具体描述
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- 版 次：1
- 页 数：527
- 字 数：330000
- 印刷时间：2014-6-1
- 开 本：16开
- 纸 张：胶版纸
- 印 次：1
- 包 装：平装
虽然钢琴广泛流行，成为家庭和音乐会中很热门 的乐器，但是这么多年来很少 有关于钢琴和钢琴家的论著。阿瑟·勒瑟写过一本《 男人、女人和钢琴》，堪称佳 作；还有一本是亚布拉姆·蔡辛斯的《话说钢琴家》 ，主要是讲当代乐坛的钢琴家。
研究键盘大师，特别是研究过去的大师的论著不 多，这不是没有原因的，实 在是困难重重。古生物学家能根据一块骨头碎片构造 出整个人体骨架，至少他们 有一块碎片。而在录音发明以前，钢琴家的手一离开 琴键，声音就一直消失了； 当然，更不可能有莫扎特或李斯特的演奏的第I手数 据(尽管不时冒出谣言，说 是有一个李斯特的圆筒录音，令人将信将疑)。
那么我们是否同意帕斯卡尔的说法：真理是一个 微妙的点，只是我们的工 具太粗笨，无法地触及？那倒也未必。尽管克莱 门蒂、德赖萧克、亨泽尔 特、肖邦或者阿尔坎他们不为后人着想，没等录音发 明就故去，但还是有着大量 物证和文献，使我们能对他们的演奏产生一个尚称正 确的，有时甚至栩栩如生的 印象。传记、评论、轶事、书信、出自可靠来源的传 闻，以及写下来的音乐本身 都能起到作用。我们可以重建过去的钢琴大师弹奏的 乐器，从他们的作品可以推 测他们的生理特点，从而推测他们的技巧立场。因为 过去的大钢琴家大多是作曲 家，主要为自己创作。不需要多大的侦探才能，看一 看亨泽尔特的《f小调钢琴 协奏曲》，仔细审视左手那些伸展，便可以推断亨泽 尔特的手可以伸展得很 大，也许手的形状还很特别。连莫扎特那样一个纯粹 的作曲家也是根据自己的 条件而写作，能够在信中得意扬扬地告诉父他在钢 琴声部中用了多少艰深的 技巧，使听众tt佩服得五体投地”，是他开心的时 刻。我们通读肖邦的那首卓 绝的《“把手给我，，主题变奏曲》(op．2)时，想 一想它创作的年代，再看一看那 些复杂而大胆的钢琴音型写法——远远走在当时所能 设想的任何音型写法的前 面——就能猛悟到：(1)肖邦是旷世奇才，难怪人以 为怪(生物学意义上的怪)； (2)他的钢琴风格很早就已确立。甚至音乐家的出版 乐谱上的指法也能偶尔提供 一些启示，而他们的表情记号就更不用说了。
钢琴家们多喜好对自己的键盘哲学发表看法；有 耳听到者的记载为证。这 类文字有的属于业余爱好者不分青红皂白的英雄崇拜 ，有的是莫扎特以来的优 秀音乐头脑所做的详细分析。倒不是说的音乐 头脑可靠，世上还没有 过任何一个毫无偏见的人。一个报道的来源哪怕近乎 神明，有时也要对它的可靠 性打个问号。举个例子来说，克菜门蒂不可能像莫 扎特对他姐姐娜内尔说的那 么差劲。所有征兆表明，克菜门蒂的技艺比莫扎特要 高明得多。莫扎特可能也知 道这一点，因此拼命说这位伟大同行的坏话，这也是 人性所难免。
总之，要仔细掂掂证据的分量；适当的怀疑，甚 至冷眼看待，是必不可少的。
但是证据有的是，而且很多。演奏家越受欢迎，关 于他的文字就写得越多——小品 文、书信、评论、各类文章、著作和未发表的手稿 等等。大体说来，关于一个艺术 家的这类资料加在一起，就能得出一个比较统一的意 见。如果有一个报道同其余的 报道大不相同，人们自然会在报道者身上寻找他有没 有偏见，而且一般总能找到。
当然，把事实同神话分开，是个难题。任何一位 大钢琴家都会引发一个神 话。例如李斯特和莱谢蒂茨基的学生一年又一年地撰 文介绍、宣扬他们的老师， 那两位伟人的形象一年比一年高大，人们还打光照在 他们身上。把他们同其他人 一起放在正确的视角上观察，谈何容易！ 到了二十世纪，录音的出现使问题多少变得简单 些了。许多人，包括专业人 士，听说有这么多大钢琴家灌录过唱片，甚感吃惊。
那些唱片中有许多是原始 录音，即1925年电声出现以前录制的，已极难找 到。十九、二十世纪之交 活跃于音乐舞台而且录过唱片的钢琴家有安索盖、伯 努瓦、布利格、布索尼、夏 米纳德、科尔托、达尔伯特、戴维斯、德·格里夫、 德·拉腊、帕赫曼、迪梅 尔、多纳伊、艾本许茨、理查德·爱泼斯坦、弗里德 伯格、弗里德海姆、加布里 洛维奇、甘茨、戈多夫斯基、戈尔、格兰杰、格里格 、格林费尔德、汉伯格、霍 夫曼、亚诺萨、科恰尔斯基、克鲁采、克瓦斯特一霍 达普、拉福热、拉蒙德、莱 金斯卡、莱维、格奥尔格·利布尔、玛格丽特·隆、 马泰伊、米哈伊洛夫斯基、 尼曼、帕德雷夫斯基、保尔、菲利普、普朗泰、普尼 奥、里斯勒、罗森塔尔、 圣一桑、萨佩尔尼科夫、绍尔、沙尔文卡、塞尔瓦、 西罗塔、施塔文哈根、阿黛 拉·韦尔纳、维亚纳·达莫塔和约瑟夫·魏斯，而这 只是一份不全名单。
这些钢琴家的年代涵盖十九世纪的大部分时期。
甚至生于1833年的勃拉姆 斯的演奏，也可以透过1889年的一个圆筒录音的杂音 而依稀听到。第I个灌录 唱片的大钢琴家圣一桑生于1835年，那时，肖邦也才 二十五岁。帕赫曼从二十世 纪初一直录到1933年去世，他生于1848年。普尼奥生 于1852年，帕德雷夫斯 基生于1860年，罗森塔尔、德·格里夫和绍尔生于 1862年，拉赫玛尼诺夫和鲍 尔生于1873年，列维涅生于1874年，霍夫曼生于1876 年，恕不赘述。我们有 唱片可以说明十九世纪钢琴家是如何演奏的，这些人 中有几个直到电声时代还在 继续录音。(其中不少人也录过自动钢琴纸卷，但是 这东西不可信，本书不予讨 论。钢琴纸卷可以修改作假，和后来的磁带录音一样 。而且，速度、力度和踏板 法都非常令人怀疑。) 这些唱片当然不能解决所有的问题，但在许多情 况下它们提供非凡的线索， 它们是会说话的文献，综合起来不失为浪漫主义演奏 实践的概括。再补充一句： 现代工艺还能从那些年久月深的刻槽中发掘出连制作 者当年都没有注意到的情 况。第I次听到早的原始录音唱片(如1902年艾本 许茨的唱片)的人简直为 录音的清晰度感到惊讶。
这些唱片的确有助于说明问题。十九世纪初期的 报章杂志上的评论，钢琴家 的书信、文章和经常发表的意见，作曲家写给朋友的 信中谈到自己对钢琴家的演 奏以及听众对台上艺术家的印象——往往是没有受过 专业训练的人的印象，但往 往专业听众更为生动——本书都充分利用。
本书的另一个资料来源是同音乐家谈论他们听到 过的钢琴家的演奏。不幸的 是，其中有不少并不可靠。老年人往往喜欢生活在过 去，生活在他们所认识的伟 大人物的光辉印象之中，如此，十九世纪如此， 任何一个世纪都是如此。有 些老人死死抱住过去，乃至伤害历史。因为有些老音 乐家的回忆显然不是事实， 而是浪漫化的传奇，但仍被奉为福音。
因此，本书有责任筛洗大量素材，剔除明显错误 或不可靠的，比照不同的零 星数据，力求尽量接近大钢琴家的实际情况。全书将 讨论一些主要的钢琴家，不 是从传记的角度(除非是顺便提到)，而是作为有特殊 贡献的键盘专家，他们的 演奏不仅在当时负有盛名，而且在许多情况下塑造了 下一代的演奏和键盘哲学。
必须指出，本书并非百科全书，读者会发现有些 名字没有提到，特别是当代 钢琴家的名字。把每一个人都收入书中，显然是不可 能的；再说，当代的钢琴艺 术是一个非专著无法讨论的课题。作者希望没有遗漏 重要人物，但愿本书能使读 者对于从莫扎特和克莱门蒂到的主流钢琴演奏有 一个概念。
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用户评价
这本书真是让人眼前一亮，从装帧设计到内容排版都透着一股匠心。拿到手里沉甸甸的，封面上那架老式三角钢琴的插图，仿佛能让人闻到木头和琴弦混合的独特气味。我本来是想找一本能系统梳理一下古典音乐史脉络的书，结果翻开这本，发现它不仅仅是罗列事实，而是真正深入到了那些伟大音乐家的内心世界。作者的叙事功力一流，把肖邦那略带忧郁的天才气质，李斯特那种近乎于舞台魔术师般的魅力，描绘得淋漓尽致。特别是书中对几次关键音乐会幕后的细节描写，比如某位大师在演出前夜的失眠与挣扎，读来让人感同身受，仿佛自己也身处那个充满汗水与荣耀的年代。这本书的价值远超一般的传记汇编，它提供了一种理解艺术创作过程的视角，让人明白那些流传百世的乐章背后，是多么巨大的心血和天赋的碰撞。我特别喜欢它对不同时代钢琴流派演变的梳理，那种循序渐进的分析，让即便是对音乐史不甚了解的读者，也能清晰地把握住“风格”是如何一步步形成和蜕变的。我强烈推荐给所有对古典音乐抱有好奇心，或者希望深入了解钢琴艺术精神内核的人。
评分说实话，我是一个对理论性的东西总是敬而远之的人，拿起任何一本厚厚的乐理书都会感到头疼。但是这本书，简直是化繁为简的大师之作！它完全颠覆了我对“教程”的刻板印象。我原以为它会充斥着枯燥的和弦标记和音阶练习，没想到，作者是用讲故事的方式来教授基础知识的。比如，讲解到对位法时，它不是直接抛出规则，而是用一个生动的比喻——两条河流如何交织却又各自独立地奔流，瞬间就让那个复杂的概念变得清晰可感。对于指法和触键的讨论，更是细致入微，完全是从一个经验丰富的演奏者的角度出发，而不是冷冰冰的纸面指导。我试着按照书中关于琶音练习的进阶建议练习了几天，感觉手指的灵活性和耐力都有了显著提升，而且整个过程没有那种机械重复的折磨感。这种将理论融入实践，再将实践升华为艺术的编写思路，非常适合那些在基础阶段感到迷茫，或者希望在现有基础上寻求突破的钢琴爱好者。它提供了一个非常扎实且充满启发性的学习路径。
评分我是一个业余钢琴学习者，坚持了快十年了，但总感觉自己像是在原地打转，技巧上不去，对音乐的理解也停留在“弹对音符”的层面。偶然间朋友推荐了这本书，一开始抱着试试看的心态翻阅，结果彻底被吸引住了。这本书的视角非常独特，它似乎不仅仅关注“如何弹奏”，更着重探讨的是“为何而弹奏”。其中关于音乐诠释（Interpretation）的章节，简直是醍醐灌顶。作者深入剖析了不同指挥家和钢琴家处理同一部作品时，在速度、力度、踏板运用上的细微差异，并探讨了这些差异背后的哲学思考和时代背景影响。这种深层次的对话，让我开始重新审视自己以往的练习曲目。我不再只是机械地追求速度或力度上的完美，而是开始思考，在某个乐句中，我希望传达的是“克制的美感”还是“汹涌的情感爆发”。这种从技术层面到艺术层面的升华，是任何单纯的技巧手册都无法给予的。这本书为我打开了一扇通往真正音乐理解的大门，让我觉得，我弹的不再仅仅是黑白键上的符号，而是有了灵魂的声音。
评分这本书的排版和印刷质量，放在一众音乐类书籍中，也绝对是顶级的享受。纸张的纹理触感极佳，即便是长时间翻阅，也不会产生视觉疲劳。内容组织上，它的结构安排得非常有逻辑性，仿佛是一座精心规划的音乐殿堂。它将钢琴艺术的发展史线索，与重要的技术革新点紧密结合起来。我尤其欣赏它在论述“钢琴音色变化”时所使用的语言，那简直是在用文字描绘声音的色彩。比如，它形容某位二十世纪初的演奏家，其触键如同“在丝绸上滑翔，却偶尔闪过金属的微光”，这种精准而富有诗意的表达，立刻就能在脑海中构建出具体的听觉画面。对于研究钢琴演奏史的学者来说，书中引用的那些罕见的历史文献片段和一手访谈资料，更是宝贵的财富。它填补了许多我知识体系中的空白，让我明白，我们今天习以为常的演奏规范，其实是经过了漫长的时间沉淀和无数次争论才形成的。这不仅仅是一本书，更像是一部精美的、可供收藏的艺术品。
评分我必须坦诚，这本书的阅读门槛不算低，它更像是为已经有一定基础的进阶学习者准备的“进阶指南”，而不是面向绝对初学者的启蒙读物。它没有花篇幅去解释C大调是什么，而是直接跳跃到对巴赫赋曲结构的深度剖析，以及对“内声部线条独立性”的严苛要求。书中对于踏板使用的哲学探讨，简直是让我大为震撼——它不再仅仅是“踩下去”或“松开”，而是被视为一种与音符共呼吸的、动态的色彩工具。作者对不同钢琴制造商在键盘手感和音板设计上对演奏风格的影响进行了对比分析，这种细致入微的“仪器学”视角，我从未在其他同类书籍中见过。读完这本书，我感觉自己的耳朵变得更加挑剔，对音色的感知也更加敏锐了。它迫使我走出舒适区，去挑战那些看似简单却蕴含巨大技巧挑战的乐段。如果你只是想学几首流行歌曲的伴奏，这本书或许过于“学术”了；但如果你渴望真正理解钢琴艺术的深度、广度和复杂性，这本书无疑是通往更高层次演奏境界的必备航标。
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