音乐理论简单学(2)/我爱乐理 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 音乐理论
• 乐理知识
• 音乐入门
• 音乐学习
• 和声
• 视唱练耳
• 音乐基础
• 音乐教学
• 音乐教材
• 音乐

店铺： 火把图书专营店

出版社： 广西师大

ISBN：9787559801647

商品编码：29670576927

开本：8

出版时间：2018-03-01

基本信息

• 商品名称：音乐理论简单学(2)/我爱乐理
• 作者：编者:(马来)琳娜昂|译者:陈娴
• 定价：40
• 出版社：广西师大
• ISBN号：9787559801647

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-03-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：48
• 字数：50千字

内容提要

《我爱乐理》这套系列乐理书编者为来自马来西 亚的琳娜昂，作者有多年音乐教育实践经验。
     《音乐理论简单学(2)》是第一册的升级版，是 特别为4-7岁儿童所设计的版本，书中还有很多供儿 童的练习和小游戏。并且还可以与“英皇乐理考级” 同步使用！

目录

加线(Ledger Lines)
拍号(Time Signatures)
A、Bb和Eb大调(The Major Keys of A，Bb and Eb)
复习1(Revision 1)
三连音(Triplets)
A、E和D小调(The Minor Keys of A，E and D)
音符和休止符组合(Grouping of Notes and Rests)
音程(Intervals)
复习2(Revision 2)
编写节奏(Rhythm Writing)
演奏指示(Performance Directions)
综合练习(General Exercises)
纵横填字游戏(Know Your Italian Terms Game)
复习3(Revision 3)

音乐理论深度探索：从和声到配器 书籍定位： 本书旨在为对音乐理论有初步了解，并渴望深入系统学习的读者提供一套全面、深入的理论框架。它不仅涵盖了基础乐理的核心概念，更将重点放在中高级和声、曲式分析以及配器实践的精妙之处，旨在帮助学习者构建扎实的音乐思维体系。 适用读者： 音乐学院学生、专业音乐教师、严肃的业余音乐爱好者、作曲与编曲专业人士。 核心内容概述： 本书内容结构严谨，逻辑清晰，共分为六大部分，层层递进，确保学习者能够逐步掌握复杂的音乐理论知识。 --- 第一部分：调式与音阶的深度解析 (Scales and Modes: Beyond Major and Minor) 本部分将超越传统的自然大调、和声小调与旋律小调，深入探讨世界音乐中丰富的音阶体系，为创作提供更广阔的色彩基础。 1. 十二平均律与音高系统再认识： 回顾十二平均律的数学基础，但重点在于分析其在不同音乐时期和地域中的实际应用效果。探讨纯律系统与平均律在听感上的细微差异，理解不同音律体系对音乐情感表达的影响。 2. 古老与民族调式（Ancient and Ethnic Modes）： 详细讲解古希腊七调（多利亚、弗里吉亚、利底亚、混合利底亚等）的结构与性格，并通过具体的古典音乐范例分析其在中世纪和文艺复兴时期的应用。同时，引入世界其他文化中的调式，如印度的拉格（Raga）的基本概念框架，探讨其旋律构建的内在逻辑，而非简单地罗列音高。 3. 十二音体系与无调性音乐的逻辑（Serialism and Atonality）： 系统介绍勋伯格的十二音体系（Dodecaphony）。不仅仅是介绍“音列”的构成，更深入剖析“移位”、“逆行”、“逆行倒影”等操作的数学原理及其对音乐结构的控制。通过韦伯恩、贝尔格的作品实例，分析无调性音乐如何建立新的听觉秩序。 4. 近代调式（Modal Jazz and Contemporary Applications）： 探讨爵士乐中常用的利底亚七音（Lydian Dominant）、减音阶（Diminished Scales）以及全音阶（Whole-Tone Scale）的特性，分析它们在构建复杂和声色彩中的作用，并展示如何在现代配器中巧妙运用这些音阶。 --- 第二部分：高级和声学原理与实践 (Advanced Harmony: Voicing and Function) 本部分是本书的核心，旨在将和声学习从简单的三和弦与七和弦扩展至更复杂的属和弦替代、非功能性和声以及声部进行的高级技巧。 1. 功能和声的深化与突破： 深入解析“次属和弦”（Secondary Dominants）的层级应用与功能延伸。重点讲解“导向和弦”（Leading Tone Chords）和“半减七和弦”在功能和声进行中的精确功能定位，以及如何通过这些和弦打破调性束缚，实现平滑的转调。 2. 不协和音的系统化处理（Dissonance Treatment）： 探讨经过严格训练的音乐作品中，不协和音（如九和弦、十一和弦、十三和弦）的“解决”与“非解决”原则。分析哥特式和声（Gothic Harmony）中大量使用的小九和弦与增六和弦的内外部连接。 3. 增六和弦群的精细化运用（Augmented Sixth Chords）： 详细区分意大利式、德意志式、法国式增六和弦的结构、听感差异及其在古典与浪漫乐派中的特定倾向。讲解增六和弦如何作为强烈的半音导向和弦，实现快速且有力的终止。 4. 非功能性和声与平行和声（Non-Functional Harmony）： 介绍李斯特、德彪西等作曲家开创的“平行和声”技法（Planar Harmony）。分析和弦的色彩功能（Color Function）如何取代传统的功能倾向，以及如何使用连续的增三和弦或七和弦进行横向移动。同时，深入探讨“Neapolitan Sixth Chord”（那不勒斯六和弦）的来源与强烈的戏剧性效果。 --- 第三部分：曲式结构分析与构建 (Form and Structure Analysis) 本部分着重于分析宏大音乐结构的内在逻辑，理解不同时代作曲家如何组织材料以达到结构上的平衡与叙事性。 1. 奏鸣曲式（Sonata Form）的细微差别： 不仅仅是呈示部、发展部、再现部的划分。本书将侧重分析发展部的内部组织技巧（如主题分解、序列进行、调性游走），以及“呈示部再现”（Exposition Recapitulation）中主题与调性的复杂关系处理。对比古典主义（海顿、莫扎特）与浪漫主义（贝多芬后期、布拉姆斯）在奏鸣曲式结构上的演变。 2. 复合曲式与变奏技巧（Compound Forms and Variation Techniques）： 深度解析回旋曲式（Rondo）的A-B-A-C-A等复杂结构，以及奏鸣回旋曲的特点。针对变奏曲，系统归类并示范各种变奏手法：如和声变奏（Harmonic Variation）、织体变奏（Textural Variation）、节奏变奏（Rhythmic Variation）以及赋格变奏（Fugato Variation）。 3. 赋格曲（Fugue）的深层结构： 从主题的提出、应答，到中入、呈露的各个阶段进行详细剖析。重点讲解“对位模仿”（Counterpoint Imitation）的技巧，包括调性对位与自由对位。分析巴赫作品中复杂的主题展开与多声部交织的逻辑，为学习者建立严谨的复调思维。 --- 第四部分：配器法与管弦乐色彩 (Orchestration and Timbral Artistry) 本部分将理论知识转化为实际的听觉画面，探讨如何根据音乐意图，科学且富有艺术性地分配乐器声部。 1. 乐器音域与音色特性对比： 提供详尽的管弦乐器音域图，但更强调各乐器在不同音区的情感倾向和技术限制。如长笛在中高音区的穿透力，大提琴在低音区的温暖感，以及法国号在连接木管与铜管时的桥梁作用。 2. 乐器组合与音响平衡（Blending and Balance）： 系统讲解如何通过不同乐器的叠加来创造新的复合音色（Timbral Blending）。探讨如何在交响乐团中实现清晰的声部层次，避免“泥泞”的音响效果。重点分析弦乐组内部的弓法（如Sul Ponticello, Col Legno）对音色的直接影响。 3. 铜管与打击乐的戏剧性运用： 分析铜管组（小号、圆号、长号、大号）在力度渐强与减弱中的实际表现。对于打击乐器，不再只是罗列音色，而是深入探讨如何利用定音鼓的滑音、定音组的复杂节奏以及木琴、颤音琴等音高打击乐器来增强和声色彩。 4. 织体密度与空间感（Texture Density and Spatial Awareness）： 探讨如何通过增加或减少同时发声的声部数量来控制音乐的“密度”，从而制造紧张感或释放感。分析在大型合奏中，如何利用乐器的空间位置（如后置的弦乐、前置的木管）来模拟声场效果。 --- 第五部分：对位法原理与实践 (Principles of Counterpoint) 本部分将学习者引入复调音乐的严谨世界，以“声部独立性”为核心进行训练。 1. 严格对位法（Species Counterpoint）： 完整遵循福瑞斯蒂斯（Fux）的“五种对位法”教学体系，从第一种（音对音）到第五种（混合对位）逐一精讲。着重强调固定音高进行、声部线条的流畅性以及严格的音程处理规则（如如何处理不协和音的经过、预备与解决）。 2. 自由对位与巴赫风格： 在掌握严格对位后，引入巴赫赋格曲中更灵活的对位技巧，如主题的自由模进、声部的增减、以及如何进行声部互换（Inversion）而不破坏音乐的逻辑。 3. 现代复调思维： 探讨二十世纪作曲家（如欣德米特）在对位法上的革新，他们如何将调式和声与复调技巧结合，创造出既有线性逻辑又富含现代色彩的音乐语言。 --- 第六部分：曲目实例深度剖析 (Case Studies in Masterworks) 本部分通过对数部里程碑式作品的细致“解剖”，将前述理论知识融会贯通，展示理论如何服务于伟大的艺术创作。 1. 莫扎特钢琴奏鸣曲的结构分析： 选择一首典型的奏鸣曲，分析其呈示部如何精确运用功能和声与转调技巧，发展部的主题材料是如何通过模进与序列进行扩展，再现部的调性处理如何实现最终的稳定。 2. 德彪西和声的色彩革命： 以《月光》或《牧神午后前奏曲》为例，分析德彪西如何大量使用平行和声、全音音阶、以及对增四度音程（Tritone）的独特偏好，展现印象派音乐中“听觉感受优先于功能逻辑”的特点。 3. 勋伯格的早期调性作品与晚期十二音体系的过渡： 对比分析勋伯格《升华之夜》中晚期浪漫主义的极端和声张力，与他转向十二音体系后，如何在严格的序列限制下依然保持音乐表现力的过程。 通过以上六个维度的系统学习，读者将不仅停留在“知道”某个乐理规则的层面，更能够深入“理解”规则背后的逻辑，并有能力将其创造性地应用于自身的音乐实践之中。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏的，是作者在论述复杂概念时所展现出的那种深刻的洞察力与表达的克制。有些教材恨不得把所有已知的理论都塞给你，弄得读者头晕目眩。但这本书在关键的转折点上，处理得非常冷静和聚焦。它会明确告诉你：“现在，我们只关注这个核心概念，其他不相关的部分可以稍后再考虑。”这种“做减法”的智慧，让读者能更清晰地把握住知识体系的主干。尤其是对于那些容易混淆的概念，比如如何区分强弱音程的听觉感受和实际的理论构造，作者给出的对比分析极其到位，一下子就打通了我的认知盲区。读完相关章节后，我感觉对声音的辨识度都有了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构编排堪称匠心独运。它没有采用传统的“大块头”章节设计，而是将内容切割成了许多易于消化的“小模块”，每个模块都有明确的学习目标和自测环节。这对于在碎片时间学习的现代人来说，简直是福音。我通常只能在通勤路上或午休时间翻阅，以往的书籍常常让我因为中断而需要花费大量时间重新进入状态，但这本书的这种设计，使得我每次拿起都能迅速找到上次中断的位置，并立刻进入学习状态。而且，书中的练习题设计得非常巧妙，它们不是简单的选择或填空，而是需要读者动手去“构建”或“分析”音乐片段，这种主动参与感，让学习过程变得非常投入和有趣。

评分☆☆☆☆☆

与其他市面上那些厚重、严肃的乐理书籍相比，这本书给我带来了一种“偷师”的快感。它没有摆出高高在上的姿态，而是像一个经验丰富、耐心十足的前辈，拉着你的手，一步步教你如何看懂乐谱背后的“秘密语言”。它在保持学术严谨性的同时，成功地去掉了不必要的“学究气”，用一种非常亲切、鼓励的语调贯穿始终。很多时候，我甚至能想象到作者在写下这些文字时，脸上带着的那种“原来如此，原来这么简单”的微笑。这种情感上的连接，是冰冷的书本难以给予的，它让枯燥的理论学习，变成了一种充满期待和乐趣的探索之旅。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐理论简单学(2)/我爱乐理》的封面设计得相当吸引人，那种简约又不失专业感的风格，立刻让人眼前一亮。我本来对乐理学习一直抱着一种既好奇又畏惧的心态，总觉得那些复杂的术语和枯燥的公式会让人望而却步。但翻开这本书，它的排版和图示处理方式，简直是为我这种“理论小白”量身定做的。特别是关于和声进行的讲解部分，作者没有直接抛出复杂的图表，而是用生活化的比喻和清晰的逻辑链条，将那些抽象的概念层层剥开，让人感觉每翻一页，自己的音乐理解能力都在稳步提升。我特别欣赏它在基础知识点上的那种反复强调和不同角度的阐释，确保了即便是初次接触这些概念的读者，也能建立起扎实的基础。这种循序渐进、不急不躁的教学节奏，极大地缓解了学习过程中的焦虑感。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我之前尝试过几本不同的乐理教材，但总觉得它们要么过于学术化，要么就是为了“速成”而牺牲了深度。这本书的独特之处在于，它似乎在努力架起一座连接“学院派”知识与“实际演奏应用”之间的桥梁。例如，在讨论调式和转调时，作者不仅给出了严格的规则，还穿插了大量简短的音乐实例分析，这些例子听起来非常“现代”和“好听”，而不是那种陈旧的古典范例。这让我立刻就能体会到这些理论在实际创作或编曲中是如何发挥作用的。这种“学以致用”的即时反馈，是激励我继续深入阅读的最大动力。我感觉自己不再是被动地记忆知识点，而是在主动地“破解”音乐背后的规律。