童声合唱实用训练教程/新课程音乐教育丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈巧姑陈姬姜... 编

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店铺： 木垛图书旗舰店

出版社： 西南师大

ISBN：9787562192480

商品编码：29668397571

开本：16

出版时间：2018-05-01

基本信息

• 商品名称：童声合唱实用训练教程/新课程音乐教育丛书
• 作者：编者:陈巧姑//陈姬姜
• 定价：39
• 出版社：西南师大
• ISBN号：9787562192480

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-05-01
• 印刷时间：2018-05-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：182
• 字数：314千字

内容提要

陈巧姑、陈姬姜编著的《童声合唱实用训练教程 》是为童声合唱师资培养的实际需求而编写。全书共 分16课，从专业角度介绍了童声合唱的基本知识、童 声合唱的发声训练、协调训练、吐字与咬字、吐字与 咬字、预示指挥及其他、童声合唱指挥应具备的基本 条件等知识。内容编排从教师急需考虑，从解决少儿 合唱排练实际入手，以案例研究的方式，从作品艺术 表现、作品排练要点两个方面为一线教师提供了具体 的教学范本，有助于教师们进一步提高童声合唱的训 练、指挥能力。它的出版可填补当前高校音乐专业的 教学空白点，可作为高校在校师范生合唱指挥课程的 教材，亦可作为中小学音乐教师及儿童音乐教育培训 机构的专业教材。
    

目录

第一课 合唱历史
第二课 童声合唱的基本知识
第一节 童声合唱的声部
第二节 童声合唱的乐谱
第三节 童声合唱的队形
第三课 少年儿童歌唱的发声原理
第一节 少年儿童发声的器官简介
第二节 少年儿童发声器官的运用
第三节 少年儿童的歌唱概论
第四节 如何度过变声期
第四课 童声合唱的发声训练
第一节 练声的准备活动
第二节 发声的训练
第三节 单声部的训练
第四节 多声部训练与和弦连接
第五节 练声曲的选用
第五课 童声合唱的协调训练
第一节 音准的训练
第二节 音量、音色的训练
第三节 协调的训练
第六课 童声合唱的吐字与咬字
第一节 声母、韵母的常识
第二节 字头、归韵、收声的常识
第三节 童声合唱的咬字与吐字
第七课 指挥艺术的新理念
第八课 童声合唱指挥应具备的基本条件
第九课 童声合唱指挥必修（一）
第一节 指挥的姿势
第二节 挥拍的原理
第三节 指挥的图式
第十课 童声合唱指挥必修（二）
第一节 如何起拍
第二节 如何收拍
第三节 不同时值休止的指挥
第十一课 童声合唱指挥必修（三）
第一节 如何指挥长音和自由延长音
第二节 如何指挥切分节奏和附点节奏
第三节 如何指挥混合拍子和变换拍子
第四节 如何指挥合拍与分拍
第十二课 童声合唱指挥必修（四）
第一节 不同速度的指挥
第二节 不同力度的指挥
第三节 指挥中，左右手的分工与合作
第十三课 童声合唱与伴奏
第一节 带伴奏的童声合唱指挥
第二节 不带伴奏的童声合唱指挥
第三节 前奏、间奏、尾奏的指挥
第十四课 童声合唱的预示指挥及其他
第十五课 童声合唱作品的分析与演唱设计
第一节 在钢琴上阅读合唱乐谱

音乐教育的拓路者：合唱教学的理论与实践 一部聚焦于中国基础教育阶段音乐课程改革的重量级著作，深入探讨了当前中小学音乐教学面临的机遇与挑战。 本书并非聚焦于某一特定声部或年龄段的合唱技巧训练，而是致力于构建一个全面、系统的音乐教育理论框架，旨在指导一线教师如何在新课程标准（如2011年版及后续修订版）的指引下，有效实施和推进中小学音乐教学工作。它将理论研究与课堂实践紧密结合，为提升中国基础教育的音乐素养提供了一份前瞻性的指导蓝图。 第一部分：新课程理念与音乐教育的时代定位 本部分深入剖析了当前国家教育方针对音乐学科提出的新要求，强调音乐教育不再是简单的技能训练，而是培养学生健全人格、审美情趣和文化素养的重要途径。 1. 核心素养的重塑： 详细阐述了新课程体系中“音乐课程标准”所倡导的音乐核心素养，包括感受与欣赏、表现与创造、以及文化传承与理解三大维度。书中通过大量案例分析，探讨了如何将抽象的素养目标转化为可操作的课堂活动。 2. 教学观念的转变： 反思了传统音乐教学中“重技轻文”或“重知识点轻体验”的弊端。本书倡导以学生为中心的教学理念，强调在音乐学习中激发内在动机，鼓励学生主动探索音乐的意义，而非被动接受知识。例如，书中详细讨论了如何设计探究式和项目式的音乐学习任务，以促进高阶思维能力的培养。 3. 信息技术与音乐教学的融合： 这一章节探讨了数字化工具在当代音乐教育中的应用价值。它超越了简单的多媒体课件制作，深入分析了如何利用录音软件、数字音频工作站（DAW）或在线协作平台，来丰富学生的音乐体验，并实现个性化学习路径。书中提供了多种利用技术手段进行音乐创作、编配和反馈的实用方法。 第二部分：基础教学中的关键环节与策略 本书的第二部分聚焦于日常音乐课堂教学中最为关键的几个环节，提供了细致入微的策略指导，旨在解决教师在实际操作中遇到的普遍难题。 1. 听觉训练的现代化路径： 摒弃了单纯的音高、节奏的机械性训练，本书提出了一种“情境化听觉训练”模式。它主张在音乐作品的深度聆听和分析中进行听觉辨识训练，例如通过比较不同文化背景音乐的织体、和声特点，引导学生建立起更丰富的听觉感知系统。书中特别强调了对中国传统音乐的非正式音阶和调式进行听辨和理解的重要性。 2. 音乐审美教育的深度拓展： 审美教育是音乐教学的灵魂。本书构建了一个从“感知美”到“理解美”再到“创造美”的递进体系。它不仅分析了西方古典音乐的结构美，更花费大量篇幅探讨了如何引导学生理解民族民间音乐的叙事性、仪式性和地域性之美。书中提出了“多感官介入法”，鼓励教师通过视觉艺术、文学文本等多方面来丰富学生对音乐作品的理解层次。 3. 节奏与韵律的身体化教学： 针对许多学生在节奏感上存在困难的问题，本章强调了将节奏教学与身体动作的自然表达相结合。书中详细介绍了诸如梅尔茨（Dalcroze Eurhythmics）理念的本土化应用，如何通过脚步、手势、甚至集体运动来内化复杂的节奏型，将抽象的节拍符号转化为身体的内在律动。 4. 音乐实践中的创新与评价： 实践环节是学生主动性的体现。本书深入探讨了即兴演奏和简易编创在基础教学中的地位。它提供了大量无需专业乐器即可进行的音乐创作活动，例如利用生活中的声音素材进行声音拼贴，或使用固定音型进行旋律变奏。在评价方面，本书倡导建立过程性、多元化的评价体系，减少对单一技能的考核，转而关注学生在学习过程中的参与度、合作精神和创造性表达。 第三部分：教师专业发展与课程资源建设 本部分将视角转向音乐教师自身的专业成长，以及如何构建适应本地情境的优质教学资源库。 1. 教师的专业学习共同体（PLC）： 强调教师应走出“单打独斗”的教学模式，建立基于真实教学问题的反思型学习共同体。书中提供了构建有效PLC的组织模式、议题设置和成果转化的具体步骤，旨在促进教师之间形成知识共享和互助成长的机制。 2. 地方音乐资源的挖掘与利用： 认识到教材的普适性与地方文化特殊性之间的张力，本书指导教师如何系统地调研、整理和开发具有地域特色的音乐资源（如地方戏曲、民歌、传统乐器演奏技艺）。如何将这些“活的音乐遗产”有机地融入到国家课程标准要求的框架内，是本章讨论的重点。 3. 跨学科整合的实践路径（STEAM视角）： 本章探讨了音乐与其他学科（如数学、科学、视觉艺术）的交叉点。例如，如何利用音乐的数学结构讲解分数概念，或如何结合物理学原理探究乐器发声的奥秘。这种整合性的教学视角有助于打破学科壁垒，提升学生解决复杂问题的能力。 总结： 本书以其深厚的理论基础和高度的实践指导性，为致力于提升中小学音乐教学质量的教育工作者，提供了一套系统、前沿的解决方案。它不仅是一本关于如何教音乐的书，更是一部关于如何通过音乐塑造未来公民的教育哲学著作。

评分☆☆☆☆☆

我最近对民间艺术产生了浓厚的兴趣，于是找来了这本《中国传统戏曲声腔的地域变异》。这本书的视角非常独特，它没有将戏曲视为一个整体来阐述，而是深入挖掘了不同省份、甚至不同县域之间声腔的细微差别，简直是活生生的“听觉地图册”。作者以昆曲的典雅婉转为基准，然后层层递进地对比了京剧的板式变化、越剧的柔美婉转以及秦腔的粗犷激昂。最让我惊叹的是，书中收录了大量的田野调查资料，引用了许多老一辈艺术家的访谈记录，这些一手资料让原本枯燥的声学分析变得有血有肉。比如，书中对比了徽州调和徽剧声腔中对于喉音的运用差异，解释了这种差异如何受当地生活环境和语言习惯的影响，这种社会文化人类学的介入，极大地拓宽了我们对“声音”的理解。这本书的学术性很强，注释和引文非常详尽，对于想要进行戏曲声腔研究的人来说，简直是宝库。虽然阅读过程中需要时不时查阅一些生僻的戏曲术语，但正是这种“咬文嚼字”的过程，才让我领略到中国传统艺术的博大精深，它让我们意识到，即便是“唱腔”，也承载着一方水土的文化基因。

评分☆☆☆☆☆

读完这本《人声发声与气息控制精要》后，我深刻体会到什么叫做“专业中的专业”。这本书的定位非常明确：它不是写给那些只追求“听起来好听”的听众，而是面向歌唱学习者、声乐教师，甚至是播音主持等对嗓音有高要求的人群。内容编排极其系统和严谨，完全是按照人体发声器官的工作原理来展开的。第一部分对呼吸系统的解剖学描述就足够扎实，图文并茂地展示了膈肌、肋间肌在歌唱中的动态作用，对于我长期以来唱歌“气不足”的问题，提供了科学的解决方案。书中关于“胸腔共鸣”和“头腔共鸣”的讲解，不再是模糊的“想象你在一个大厅里唱歌”这种玄学描述，而是通过具体的口腔形状调整、软腭提升等技术细节来指导练习，操作性极强。我尝试了书中的几个特定的练习（比如针对唇颤音的练习），效果立竿见影，感觉对气息的控制力明显增强了。不过，我必须指出，这本书的阅读门槛相对较高，如果没有一定的乐理基础或者正在接受声乐指导，部分术语可能会造成理解上的困难。它更像是一本教科书或技术手册，需要学习者投入时间和精力去消化、实践，但其提供的专业深度绝对物超所值。

评分☆☆☆☆☆

这本《数字音乐制作：从零到精通实战手册》完全就是为我这种想在卧室里搭建小型录音棚的业余爱好者准备的。这本书的实用性简直达到了变态级别，它几乎涵盖了现代数字音频工作站（DAW）操作的所有关键环节。开篇就详细对比了主流软件的功能差异，帮你做出选择困难症的终结。随后，作者进入了实战教学模式，步骤清晰到几乎不需要任何背景知识。比如，关于MIDI编程的部分，它不仅教你如何输入音符，更深入讲解了量化、摇摆（Swing）的原理和应用，让你做出来的节奏听起来自然而不僵硬。我印象最深的是它关于混音和母带处理那一章，作者没有堆砌晦涩的频率曲线图，而是通过具体的案例，告诉你在处理人声时，压缩器和均衡器分别应该在哪个频段施加什么样的效果，甚至给出了针对不同风格（如Hip-Hop、Acoustic Pop）的“黄金参数范围”作为起点。这本书的结构就像一个项目流程：从基础的音频接口设置，到编曲的元素堆叠，再到最后的成品输出，每一步都配有软件截图和操作提示，让人信心倍增。对于想自学音乐制作，又不想被昂贵的课程和复杂的软件界面劝退的人来说，这本书就是一本能立刻上手，并能指导你不断精进的实操指南。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐鉴赏入门指南》简直是为我这种对古典音乐一窍不通的“小白”量身定做的！作者的文笔极其流畅自然，完全没有那种高高在上的学术腔调。他不是直接甩给你一堆复杂的乐理知识，而是像一个和蔼可亲的音乐发烧友，手把手地带着你走进音乐的世界。比如，在讲解贝多芬的《命运交响曲》时，他没有长篇大论地分析配器和结构，而是通过生动的比喻，将那种“命运敲门”的戏剧张力描绘得淋漓尽致，让我瞬间就get到了那种震撼人心的力量。更棒的是，书中还巧妙地穿插了许多关于作曲家生平的小故事，让你在了解音乐的同时，也能感受到那个时代特有的文化氛围。比如，关于莫扎特在萨尔茨堡时期的一些趣闻轶事，读起来比看小说还有意思。这本书的排版设计也非常人性化，配图精美且恰到好处，不会显得累赘。我尤其喜欢它推荐的“初听曲目清单”，这些都是经过精心挑选的、最容易让人产生共鸣的作品，极大地降低了入门的门槛。读完这本书，我不再觉得古典音乐是遥不可及的“阳春白雪”，而是充满了生活气息和情感共鸣的艺术瑰宝。我现在去听音乐会，耳朵里不再是嗡嗡的噪音，而是能分辨出旋律的起伏和情感的流动了。对于任何想提升审美情趣，却又害怕面对枯燥理论的读者来说，这本书绝对是最佳的引路人。

评分☆☆☆☆☆

我刚拿到这本《全球流行音乐史略》的时候，其实是抱着一丝怀疑态度的，毕竟“全球”和“略”放在一起，很容易让人觉得内容会泛泛而谈，浅尝辄止。然而，事实证明我的顾虑完全是多余的。这本书的叙事结构简直是一绝，它没有采取传统的年代划分法，而是以几种关键性的音乐流派——比如从蓝调到摇滚的演变，从电子乐的地下兴起到主流化的过程——作为经纬，构建了一个宏大而又清晰的脉络。作者对于不同文化背景下音乐的互动性分析得尤其到位。例如，书中详细剖析了拉丁美洲的节奏如何被爵士乐吸收，进而在六十年代影响了英美的迷幻摇滚，这种跨越地域和文化的追踪，让人不得不佩服作者深厚的功底和广阔的视野。它的深度远超“略”字所暗示的范畴，很多地方的论述都触及到了社会结构和技术变革对音乐产业的影响，具有很强的批判性思维。我特别欣赏作者在处理争议性流派时的客观态度，不偏袒任何一方，而是试图还原其产生的社会语境。阅读过程中，我感觉自己像是在参与一场全球范围内的音乐考古，每一次翻页都伴随着对过去几十年听觉文化的新认识。对于音乐专业学生或者资深乐迷来说，这本书提供了很多可以深入研究的切入点，绝非一般的普及读物可比。