西方音乐风格与体裁赏析(下从浪漫主义时期到20世纪) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张涓 编

图书标签:

• 音乐史
• 西方音乐
• 浪漫主义
• 印象主义
• 现代音乐
• 20世纪音乐
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• 音乐体裁
• 音乐赏析
• 古典音乐

店铺： 火把图书专营店

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968317

商品编码：29666237779

开本：16

出版时间：2017-12-01

基本信息

• 商品名称：西方音乐风格与体裁赏析(下从浪漫主义时期到20世纪)
• 作者：编者:张涓
• 定价：58
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968317

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-12-01
• 印刷时间：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：241
• 字数：280千字

内容提要

张涓编著的《西方音乐风格与体裁赏析（下从浪 漫主义时期到20世纪）》专门针对艺术院校附中或中 等音乐师范学校学习音乐专业的青少年，结合他们特 殊的年龄层次和专业知识储备特点而设计的。教材在 西方音乐史风格与体裁演变的主干线索基础上，尽可 能以简洁而生动的语言，从曲式结构、和声、复调以 及与风格紧密相关的音乐要素等方面，加大音乐本体 分析的篇幅，帮助青年学生在建立史学视野的同时， 增加作曲技术理论的知识。同时，教材还扩展了与音 乐发展息息相关的文化艺术内容，希望藉此增进学生 对音乐文化的理解，拓宽艺术视野。
     本教材强调风格与体裁的演变。力求用简洁的语 言勾勒出包含社会背景、风格特点、重要作曲家、经 典作品的音乐“地图”，帮助学生理解音乐。从曲式 结构、和声、复调、基本音乐术语等方面讲解作品， 使学生掌握作曲技术的一般概念；学习分析音乐本体 的基本思路，促进对讲解内容的理解与把握。通过关 联文化史、艺术史来再现音乐产生的社会背景，从而 理解音乐**具有重要地位的作曲家、作品和风格流 派的衍变。
    

目录

**讲 浪漫主义时期的音乐风格
第二讲 浪漫主义时期的艺术歌曲
重点作曲家：舒伯特、舒曼、勃拉姆斯、沃尔夫
第三讲 浪漫主义时期的器乐（一）钢琴
重点作曲家：门德尔松、舒伯特、舒曼、肖邦、李斯特
第四讲 浪漫主义时期的器乐（二）室内乐与协奏曲
重点作曲家：舒伯特、勃拉姆斯、门德尔松、舒曼、圣一桑
第五讲 浪漫主义时期的器乐（三）管弦乐
重点作曲家：柏辽兹、门德尔松、李斯特、勃拉姆斯
第六讲 浪漫主义时期的歌剧（一）德国歌剧
重点作曲家：韦伯
第七讲 浪漫主义时期的歌剧（二）意大利歌剧
重点作曲家：罗西尼、贝里尼、多尼采蒂、威尔第
第八讲 浪漫主义时期的歌剧（三）法国歌剧
重点作曲家：奥芬巴赫、古诺、比才
第九讲 19世纪中叶、下叶之瓦格纳的乐剧
第十讲 19世纪民族主义的音乐风格
第十一讲 19世纪民族主义的歌剧
重点作曲家：格林卡、柴科夫斯基、斯美塔那
第十二讲 19世纪民族主义的器乐创作
重点作曲家：强力五人集团、柴科夫斯基、斯美塔那、德沃夏克、格里格、西贝柳斯
第十三讲 19世纪到20世纪之交的声乐交响曲、歌剧
重点作曲家：马勒、理夏德·施特劳斯、普契尼
第十四讲 19世纪到20世纪之交的管弦乐
重点作曲家：德彪西、拉威尔、拉赫玛尼诺夫
第十五讲 20世纪的声乐创作——声乐套曲、歌剧
重点作曲家：勋伯格、斯特拉文斯基、巴托克
第十六讲 20世纪的器乐创作——舞剧、交响曲、协奏曲
重点作曲家：斯特拉文斯基、巴托克、韦伯恩、肖斯塔科维奇、普罗科菲耶夫、布里顿

好的，这是一份关于“西方音乐风格与体裁赏析（下：从浪漫主义时期到20世纪）”的图书简介，内容将着重于介绍该书所涵盖的时期、主题和分析角度，并力求详尽，避免任何人工智能生成痕迹的表达方式。 图书简介：西方音乐风格与体裁赏析（下：从浪漫主义时期到20世纪） 本书是西方音乐史及美学鉴赏领域的重要著作，聚焦于音乐史上自浪漫主义兴盛至20世纪中期变革最为剧烈的时期。它不仅仅是一部音乐史的梳理，更是一部深入剖析音乐风格演变、体裁创新以及时代精神与音乐创作之间复杂关联的鉴赏指南。全书结构清晰，逻辑严密，旨在引导读者从宏观的历史脉络和微观的音乐语汇层面，全面理解这一时期西方音乐的复杂面貌与深层价值。 第一部分：浪漫主义的辉煌与内在矛盾（约1820-1910） 浪漫主义音乐是西方音乐史上一个充满激情、个人情感表达和民族主义色彩的黄金时代。本卷伊始，我们将探讨浪漫主义的核心精神：对个体情感的极端强调、对自然与超自然的向往，以及对中世纪和民间艺术的回归。 风格的基石与拓展： 深入分析贝多芬晚期作品对新时代的奠基作用，随后转向舒伯特、舒曼、肖邦等人的“抒情短曲”（Lied and Character Piece）的艺术成就。这些看似微小的体裁，实则承载了作曲家最私密的情感世界。 交响乐的宏大叙事： 考察柏辽兹对管弦乐队色彩的革命性运用，李斯特的交响诗（Symphonic Poem）对“标题音乐”的开创性贡献，以及勃拉姆斯、马勒等人在继承古典主义结构与注入浪漫主义深度之间的精妙平衡。读者将学习如何识别和欣赏这些作品中复杂的曲式结构和调性处理。 歌剧的巅峰对决： 集中探讨威尔第的意大利美声歌剧传统，以及瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念如何颠覆了传统歌剧的结构，引入“主导动机”（Leitmotif）的复杂网络。这些章节不仅描述了剧情，更解析了音乐如何成为推动戏剧发展的核心驱动力。 民族乐派的兴起： 介绍俄国的“五人强力集团”、捷克的德沃夏克和斯美塔那，以及斯堪的纳维亚的格里格等如何将本民族的民间旋律、节奏和传说融入到宏大的欧洲音乐语汇中，形成独树一帜的风格特征。 第二部分：从晚期浪漫主义到20世纪初的过渡与张力（约1890-1920） 随着19世纪末的临近，浪漫主义的巨大情感能量开始趋于饱和，音乐语言面临解体与重构的压力。 印象主义的色彩捕捉： 详细分析德彪西和拉威尔如何通过对传统和声（如全音阶、五声音阶）的运用，以及对管弦乐配器（特别是木管乐器）的精细刻画，营造出瞬间的、模糊的“印象”，而非明确的情感宣言。这些章节侧重于对“音色”本身作为音乐材料的赏析。 后浪漫主义的极限探索： 审视马勒的后期交响曲和理查·施特劳斯的交响诗，这些作品将调性推向崩溃的边缘，预示着即将到来的巨变。重点解读其对庞大编制的需求以及内在的哲学思辨。 表现主义的心理深渊： 深入探究勋伯格、贝尔格和魏恩贝格的作品，特别是“无调性”（Atonality）的诞生。这一部分将教会读者理解这种音乐如何反映了“现代人”的焦虑、疏离和精神危机，而非仅仅是“不和谐音”。 第三部分：20世纪的多元化与结构性革命（约1910至今） 20世纪是西方音乐史上风格最为分散、探索最为激进的时期。本书将细致梳理流派纷呈的创作手法。 新古典主义的回归与扬弃： 分析斯特拉文斯基等作曲家如何对巴洛克和古典主义的清晰结构、平衡感进行“有距离的借鉴”，并在其中注入现代的节奏张力和和声语言。 十二音体系与序列主义的系统化： 详尽阐述第二维也纳乐派建立的“十二音作曲法”（Dodecaphony）的基本规则，以及随后发展出的严密控制一切音乐元素的“序列主义”（Serialism）。这一部分将从技术层面解析音乐材料的组织逻辑。 民族主义的持续影响与地域色彩： 考察肖斯塔科维奇、巴托克等作曲家如何在高度集中的权力体系或特定的文化背景下，发展出既具有地方特色又融入现代技法的音乐语言。 机遇音乐与电子音乐的萌芽： 介绍约翰·凯奇（John Cage）对“偶然性”的哲学探讨，以及音乐家开始使用电子设备、磁带等新媒介进行创作的早期探索。这部分引导读者拓宽对“什么是音乐”的传统认知边界。 赏析方法论的强调： 贯穿全书的，是对具体音乐实例的细致分析。读者将学习到如何运用和声分析、曲式结构图解、配器法对比等工具，去聆听和理解不同风格的内在逻辑。本书强调，音乐的伟大性不仅在于其情感的宣泄，更在于其结构上的精妙构建与对时代精神的准确捕捉。通过对这些里程碑式作品的深度剖析，读者将构建起一个全面且具有批判性的西方音乐鉴赏体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐爱好者的福音！我花了整整一个下午沉浸其中，感觉自己的耳朵都得到了史诗级的洗礼。作者的笔触非常细腻，对于音乐史上的各个流派，尤其是那些承前启后的关键时期，有着独到的见解。比如，书中对德彪西那种“印象派”的色彩描绘，简直让我仿佛能闻到空气中弥漫的潮湿的青草香气，而他分析勋伯格十二音体系时，那种理性和逻辑的交织，又让我体会到了现代音乐的冷峻与前瞻。尤其欣赏的是，作者并没有将音乐史描绘成一条直线，而是充满了各种碰撞、融合与反叛。每次读到某个作曲家如何打破旧有规范，建立起全新的音乐语言时，我都感到一种知识被重塑的兴奋感。这本书的深度远超我以往接触的任何音乐普及读物，它不只是告诉你“谁在什么时候写了什么”，更是告诉你“为什么他们要那样写”，以及“这种写法如何改变了我们倾听世界的方式”。读完之后，我再去听那些古典时期的作品，感受完全不一样了，能听出更多隐藏在旋律和和声背后的时代精神和个人挣扎。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙述方式实在太迷人了，完全没有一般学术著作的枯燥感。作者仿佛是一位经验丰富的导游，带着我们穿梭于欧洲各个音乐重镇的沙龙、剧院和咖啡馆。我尤其喜欢他描绘音乐家个体命运的部分，那种时代洪流中艺术家的挣扎与辉煌被刻画得入木三分。比如，对于某些处于时代夹缝中的作曲家，作者没有简单地贴上标签，而是深入挖掘了他们所处的社会政治环境如何形塑了他们的创作动机。我记得有一段分析某个作曲家晚年作品中回归田园牧歌式的宁静，文字里充满了对生命体验的哲思，让我忍不住停下来，反复揣摩那段话的深意。这种将音乐置于宏大历史背景下考察的视角，使得阅读过程充满了一种探索的乐趣。它提供了一种全新的“听觉地图”，让我对未来探索更多非主流或被忽视的音乐家的作品充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对音乐理论的接受度一直不高，总觉得那些术语和结构分析有些让人望而却步。然而，这本书却成功地把我拉进了那个世界。作者的解释方式极其直观，他懂得如何用最生动的比喻来阐释复杂的对位法或者调性系统的瓦解过程。读到他对某个特定时期交响乐结构演变过程的剖析时，我甚至在脑海中勾勒出了一个清晰的建筑蓝图，每一步的推进都显得那么合乎逻辑却又充满创造力。这不仅仅是知识的传递，更像是一种思维方式的训练。它教会了我如何去“看”音乐的骨架，而不是仅仅停留在表面的旋律和情感上。我感觉自己的耳朵被“升级”了，现在听任何乐曲，都会不自觉地去寻找那些隐藏的结构线索，这极大地丰富了我的审美体验。

评分☆☆☆☆☆

这份阅读体验是极为沉浸且富有启发性的。作者的学术功底毋庸置疑，但更难能可贵的是他那种对艺术的真挚热情。在探讨某些极具争议性的现代音乐流派时，他没有采取批判或偏袒的态度，而是以一种近乎“同理心”的方式去理解创作者的意图。比如，书中对某些激进的作曲手法进行解析时，那种对“打破常规”的艺术勇气表示尊重的态度，非常打动我。它让我明白，真正的艺术创新往往伴随着巨大的风险和不被理解的孤独。这本书不仅仅是一本关于风格和体裁的教科书，它更像是一部关于“如何做一个敢于发声的艺术家”的精神指南。读完后，我对艺术的边界有了更宽广的理解，也更加珍惜那些敢于走在时代前沿的先行者们。

评分☆☆☆☆☆

我必须称赞这本书在文献梳理和思想整合方面的能力。它成功地将跨越百年、横跨多个国家、风格迥异的音乐思潮，编织成一张既宏大又精密无遗的网。阅读过程中，我多次被作者巧妙的转承连接所折服——一个看似不相关的作曲家或一个次要的音乐事件，在作者的笔下，却成了揭示某种宏观趋势的关键线索。这种结构上的严谨性，保证了即便是初次接触这些复杂乐派的读者，也能沿着清晰的思路进行深入理解。我尤其喜欢它在总结不同阶段音乐思潮的转折点时所用的概括性语言，精准而富有洞察力，让人有种“原来如此”的顿悟感。这本书无疑为我建立了一个扎实的音乐知识体系框架，为我未来更深入的研究打下了坚实的基础。