓄”之美 总结京剧区别于其他戏剧门类的核心审美特征。强调京剧艺术追求的“意境”，即通过高度的象征性表达，引导观众超越眼前的舞台，进入到想象的境界。探讨“含蓄”的表达方式，如何通过眼神、水袖的微小动作，传递出如“欲说还休”般的丰富情感内涵，体现中国传统哲学中“虚实相生”的美学追求。 --- 本书特点： 本书侧重于理论建构和体系梳理，着眼于京剧艺术的内在规律和方法论研究，力求展现京剧作为一门综合艺术的复杂性和深刻性，为读者提供理解和欣赏京剧的深度工具。全书语言严谨，注重学术性与可读性的平衡。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的文字功底非常了得，语言风格在保持专业性的同时，竟然还带着一种娓娓道来的叙事魅力。它不像某些专业书籍那样充满晦涩难懂的术语堆砌，而是用一种近乎诗意的笔触，描绘出舞台上那些转瞬即逝的精彩瞬间。读到那些对演员身段和眼神的精妙描摹时，我仿佛能闻到老戏园子里特有的那股香火味，听到那悠扬的锣鼓点声。作者在阐述行当特色时，那种饱含热情的文字，让人真切地感受到他对京剧艺术发自内心的热爱与敬畏。这种文字的温度，是冰冷的资料汇编所无法比拟的，它成功地将原本静态的文字，激活成了富有生命力的舞台景象。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种浓郁的色彩和传统纹样的结合，仿佛一下子就把人带回了那个灯火辉煌的戏台子前。我特别喜欢它在纸张选择上的用心，内页的触感温润而厚实，拿在手里沉甸甸的，这本身就是一种对京剧艺术的尊重。装订工艺也相当扎实，即便经常翻阅，书脊依然保持着良好的形态，这对于一本工具书或者说艺术赏析类的书籍来说至关重要。光是看这本书摆在书架上的样子，就能感受到一种沉稳的文化底蕴，它不仅仅是知识的载体，更像是一件值得珍藏的艺术品。无论是从视觉还是触觉上，这本书都传递出一种精心打磨的匠人精神，让人对里面的内容充满了期待。这种对细节的把控，在如今快节奏的出版行业中，显得尤为难得和可贵，让人忍不住想花时间慢慢品味其中的每一页。

评分☆☆☆☆☆

这本书在对不同剧目进行比较分析时，展现出了惊人的广度和深度。它不是简单地罗列事实，而是深入剖析了不同流派在处理同一经典场景时，所体现出的审美取向和技术差异。我特别欣赏它那种批判性思维的引入，敢于探讨一些传统规范背后的历史演变和艺术取舍。阅读这些比较性的章节，极大地拓宽了我对京剧艺术多元性的认知。它像一把精密的尺子，量度着历代艺术家的创造与坚守，让我对“经典”二字有了更深层次的理解——经典不是一成不变的雕塑，而是一个不断被致敬和再创造的动态过程。这种深入肌理的探讨，对于想要进阶的戏迷和研究者来说，无疑是宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

从图书的整体设计感来看，它成功地构建了一种跨越时空的对话氛围。它没有把我当成一个纯粹的门外汉，也没有把我当作一个高高在上的专家，而是以一种平等交流的姿态，引领我走进京剧的深邃世界。每当我觉得要被复杂的信息量压倒时，总能被一些恰到好处的插图或历史老照片拉回来，那些泛黄的影像，就像是来自过去的信件，诉说着往昔的辉煌。这本书的阅读体验是连贯且愉悦的，它不是一本读完就束之高阁的参考书，而是一本值得时常翻阅、每一次都能从中发现新亮点的艺术伙伴。它真正做到了将学术的严谨与大众的亲和力完美地融合在一起。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版布局简直是教科书级别的典范，信息的层级划分处理得非常到位。你可以清晰地看到，在介绍不同的剧目或行当时，作者是如何运用字体大小、粗细以及留白来引导读者的视线的。特别是那些涉及到复杂舞台调度的部分，图文并茂的呈现方式极大地降低了理解难度。我注意到作者非常巧妙地穿插了历史的侧注和现代的观点，使得内容既有深厚的学术基调，又不至于显得过于枯燥。它的逻辑线索非常清晰，从宏观的舞台结构到微观的服饰配件，层层递进，构建了一个完整的知识体系。阅读过程中，几乎不需要来回翻找，因为每页的边距和索引标记都设计得恰到好处，体现了编者深厚的专业素养和对读者阅读体验的极致考量。