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江浦琦 译

图书标签:

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787552304404

商品编码：29867344304

丛书名： 指挥要则 指挥技法和作品演绎的综合指导

开本：16开

出版时间：2014-03-01

 

内容提要

 

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《指挥要则：指挥技法和作品演绎的综合指导》分为指挥基本技术；指挥技法应用；指挥艺术实践；作品演绎和风格四部分，主要内容包括：自然连奏手势模式（四拍子）；断奏手势模式（四拍子）等。

目录

 

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中文版序 [美]迈克尔·斯特恩
第三版序 [美]马克斯·鲁道夫
引言
*部分指挥基本技术
*章自然连奏手势模式（四拍子）
*节右臂的基本训练
第二节自然连奏手势模式〔四拍子） 
第三节音乐开始前的预备拍
第四节结合音乐来练习运拍手势
第五节用点击（clicking）来强调拍点
第六节自然连奏手势模式的应用范例

第二章断奏手势模式（四拍子）
*节轻巧断奏
第二节中文版序 [美]迈克尔·斯特恩
第三版序 [美]马克斯·鲁道夫
引言
*部分指挥基本技术
*章自然连奏手势模式（四拍子）
*节右臂的基本训练
第二节自然连奏手势模式〔四拍子） 
第三节音乐开始前的预备拍
第四节结合音乐来练习运拍手势
第五节用点击（clicking）来强调拍点
第六节自然连奏手势模式的应用范例

第二章断奏手势模式（四拍子）
*节轻巧断奏
第二节

第三章带表情的连奏手势模式（四拍子）

第四章音乐不在
*节音乐从第四拍开始
第二节音乐从第三拍开始
第三节音乐从第二拍开始

第五章三拍子
*节自然连奏和带表情的连奏
第二节轻巧断奏和
..
第六章二拍子
第七章一拍子
第八章力度和出音
第九章音乐在拍点后开始
第十章六拍子
第十一章分拍
..
第二部分 指挥技法应用
第三部分 指挥艺术实践
第四部分 作品演绎和风格
附录
译者小传
译后记

 

作者介绍

 

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马克斯，鲁道夫（MaxRudolf,1902-1995）是近七十年以来几乎很少有人可以相提并论的，对二十世纪美国音乐生活有着非凡影响的指挥家和音乐教育家。1920年开始执棒，1929年起在布拉格任乔治，塞尔的助理，并在乔治，塞尔为艺术总监的剧院任首席指挥六年。其间曾以客席指挥身份与欧洲各地乐团I包括柏林爱乐乐团）合作。在兼收并蓄传统音乐艺术的精华，蒙受二十世纪早期指挥大师的启蒙和影响，活跃于欧洲歌剧和交响乐舞台近二十年后，马克斯，鲁道夫于1940年来到美国。从1944年指挥纽约大都会歌剧院，并任Met艺术主管至1958年，马克斯'鲁道夫在13年内指挥了200多场演出。1958年至1970年转任辛辛那提交响乐团总监。其间他创立了"晚八点通俗交响音乐会系列"并任命埃里克'孔泽尔为总监，同时改组了"五月艺术节"，该传统一直延续至今。他客席指挥的身影遍及美国和欧洲。自1970年起，马克斯'鲁道夫受骋于美，费城柯蒂斯音乐学院，任歌剧和指挥系主及教授。作为音乐表演艺术家和教育家，马克斯，鲁道夫的音乐修养、广博学识和多领域、跨时代的丰富经验广受敬仰。他经常主持指挥大师班，数代美国指挥受益于他。他的一生和50多年来在美国交响乐、歌剧和音乐学院指挥台上的表演和教学，随同他先后三版的《指挥要则》是美国乐队指挥艺术发展史的印证。他的艺术观点、指挥风格、研讨方法和教学系统对当代指挥艺术和教学产生了广泛和深刻的影响。

 

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好的，这是一份为您创作的图书简介，旨在详细介绍一本与“指挥要则”主题相关，但内容并非来自上海音乐学院出版社的“指挥要则”一书的图书。 《管弦乐合奏的艺术：从排练到舞台的全面指南》 作者： [此处可填入一位虚构的资深指挥家或音乐教育家的名字，例如：亚历山大·科瓦连科] 出版社： [此处可填入另一家知名出版社，例如：古典之声出版社] 页数： 约 600 页 定价： 人民币 188.00 元 --- 内容概要 本书并非聚焦于某个特定流派或单一乐团的“指挥要则”，而是旨在为所有级别的指挥家——从刚刚接触指挥棒的音乐学院学生到经验丰富的乐团领导者——提供一套系统、全面且高度实用的管弦乐合奏艺术指导。我们深入探讨了指挥艺术中那些至关重要的、经常被忽视的“实践层面”，强调在排练厅中如何有效沟通，以及如何在舞台上将理念转化为震撼人心的音乐体验。 本书分为五大部分，共二十章，结构严谨，内容涵盖了指挥实践的方方面面： 第一部分：基础的重建与深化（The Foundations） 本部分着重于技术动作的精炼与音乐理解的拓宽。我们首先审视了指挥手势的清晰度、精确性和音乐表现力之间的平衡。不同于机械地模仿节拍，本书强调手势必须是音乐思维的外延。 第一章：身体作为乐器的再认识： 探讨了指挥者的站姿、呼吸与身体重心的运用，如何通过身体的微小动作传达强烈的音乐意图。我们详细分析了如何利用非惯用手的潜能，使其成为富有层次感的表情工具，而非简单的辅助标记。 第二章：从记谱到听觉的桥梁： 重点讨论了如何进行有效的“内部聆听”。这包括对管弦声部之间音响平衡的预判，对和声色彩的提前构思，以及如何在不看总谱的情况下，通过对乐器特性（如木管的穿透力、弦乐的连贯性）的深刻理解，来指导排练。 第三章：节奏的心理学： 节奏的准确性不仅仅是数学上的对齐，更是一种心理上的同步。本章深入分析了如何通过眼神交流和能量传导，使乐团成员在“感觉上”与指挥者保持一致的律动，尤其是在处理复杂的复节奏和自由速度段落时。 第二部分：排练的策略与心理学（Rehearsal Strategy and Psychology） 排练是指挥家真正的工作场所。本部分的核心在于如何最大化排练效率，并将有限的时间转化为最大的音乐成果。 第四章：诊断性排练： 介绍了一套系统的方法，用于快速识别乐团中的核心问题。这包括“自上而下”的宏观把控，以及“自下而上”的细节修正顺序。我们提出了“问题优先级排序”模型，确保关键结构问题优先于孤立的音准问题得到解决。 第五章：沟通的艺术：非言语信息的有效传递： 语言是有限的，但肢体语言和面部表情是无限的。本章提供了大量的案例研究，展示了如何使用简短、精确的语言来修正复杂的音乐问题，以及如何通过正向反馈和建设性批评来建立乐团的信任基础。 第六章：技术性修正与音乐性诠释的辩证关系： 许多排练陷入“技术修正”的泥潭而无法自拔。本章论述了何时停止打磨技术细节，转而关注作品的整体情感脉络，以及如何巧妙地将技术修正融入音乐叙事之中。 第三部分：管弦乐配器的理解与处理（Orchestration Mastery） 对配器法的深刻理解是优秀指挥家的标志。本部分引导指挥家超越“听起来对不对”，进入“为什么这样对”的层面。 第七章：木管组的织体构建： 深入分析了长笛、双簧管、单簧管和巴松的独特音色属性，以及它们在不同动态下如何与其他声部融合或突出。特别关注了如何处理复调织体中木管声部的清晰度。 第八章：铜管的色彩与冲击力： 探讨了圆号的圆润性、小号的穿透力以及长号与大号的稳固性。重点讲解了如何控制铜管的“爆发力”，使其既能达到震撼效果，又不会破坏整体音响的平衡。 第九章：弦乐组的连贯性与线条感： 弦乐是管弦乐团的骨架。本章细致讲解了弓法选择对音色质感的决定性影响，以及如何通过细致的颤音控制和揉弦速度来塑造音乐的“温度”。 第十章：打击乐的节奏支点与音色点缀： 打击乐常常被视为次要，但它对节奏的支撑至关重要。本章分析了定音鼓在建立低音区基础和推动节奏高潮中的作用，以及如何恰当地使用色彩性打击乐器。 第四部分：历史语境与风格诠释（Historical Context and Style Interpretation） 指挥家必须是不同音乐时代的“翻译者”。 第十一章：巴洛克与古典时期的清晰度： 探讨了早期管弦乐团的音响特性，如何运用有限的动态范围来构建清晰的结构，以及“历史演奏实践”对现代指挥的启发。 第十二章：浪漫主义时期的情感承载： 分析了从贝多芬到马勒时期，指挥家如何处理大规模的动态对比、延迟与加速（Rubato）的合法性，以及如何平衡个人情感与作曲家意图。 第十三章：二十世纪至今的挑战： 面对现代音乐中不协和音、非传统演奏技法和复杂节奏，指挥家应采取何种态度？本章提供了应对新作品的实用方法论。 第五部分：舞台上的掌控与临场发挥（Performance and Onstage Command） 舞台不仅仅是技巧展示的场所，更是与听众进行精神交流的圣地。 第十四章：音乐会的筹备与“暖身”： 从演出前的最后一次彩排，到进入舞台前的心态调整，这一章指导指挥家如何建立“演出模式”。 第十五章：应对突发状况： 乐器损坏、乐谱遗失、演奏失误——这些都是舞台的一部分。本章提供了实用的“危机处理手册”，重点在于如何不动声色地将失误转化为音乐的自然流动。 第十六章：与听众的无形对话： 讨论了音乐会结束后的处理方式，以及如何通过谢幕时的肢体语言，巩固乐团与听众之间的情感联系。 --- 为什么选择本书？ 本书的价值在于其实践导向和全面性。它不是一本只谈论某一特定作曲家（如贝多芬或施特拉文斯基）的指挥手册，也不是一本侧重于单一乐器法的教科书。它是一部跨越了技术、心理学、历史和舞台管理的指挥家工作哲学的综合体现。作者通过详尽的图表、大量的排练场景模拟对话，以及对世界著名乐团排练片段的深入分析，为读者提供了一套可以立即应用到自己乐团实践中的工具箱。本书致力于培养的是富有洞察力、技术扎实且富有感染力的音乐领航者。 本书适合所有对指挥艺术抱有严肃态度的音乐学习者、青年指挥家、合唱指挥家（可借鉴其对整体织体控制的章节），以及所有希望提升乐团协作效率的专业人士。阅读本书，将帮助您将指挥棒从一个技术工具，升华为一个充满生命力的音乐表达媒介。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的排版布局给予高度赞赏，尤其是它在处理复杂乐理符号和大量示例时的清晰度。在许多同类书籍中，常常因为信息密度过高而导致版面拥挤，使得初学者望而却步，但这本书巧妙地通过合理的留白和分栏处理，有效减轻了视觉压力。图文的配合堪称教科书级别的示范，无论是谱例的引用还是图示的标注，都精准地嵌入到相应的文字解释旁边，极大地提高了阅读的连贯性，避免了读者频繁地在正文和附录之间来回切换的困扰。这种设计理念显然是以读者的学习效率为核心导向的，使得那些原本抽象和枯燥的理论概念，通过可视化的方式变得更容易被大脑接受和消化。我甚至发现一些关键的术语或概念，被特意用不同的字体加粗或斜体突出显示，这种细微的强调处理，对于知识点的快速定位和记忆巩固起到了意想不到的帮助。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，初次上手时，那种扎实的质感便给人一种“有料”的期待。封面设计简洁而不失内涵，色调沉稳，很符合音乐理论书籍应有的那种严谨与专业气质。内页纸张的选择也很考究，触感细腻，长时间阅读下来也不会感到刺眼，这对于需要反复翻阅和做笔记的学习者来说，无疑是一个巨大的加分项。装订工艺也显得非常牢固，可以预见这本书能经受住高频率的使用，不会轻易散页，这在学术类书籍中尤为重要，毕竟我们都希望手头的工具书能成为长期的伙伴。整体来看，从物理层面上讲，上海音乐学院出版社这次的出品，无论是在视觉审美还是耐用性上，都展现出了极高的水准，让人在翻开具体内容之前，就已经对这本书的专业性有了初步的信任感。这种对细节的打磨，往往是区分一本优秀教材和普通印刷品的重要标志，它体现了出版方对知识载体本身的尊重。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格我个人觉得是相当独特的，它既保持了学术著作应有的精确性和客观性，又在不牺牲严谨性的前提下，注入了一种近乎导师般的引导性口吻。阅读时，我很少有那种被生硬的术语轰炸的感觉，作者似乎非常擅长“翻译”那些晦涩难懂的理论，用一种既专业又富有启发性的方式娓娓道来。这种平衡把握得非常到位，对于已经有一定基础的进阶学习者来说，它能提供更深层次的洞察和对现有知识体系的重构；而对于刚入门的新手，它又能提供一个相对友好和具有引导性的学习路径，不至于让人在最初的阶段就产生强烈的挫败感。尤其是一些历史背景的穿插和对不同学派观点的对比论述，使得整个学习过程不再是孤立地啃食知识点，而更像是在与领域内的前辈进行一场深入的对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书在案例的选择和深度上，体现出了极强的实战价值和前瞻性。它并非仅仅停留在对基础理论的机械罗列上，而是大量引入了来自不同音乐时期和风格的经典作品片段进行分析，这些选择非常具有代表性，覆盖面广而不失重点。更难能可贵的是，它没有满足于简单地指出“是什么”，而是深入探讨了“为什么会这样”，即理论在实际创作和演绎中是如何被灵活运用、甚至是被打破和重塑的。这种由理论指导实践，再由实践反哺理论的闭环设计，极大地提升了这本书的工具属性。我发现自己不再只是被动地接受知识，而是开始主动地思考如何将书中的原则应用到我自己的理解和分析中去，这对于培养真正的独立思考能力至关重要。它像是一个放大镜，让原本隐藏在乐谱背后的结构逻辑清晰可见。

评分☆☆☆☆☆

从出版方的背景来看，上海音乐学院出版社的出品本身就带有一定的权威背书，这对于一本涉及专业技能的书籍来说，是不可替代的优势。这种权威性不仅仅体现在作者团队的资历上，更反映在对学科前沿和教学规范的把握上。这本书的内容更新迭代显然是紧跟时代步伐的，它没有固步自封于陈旧的教学模式，而是融入了当代音乐实践中对某些传统理论的新解读或延伸应用。我能感受到其中蕴含着多年教学实践中总结出的“精华”，是那种经过无数次课堂检验、最有效的知识传授路径的结晶。这种沉淀下来的学术智慧，使得这本书的价值远超一本普通的参考书，更像是一份经过时间淘洗的、能够引领学习者穿越迷雾的航海图。我非常庆幸能拥有这样一本兼具理论深度与实践广度的优秀读物。