西方音乐史与名作鉴赏 朱敬修 全国高等学校音乐学专业教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 河南大学出版社

ISBN：9787564907617

商品编码：29668556964

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图书名称：	西方音乐史与名作鉴赏
作者或编译者：	朱敬修
出版社：	河南大学出版社
ISBN：	9787564907617
定价：	36元
出版日期[仅参考]：	2013年3月
装帧及开本：
页数[仅参考]：	页
其他参考信息：

内容简介及编辑推荐

编辑推荐 《西方音乐史与名作鉴赏》在编写中力求体系完整、内容丰富。本书内容上溯西方音乐的源头古希腊、古罗马音乐，下至20世纪中下叶的当代音乐，地域上涵盖英国、法国、奥地利、俄罗斯、美国等。在严谨的理论阐述中，本书注意吸取本学科zui新研究理念与学术成果，增大信息量。此外，本书选取了一些必要的谱例，增添了一些直观的图片，每章节后还增设思考题，内容翔实、资料丰富。本书力求理论研究与音乐实践相结合，在各章节中均设有较详细的“代表作品赏析”与简要的“推荐欣赏”环节。本书由朱敬修主编。

作者简介

目录

di yi章古希腊罗马音乐 di yi节古希腊音乐 第二节古罗马音乐 第二章中世纪音乐 di yi节概述 第二节中世纪宗教音乐 第三节世俗音乐及乐器 第四节新艺术音乐 第三章文艺复兴时期音乐 di yi节概述 第二节英国音乐 第三节勃艮第乐派 第四节法—佛兰德乐派 第五节16世纪的宗教改革音乐 第六节世俗声乐体裁 第七节文艺复兴时期的器乐 第四章巴洛克音乐 di yi节概述 第二节意大利歌剧 第三节法国歌剧 第四节英国歌剧和德国歌剧 第五节康塔塔和清唱剧 第六节巴罗克时期的器乐 第七节亨德尔 第八节巴赫 第五章古典主义时期音乐 di yi节概述 第二节喜歌剧的发展 第三节格鲁克的歌剧改革 第四节奏鸣曲和交响乐的发展 第五节海顿 第六节莫扎特 第六章贝多芬 di yi节生平与音乐道路 第二节音乐贡献与创作特征 第七章浪漫主义时期音乐（一） di yi节概述 第二节舒伯特 第三节门德尔松 第四节舒曼 第五节柏辽兹 第八章浪漫主义时期音乐（二） di yi节肖邦与波兰音乐 第二节李斯特与匈牙利音乐 第三节勃拉姆斯 第四节奥地利轻音乐 第九章浪漫主义时期音乐（三） di yi节19世纪上半叶德国歌剧——韦伯 第二节19世纪中、下叶德国歌剧 第三节19世纪上半叶法国歌剧 第四节19世纪中、下叶法国歌剧 第五节19世纪上半叶意大利歌剧 第六节19世纪中、下叶意大利歌剧 第十章19世纪民族乐派的兴起与发展 di yi节19世纪俄罗斯音乐概述 第二节格林卡 第三节达尔戈梅曰斯基和安东·鲁宾斯坦 第四节“强力集团” 第五节柴科夫斯基 第六节捷克音乐 第七节挪威利芬兰的音乐文化 第十一章19世纪末20世纪初的音乐文化 di yi节法国音乐 第二节奥地利和德国的音乐文化 第三节俄罗斯音乐文化 第四节意大利真实主义歌剧 第十二章20世纪音乐（上） di yi节概述 第二节民族主义音乐 第三节表现主义音乐 第四节新古典主义音乐 第五节前苏联和英国音乐 第六节微分音音乐与噪音音乐 第十三章20世纪音乐（下） di yi节序列音乐 第二节电子音乐 第三节偶然音乐与约翰·凯奇 第四节其他音乐倾向和流派 第五节爵士乐 第六节摇滚乐 第七节音乐剧 参考文献 后记

精彩内容及插图

《中西音乐交响：跨越时空的旋律之旅》 书籍简介 本书旨在为音乐爱好者、学生以及专业人士提供一个宏大而精微的视角，审视世界音乐文化发展脉络中的关键节点、风格流变及其背后的社会文化语境。我们聚焦于那些塑造了人类听觉经验，并在历史长河中留下深刻印记的音乐现象，而非仅仅停留在对特定时期或地域音乐的孤立考察。本书的叙事结构围绕“交响”展开——即不同文明、不同时代音乐思想的碰撞、融合与演进。 第一部分：东方古韵与文明的序曲 本部分将时间轴拨回到人类音乐文明的源头，探讨古代东方，特别是中国、印度及中东地区的早期音乐传统。我们不会将这些视为西方音乐史的“前奏”，而是独立且光辉的文明篇章。 太古之声：礼乐文明的构建：深入考察中国古代的乐律理论，从《周礼》中的“八音”分类到孔子“兴于诗，立于礼，成于乐”的哲学思想。我们将分析古代典籍中对音乐社会功能的描述，如宫廷雅乐的庄重性与民间音乐的生命力之间的张力。着重探讨五声调式的内在逻辑及其对后世音乐思维的深远影响，而非仅仅将其视作一种简单的音阶。 恒河的冥想与韵律：转向南亚次大陆，解析印度古典音乐（Hindustani 和 Carnatic）中“拉格”（Raga）系统的复杂性。我们将详细阐释拉格作为旋律框架和情感载体的独特机制，以及“塔拉”（Tala）这一周期性节奏结构如何支撑起即兴创作的广阔空间。这部分将强调印度音乐中内在精神性与即兴自由的完美结合。 丝绸之路的回响：考察古代贸易路线对音乐元素的传播与重构作用。探讨波斯、阿拉伯地区在音乐理论，特别是音程划分上的创新（如微分音的使用），这些成果如何通过文化交流的桥梁，间接地影响了后世欧亚大陆的音乐实践。 第二部分：古典传统的奠基与精神的探索 本卷将目光投向西方音乐传统的早期成熟阶段，但侧重点将放在“精神性”与“结构性”的奠基之上，而非简单的风格划分。 中世纪的圣咏与世俗之争：探讨格里高利圣咏的单音音乐体系如何确立了西方音乐的调式基础。着重分析修道院内音乐的规范化过程，以及世俗游吟诗人（Troubadour/Trouvère）音乐在情感表达和叙事功能上的突破。我们将解析记谱法的演进——从纽姆谱到五线谱的飞跃——如何使得音乐记忆和传播从口头传统转向精确记录。 复调的觉醒与人文主义的光芒：深入分析巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）在复调音乐（Organum）发展中的关键作用，特别是列奥宁和佩罗坦如何构建了早期的节奏和声概念。文艺复兴时期，随着人文主义思潮的兴起，音乐重心如何从“神”转向“人”。我们将详细审视经文歌（Motet）和牧歌（Madrigal）的文本处理技巧，展示音乐如何成为表达细腻人类情感的载体。 第三部分：巴洛克与古典主义的秩序与激情 这一部分将考察音乐形式与技术如何达到一个高度成熟的阶段，展现出一种宏大的“宇宙秩序感”与个体内在激情的张力。 巴洛克的戏剧性：技巧与情感的熔炉：巴洛克时期是音乐技艺爆炸式增长的时代。我们将超越对协奏曲和歌剧的表层介绍，深入探究“对位法”（Counterpoint）的精微结构，特别是巴赫作品中对位逻辑的严谨性。同时，探讨“情感理论”（Doctrine of the Affections）如何指导作曲家通过特定的音乐材料（和声、节奏型）来激发听众的特定情感状态。对歌剧的起源和早期发展，如蒙特威尔第的作品，着重分析其戏剧张力的营造方式。 古典时期的平衡与清晰：古典主义时期是对巴洛克复杂性的回应，追求形式的清晰、旋律的平衡与结构的可理解性。我们将剖析奏鸣曲式（Sonata Form）的内在矛盾与解决机制，它如何成为音乐叙事的标准范式。海顿、莫扎特等人的作品如何将这种结构美学推向高峰，并探讨交响乐作为一种新型社会公共艺术的崛起。 第四部分：浪漫主义的解放与民族的色彩 当工业革命的浪潮席卷欧洲，音乐开始超越宫廷与教堂的束缚，成为表达个体意志、民族精神和超自然想象力的强大工具。 个体意志的颂歌：浪漫主义音乐的核心在于对“自我”的无限拓展。我们将分析扩大的和声语言、更复杂的配器法，以及对序曲（Overture）和交响诗（Symphonic Poem）等新型体裁的偏爱，这标志着音乐从纯粹形式的追求转向文学性和叙事性的探索。肖邦、李斯特等人的独奏作品如何成为个人英雄主义的宣言。 民族主义的觉醒与“异域风情”：探究十九世纪下半叶，各国作曲家如何从民间音乐、民族史诗和本土语言中汲取灵感，构建具有强烈地域色彩的音乐语言。这不仅是对殖民主义扩张的反思，也是对自身文化根源的深度挖掘。探讨民族乐派的特点及其对传统德奥体系的修正与补充。 第五部分：二十世纪的多元探索与风格的破碎重组 二十世纪是音乐史上最为剧烈动荡的时期，传统美学体系遭受全面挑战，音乐创作呈现出前所未有的多元化和实验性。 调性体系的瓦解与重构：分析勋伯格如何通过“十二音技法”来寻求一种新的结构性秩序，以及新古典主义（Neoclassicism）对古典原则的回归与反思。探讨印象主义（Debussy）在音色和氛围营造上对传统和声逻辑的“消解”。 节奏的解放与电子的介入：考察斯特拉文斯基等人在节奏上的激进创新，以及音乐如何开始直接与科技力量结合。分析战后先锋派音乐，如序列音乐、偶然音乐（Aleatoric Music）的出现，它们对作曲家、演奏者和听众的传统角色提出了根本性的哲学拷问。 结语：全球视野下的音乐未来 本书最终将目光投向当代，探讨全球化背景下，不同音乐传统（包括非西方传统）如何进行更深层次的对话与融合，预示着未来音乐可能的发展方向。本书旨在培养读者一种批判性的聆听能力，理解音乐是如何作为人类智慧和情感的活化石，跨越时间与地域，持续发出其独特而强大的声响。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计倒是挺有意思的，那种深邃的蓝色背景，配上那个古典的字体，一下子就把人拉回了那个遥远的西方古典音乐时代。我本来是抱着“了解一下”的心态翻开的，毕竟我对音乐史的了解也就停留在“贝多芬写了《命运交响曲》”这种程度。没想到，刚读进去，就被作者那种娓娓道来的叙事方式给吸引住了。他不像有些教科书那样干巴巴地罗列年代和人名，而是把历史的脉络梳理得特别清晰。比如讲到巴洛克时期，他不仅仅是介绍了巴赫和亨德尔，更是巧妙地将当时的社会背景、宗教影响都融合了进去，让你能真切地感受到那种音乐是如何应运而生，又是如何影响当时的欧洲社会的。这本书的厉害之处在于，它能让你在阅读过程中，仿佛置身于那个时代，去亲身感受那些音乐巨匠们创作时的心境。我尤其喜欢他对于乐器发展史的描述，那些关于管风琴、大键琴的演变，读起来就像在看一部小小的技术发展史诗。

评分☆☆☆☆☆

作为一个非科班出身的音乐爱好者，我总觉得那些专业的乐理书籍对我来说就是天书，充斥着各种我看不懂的术语和复杂的结构分析。但是这本书，在讲解那些“名作鉴赏”的部分时，简直就是为我们这类“半路出家”的听众量身定做的。作者在分析一首曲子时，从来不会直接扔给你一堆晦涩难懂的理论名词。他更像是一个经验丰富的导游，先带你大致走一遍作品的结构，然后重点指出那些“必听”的高光时刻，告诉你“注意，在这里，旋律突然转了个调，营造出一种特别忧郁的感觉”。这种讲解方式，极大地降低了欣赏门槛。我尝试着按照书中的指引去听了几首曲子，比如莫扎特的安魂曲，以前听只觉得“很庄重”，现在再听，就能捕捉到那些细微的情绪波动和对位技巧带来的层次感，感觉整个音乐世界瞬间变得立体而丰富起来。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量也值得称赞。要知道，这种偏学术性的教材，很多时候都是黑白印刷，图文混排得极其粗糙。但这本书的纸张很有质感，不是那种容易反光的纸，阅读体验非常舒适，长时间盯着看也不会觉得眼睛累。更重要的是，里面的乐谱插图和历史图片都处理得非常清晰。我特地对比了一下，那些早期作曲家的肖像画，细节保留得很到位，不像有些盗版书印出来跟打了码似的。对于我这种有收藏爱好的读者来说，这种细节上的用心，真的能加分不少。毕竟，买一本音乐史的书，不光是为了看内容，也是为了拥有一个可以时常翻阅的、赏心悦目的实体书。它放在书架上，本身就是一种视觉享受。

评分☆☆☆☆☆

我注意到一个细节，这本书在处理不同历史阶段的过渡时，做得非常流畅自然，没有那种生硬的“章节切换感”。比如，从中世纪的单一圣咏转向文艺复兴时期的复调音乐，作者并没有简单地描述“技术进步了”，而是深入探讨了当时的社会思潮——人文主义的兴起如何解放了音乐的思想，不再完全依附于教会的束缚。这种将音乐史置于宏大文化史背景下的叙事角度，极大地提升了这本书的深度。它不再仅仅是一本音乐的“编年史”，而更像是一部欧洲思想变迁的侧影。读完一章，我常常会停下来思考，当时的社会氛围是如何孕育出如此伟大的艺术的，这种思考的过程，比单纯记忆知识点有趣多了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的适用范围似乎非常广，这对于一个想进行自我提升的业余学习者来说，简直是福音。我看到后面章节开始涉及一些20世纪的先锋音乐流派时，它的讲解方式依然保持了极大的耐心和包容性。很多音乐史书写到1900年之后就草草了事，或者对那些“不和谐”的现代音乐采取批判的态度。但这本书的处理方式是客观且充满探索精神的，它会详细解释无调性、十二音体系背后的逻辑，而不是简单地贴上“怪异”的标签。这让我感觉，作者是真正尊重每一个历史时期的音乐实践者，并努力去理解他们创作的动机。因此，无论是音乐专业的学生，还是像我一样想要系统构建自己音乐知识体系的普通读者，这本书都能提供一个扎实、全面且充满启发性的学习平台。