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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103024751

商品编码：29867663744

丛书名： 声乐学基础

开本：32开

出版时间：2010-05-01

 

目录

总序 

作者自序 

导论 

一、音乐与声乐 

二、声乐和声乐学 

三、声乐范围的界定以及种类的划分 

四、声乐学研究的条件和方法 

声乐声理论 

人体乐器的结构与功能 

一、对人体乐器系统的概括认识 

二、人体乐器音源振动体的结构与机能 

三、人体乐器发声的主要动力——呼吸器官的结构与机能 

四、人体乐器共鸣器官的结构与机能 

五、人体乐器的领导与指挥系统 

第二章人体乐器的调节与使用——歌唱基本方法 

一、人体乐器的分类与人声演唱的系统及要素 

二、歌唱审美以及各种唱法的区别与统一 

三、歌唱的中心区域——喉、咽形态和声门状态 

四、歌唱的身体姿态与表情 

五、口腔状态与喉、咽形态的矛盾和统一语言和发声的协调与合作 

六、歌唱的身体姿态与表情 

七、在中枢神经系统的支配下，歌唱的“六态”统一 

第二篇声乐心理论 

心理学的概念在声乐艺术上的体现 

一、声乐对人的作用——从感知到认同和欣赏 

二、记忆在声乐艺术中的作用 

三、注意力的集中与合理分配 

四、声乐艺术中的想象和情感 

五、声乐艺术中的思维 

第二章声乐活动中心的心理控制和调整 

一、声乐学习的心理控制和调整 

二、声乐表演的控制和调整 

三、声乐观众（听众）的控制和调整 

四、声乐理论研究的心理调整 

第三篇声乐艺术表现论 

声乐艺术表现的基本规律 

一、声乐艺术表现的系统及要素 

二、感情线和歌声线 

三、歌唱中的语言和声音 

四、目的音及其在表现上的意义 

五、感情的呈现方式 

六、表演中的交流 

第二章声乐艺术表现中的创造性 

一、二度创作及其与一度创作的关系 

二、二度创作的原则和范围 

三、二度创作的手法 

四、二度创作水平的提高 

第四篇声乐教育论 

声乐教育的内涵及规律 

一、声乐教育的定义 

二、狭义声乐教育的特点 

三、狭义声乐教育的原则 

四、声乐教学的主体 

五、声乐教学的内容、形式及教材 

六、声乐教育的客体以及主、客体的合作 

第二章声乐教学的过程及方法 

一、对客体的选择及教学的预备期 

二、基本的教学方法 

三、声乐教学的阶段特点 

四、教学手法举例 

五、防止和走出不良定型 

后记

 

 

 

内容介绍

《声乐艺术教育丛书·文库:声乐学基础》包括导论和四篇八章，导论中给出很多重要的基本概念、定义，论述了声乐的界定和分类以及声乐学的研究范围、条件和方法。导论之后的每一篇含两章，每章含四节至七节不等。四个篇分别从生理、心理、艺术表现、教育四个角度去分析、论述、揭示声乐的本质和规律。每一篇中所含的两章中的前一章一般是说客观规律，后一章是研究怎样发挥人的主观能动性去顺应和驾驭这些规律。

 

内容介绍

《声乐艺术教育丛书·文库:声乐学基础》包括导论和四篇八章，导论中给出很多重要的基本概念、定义，论述了声乐的界定和分类以及声乐学的研究范围、条件和方法。导论之后的每一篇含两章，每章含四节至七节不等。四个篇分别从生理、心理、艺术表现、教育四个角度去分析、论述、揭示声乐的本质和规律。每一篇中所含的两章中的前一章一般是说客观规律，后一章是研究怎样发挥人的主观能动性去顺应和驾驭这些规律。

 

书籍简介：歌唱的艺术：从呼吸到舞台的系统实践 本书聚焦于声乐艺术的全面发展与实践，旨在为所有对歌唱抱有热忱的学习者提供一套结构清晰、深入浅出的系统指导。它不仅仅是一本理论的汇编，更是一本实用的操作手册，旨在弥合声乐学习中常见的理论与实践之间的鸿沟。 本书的编写秉持“实践为本，理论为辅”的原则，内容涵盖了从最基础的生理机制认知到复杂舞台表演技巧的方方面面。我们相信，优秀的歌唱家不仅需要优美的嗓音，更需要深刻的艺术理解和精湛的舞台呈现能力。 第一部分：声乐的生理学基础与呼吸的科学 本部分是构建稳固声乐技巧的基石。我们首先深入探讨人体的发声器官——从肺部到声带、口腔、鼻腔的完整构造及其在歌唱中的协同作用。摒弃晦涩难懂的解剖学描述，我们采用直观的图示和易于理解的语言，解释声带振动、共鸣腔体调控的物理学原理。 重点阐述“气息”的本质与控制： 呼吸模式的矫正： 详细分析了胸式呼吸、腹式呼吸的局限性，重点推介并系统训练“支持性呼吸”（Appoggio），强调横膈膜、肋间肌群在气息稳定与支撑中的关键作用。我们提供了大量的日常练习和针对性训练，帮助学习者建立深层、持久且富有弹性的气息支持。 气息的流动与分配： 探讨如何在长乐句中实现气息的均匀、平稳释放，避免气息的“浪费”或“僵硬”。书中包含了针对气息控制力的渐进式练习，如“持续的嘶声”、“气息的压力调控”等，旨在让学习者真正掌握“气主声辅”的真谛。 第二部分：音准、音色与共鸣的精微调控 嗓音的“音色”是歌唱家最具辨识度的名片。本部分将引导学习者探索并开发自己独特的音色潜力，实现声音的集中、明亮与圆润。 音色的构建与共鸣的优化： 共鸣腔体的激活： 我们摒弃“找到面罩”这种模糊的说法，转而专注于通过特定的元音和辅音练习，引导声音能量集中于前庭（Pre-cavity），实现高位、集中的声音投射。详细解析了头腔、口咽腔、胸腔在不同音区中的贡献与调节方式。 元音的标准化与可塑性： 歌唱元音（Vowel Modification）是跨越语言障碍的关键。本章系统梳理了意大利语、德语、英语等主要歌剧演唱语言的元音规范，并教授如何在保持声音连贯性的前提下，根据音高和句子的情绪需求对元音进行精细化的调控，确保高音区的清晰度和低音区的厚重感。 音准的内在听觉训练： 音准不仅仅是外部乐器的模仿，更是内在听觉的精确反馈。本书引入了基于音程关系、和声背景的听觉训练方法，结合钢琴伴奏进行快速的音高校正练习，培养耳朵对“不和谐”的敏感度。 第三部分：声区的统一与换声的艺术 声区（Register）的整合是声乐学习者面临的最大技术挑战之一。本书致力于消除传统教学中对“头声”、“胸声”的僵硬划分，倡导实现一个连贯、统一的“中央之声”（Middle Voice）。 连贯性训练的体系化： 换声点的策略性处理： 详细分析了男高音、女高音、男中音等不同声部的典型换声区域，并提供了针对性的“过渡练习”（Passaggio Exercises）。这些练习设计精巧，通过弱化或模糊换声点上的肌肉阻力，使气息和共鸣的转移变得平滑自然。 高音的建立与释放： 高音的难点在于恐惧和过度用力。本章重点在于如何利用良好的气息支持和正确的共鸣位置，将高音视为气息平稳释放的自然延伸，而非需要“喊叫”或“抬升”的结果。提供了大量针对性音阶和琶音练习，旨在建立高音的稳定性和持久力。 低音的深度与支撑： 探讨如何为低音提供足够的“重量感”和“回响”，而非让声音变得“空洞”或“沙哑”。强调在低音区依然需要清晰的气息支撑，只是支撑的动态感有所不同。 第四部分：语言的清晰度与乐句的塑造 歌唱是音乐与语言的结合。本部分关注如何让听众清晰理解歌词内容，并在此基础上，赋予音乐深刻的情感表达。 清晰的咬字与流畅的连贯性： 辅音的清晰处理： 讲解了歌唱中辅音（Consonants）与元音（Vowels）的协调关系。重点训练了如何让辅音在保持清晰的同时，不对气息的流动造成阻碍，特别是对德语、法语等对清晰度要求极高的语言的特殊处理技巧。 乐句的呼吸点与连贯性（Legato）： 乐句的呼吸点（Breathing Points）应服务于音乐结构和情感表达。本书指导学习者如何分析乐谱，找出最符合作曲家意图的呼吸位置，并教授如何利用“隐藏的呼吸”或“微小的气息调整”来实现乐句的完美连贯性——真正的“歌唱的线条”。 第五部分：艺术诠释与舞台呈现 掌握了技术，方能自由地进行艺术表达。本部分从艺术史的角度切入，探讨不同音乐风格的演唱要求，并教授舞台表演的实用技巧。 从学习到表演的飞跃： 风格的辨识与适应： 详细区分了意大利美声学派（Bel Canto）、德奥艺术歌曲（Lied）、法国艺术歌曲（Mélodie）以及近现代音乐在演唱技法、情感处理和语言处理上的核心差异。例如，如何处理美声的华彩与装饰音，如何表达德语艺术歌曲的内省性。 舞台心理学与抗压训练： 面对听众，如何管理紧张情绪？本书提供了实用的“上台前准备流程”、“视觉焦点管理”等技巧。同时，强调了记忆力训练与现场音乐性之间的关系，确保在舞台上技术不被焦虑干扰。 音乐性表达的深度： 最终，歌唱是情感的传递。本章引导学习者深入文本，理解和声、旋律的张力如何烘托出角色的内心世界，将技术转化为感人至深的艺术体验。 本书结构严谨，内容丰富，旨在陪伴学习者从声乐学习的起点，一步步迈向成熟的艺术实践者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是为爱书人量身定制的，封面那种低调的哑光质感，拿在手里沉甸甸的，能感受到印刷厂对纸张质量的坚持。我特别喜欢它内页的排版，那种恰到好处的留白，让眼睛在阅读那些复杂的乐理符号时，不会感到任何压迫感。更别提那种油墨散发出的淡淡的、只有新书才有的味道，每次翻开都能带来一种仪式感。光是摸着它、闻着它，就仿佛已经踏入了声乐艺术的殿堂，这种实体书的体验，是电子设备永远无法替代的。而且，书脊的制作也非常讲究，即便经常翻阅，也不用担心它会很快松散，看得出这是一本可以伴随我很多年的工具书，经得起时间的考验。

评分☆☆☆☆☆

我刚开始接触美声唱法的时候，最大的困惑就是“气息”这个概念，它太抽象了，听起来虚无缥缈，像是只能靠天赋才能掌握的秘密。这本书在解释呼吸支持时，采取了一种非常务实且科学的方法，它没有停留在空泛的描述上，而是引入了许多具体的生理学图示和练习步骤。我特别欣赏作者在描述横膈膜运动时那种抽丝剥茧的细致，把一个看似高深的技巧，拆解成了几个你可以清晰感知并反复练习的小模块。我按照书中的建议调整了自己的站姿和腹部肌肉的张力，效果立竿见影，起码在练习发声时，那种紧绷感明显减轻了，这比听一千遍“放松”口诀都管用得多。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格相当具有学者的风范，它不是那种为了取悦初学者而刻意“口水化”的教材，而是保留了一种严谨的学术深度。当我翻到关于不同历史时期声乐风格演变的那一章时，那种对文献的扎实掌握和清晰的逻辑梳理，让人叹服。作者似乎对十九世纪意大利歌剧的声乐美学有着深刻的洞察力，他对比了不同学派对“圆润音色”的不同解读，引用的参考文献跨越了德语、法语和意大利语的专业著作，这一点对我这种想深入了解“为什么”而不是仅仅知道“怎么做”的学习者来说，价值巨大。它提供的知识框架，是建立在深厚理论基础之上的，让人不敢轻易跳过任何一个章节。

评分☆☆☆☆☆

作为一名声乐教师，我一直在寻找一本既能指导学生基础训练，又能启发我进行课程创新的参考书。这本书的第三部分，关于视唱练耳与音乐理解力的结合，给了我极大的启发。它并没有将技术训练和音乐情感表达割裂开来，而是强调二者必须同步发展。书中设计的一些听觉训练小练习，比如对复杂和声背景下旋律线的辨识，不仅仅是训练耳朵，更是训练对作品情感走向的预判。我尝试将其中一个关于色彩感知的练习融入了我的合唱团训练中，学生们反馈说，他们对乐谱的理解速度提升了，而且合唱的层次感也更丰富了，这说明书中的方法论是具有很强的实践穿透力的。

评分☆☆☆☆☆

老实说，这本书的定价对于初学者来说可能稍微偏高，但用过之后，我完全理解这个价值所在。它带来的不是零散的技巧，而是一个完整的、自洽的声乐知识体系。特别是关于共鸣腔体调节的部分，作者用了一种我从未见过的比喻——将口腔比作一个可调节的“乐器箱”，不同的歌唱情境下，箱子的“盖子”和“侧板”需要如何微调。这个比喻的形象性和操作性极强，比那些教科书式的“高位置、亮头声”描述有效得多。它真正教会了我如何“设计”我的声音，而不是被动地接受它。这本书绝对是声乐进阶路上，一个不可或缺的里程碑式工具。