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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806679890

商品编码：29867663699

丛书名： 声乐文化学

出版时间：2007-08-01

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• 版 次：1
• 页 数：359
• 字 数：320000
• 印刷时间：2007-8-1
• 开 本：
• 纸 张：胶版纸
• 印 次：
• 包 装：平装

 

目录 总序
前言
第-章 声乐文化学概论
第-节 声乐文化学研究的理论依据及学术意义
第二节 声乐文化学的理论范畴与研究内容
第三节 声乐文化学的思维模式与研究方法
第四节 声乐文化的概念梳理
第五节 声乐文化的基本特征
本章思考题
第二章 声乐文化审美论
第-节 声乐文化的审美本质
第二节 声乐文化的审美创造结构
第三节 声乐文化的审美潜意识
第四节 声乐文化的审美消费
第五节 民族声乐审美的文化意蕴 内容推荐 声乐文化学是音乐文化学的子学科，是具有较大学术发展潜力的新兴学科。本书试图把进人21世纪的中国声乐艺术研究建立在宽泛和坚实的艺术文化基点之上。
本书是迄今为止中国的一本声乐文化理论研究的专著。它以宽泛的研究视野，按照声乐文化学概论、声乐文化审美论、声乐文化创作论、声乐文化传播论、声乐文化教育论、声乐文化产业论、声乐文化社会功能论、声乐文化比较论、声乐文化风格论等14个方面展开论述，并刻意强调或把主要的研究内容着眼于声乐艺术本体以外，而文化的视角则是贯穿本书研究的第-要素。 作者简介 郭建民，1959年生，山东兖州人。1984年毕业于河南大学艺术学院，2000年就读于中国艺术研究院研究生部。中国音乐家协会会员，辽宁省高校音乐教育专业委员会副会长、声乐学术委员会主任。2005年～2008年被辽宁省“哲学、社会科学科研成果”评审委员会聘为学科评审组成员、2  

 

好的，这是一本关于声乐艺术的教材的详细介绍，该教材旨在系统地、全面地介绍声乐学习的各个层面，涵盖从基础理论到实践应用的各个环节。 --- 《声乐艺术新视野：理论、技巧与表演实践》 —— 一部面向新时代学习者的综合性声乐教程 前言 在当代音乐教育体系中，声乐作为一门历史悠久且充满生命力的艺术形式，其教学方法和理论体系正经历着深刻的革新。本教材的编写，旨在突破传统声乐教学中偏重经验传承而忽视系统理论构建的局限，结合现代科学研究成果与严谨的艺术实践，为学习者提供一个全面、深入且富有启发性的学习框架。我们致力于构建一个“新学科”的视角，将声乐学习视为一个多维度、跨学科的知识体系，涵盖生理学、心理学、美学、音乐学等多个领域，旨在培养具备扎实基本功、深厚艺术素养和独立思考能力的现代声乐人才。 第一部分：声乐科学基础与生理机制（奠定科学根基） 本部分是理解声乐学习本质的基石。我们深入探讨人类发声器官的精密结构与功能，将其视为声乐艺术得以实现的技术载体。 1. 呼吸系统与气息控制的工程学分析： 详细解析呼吸在发声中的核心作用，超越“深呼吸”的简单描述。内容涵盖肺活量、气流速度、气压的精确控制，以及横膈膜、肋间肌群在稳定声柱中的协同作用。 引入空气动力学概念，分析不同声乐风格（如美声、民族、流行）对气息支撑的特殊要求，并通过图示和实验性练习，指导学习者实现气息的“稳定、持久与富有弹性”。 重点讨论气息在换气瞬间的平滑过渡技术，避免气流中断或声带的突发性压力。 2. 声带振动原理与音质的物理学： 采用现代声学原理，阐述声带的褶皱、张力如何决定声带的闭合效率和振动频率。 探讨声门下压力的调控机制，解释为何过大的声门下压会导致声带疲劳和音质僵硬。 共鸣腔体的结构优化： 详细剖析口腔、咽腔、鼻腔乃至头腔的生理构造，并说明如何通过调整这些空间（如软腭提升、舌位调整）来扩大音量、丰富音色，实现“共鸣的立体化”。 3. 神经肌肉协调与放松机制： 引入运动控制理论，强调声乐发声的本质是精细的肌肉运动。 分析歌唱中常见的肌肉紧张点（如颈部、肩部、下颌），并提供基于运动科学的放松训练方法，如生物反馈技术入门。 讲解喉部肌肉群的平衡控制，区分“支撑肌肉”与“挤压肌肉”的功能差异。 第二部分：声乐技术核心技能的系统建构（精进技艺） 本部分聚焦于歌唱实践中的核心技术要素，力求将晦涩的技巧概念转化为可操作的训练步骤。 1. 音准与听觉训练的整合： 不仅关注音高准确性，更侧重于“内在听觉”的培养。探讨听觉记忆、音高辨识与发声器官反馈回路的训练方法。 引入对比听觉训练，区分纯律与十二平均律在不同音乐语境中的应用。 2. 声区的整合与换声点的处理： 系统梳理传统美声声区概念（胸声、中声、头声）的现代诠释。 换声区的无缝连接： 提出“跨越式技术”，通过特殊的元音和辅音组合练习，使声音在不同频率区间内保持统一的音色和气流支撑，消除“断裂感”。 详细指导高音区的“轻盈化”处理，避免因追求力量而导致的挤压。 3. 元音的塑造与清晰度（Vowel Modification）： 阐述元音在声乐中的双重作用：一是携带乐音的载体，二是调节共鸣的主要工具。 针对不同语言（如意大利语、德语、英语）的发音特点，提供量身定制的元音形态调整方案，确保在保证声音美感的同时，兼顾语言的清晰度。 4. 力度控制与动态范围的拓展： 讨论从 ppp 到 fff 的平滑过渡（Crescendo/Diminuendo）技术，强调在极弱音中维持声带的有效闭合。 介绍“边缘振动”与“全振动”的发声模式，指导学习者根据音乐需要灵活切换。 第三部分：风格演绎与跨文化音乐理解（拓宽视野） 声乐艺术的生命力在于其风格的多样性。本部分旨在引导学习者理解不同音乐体裁背后的文化语境和技术要求。 1. 美声唱法（Classical Vocal Technique）的精深探究： 深入分析意大利美声学派的传承与发展，探讨其对歌剧、艺术歌曲的要求。 重点讲解连贯性（Legato）的极致追求，以及咏叹调中装饰音的准确处理。 2. 民族声乐的地域特色与审美取向： 剖析中国民族唱法中的“气息运用”与“情感表达”的独特性。 探讨区域性发声习惯对传统声乐技巧的借鉴与融合，如某些地方戏曲中对咽音或高位共鸣的运用分析。 3. 音乐剧与通俗唱法的技术交叉： 分析音乐剧对声音技术的多功能性需求，如从“美声化”到“对话化”声音的快速切换。 探讨流行唱法中的“真假声转换”、“气声”的应用，并提供如何将其融入专业训练体系的指导，避免对声带造成损伤。 第四部分：舞台表演、心理调适与艺术再创造（面向未来） 真正的声乐学习不仅是技术的掌握，更是艺术思想的表达。 1. 音乐诠释与文本分析： 强调“理解先行”的演绎原则。指导学习者如何进行歌词的语言学分析、历史背景研究，以及音乐动机的挖掘。 探讨如何将个人情感体验与作曲家意图有机结合，避免空洞的“美声式”表达。 2. 舞台呈现与形体表达： 探讨舞台形象塑造的要素，包括目光交流、肢体语言与音乐情绪的同步性。 讲解歌剧排练中的基本调度要求和声乐家在合唱与独唱中的空间定位。 3. 舞台焦虑与心理韧性训练： 针对歌唱者常见的临场紧张问题，提供基于认知行为疗法（CBT）的应对策略。 建立积极的自我对话机制，将压力转化为舞台兴奋感。 结语 本书的目的是提供一套“可被检验、可被量化、可被传承”的声乐教育框架。我们期望每一位学习者都能通过系统、科学的训练，发现自己声音的无限潜能，最终成为技艺精湛、思想深刻的声乐艺术家。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧，说实话，在众多教材中算是相当用心了。封面设计简洁大气，那种沉稳的蓝色调一下子就给人一种专业且可靠的感觉，不像有些教材花里胡哨的，让人一看就觉得不够严谨。内页纸张的质地摸起来很舒服，不是那种廉价的、反光的纸，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳。更值得称赞的是它的字体选择和字号大小，无论是基础的乐理符号还是复杂的演唱技巧描述，都清晰可辨，尤其是一些需要精细观察的图表和谱例，布局安排得井井有条。我记得我在学习某个高难度气息支撑技巧时，书上配的那张人体结构示意图，线条流畅，标注精准，即便是初学者也能迅速抓住重点。这种对细节的关注，体现了出版方和编者对读者学习体验的重视，毕竟教材是用来“啃”的，舒适的阅读体验无疑能大大提高学习的持久力和效率。每次翻开它，都感觉像是在和一位经验丰富的老师进行面对面的交流，而不是在应付一本枯燥的工具书。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这套教程时，我最看重的是它对“声乐文化学”这一跨学科概念的阐释深度。很多人对声乐学习的理解还停留在单纯的“发声方法”和“曲目练习”层面，但这本教材显然志存高远。它很巧妙地将历史、美学、甚至是一些心理学元素融入到声乐训练的框架之中。比如，在探讨不同历史时期声乐风格演变时，作者并没有仅仅罗列事实，而是深入剖析了当时的社会文化背景如何反作用于声音的审美取向，这使得我们不仅学会了“怎么唱”，更明白了“为什么这样唱才是最恰当的”。我个人尤其欣赏其中关于“聆听的艺术”那一章节，它强调了主动倾听在声乐学习中的核心地位，教会我们如何解构大师的录音，辨别出技术与情感的微妙平衡。这种宏观的视野，极大地拓宽了我对“成为一名歌唱者”的认知边界，不再局限于舞台上的几分钟表现，而是将其视为一种持续的文化探索。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有着几年学习经历的爱好者，我总是在寻找能真正解决我瓶颈问题的材料，很多传统教材在面对“中高声区转换”或者“共鸣腔体调控”这些具体难题时，往往只是点到为止，术语堆砌，缺乏实操指导。然而，这本书在处理这些技术细节时，展现出极高的实战价值。它提供了一系列循序渐进的练习序列，这些序列的设计逻辑性非常强，每一步的提升都建立在前一步稳固的基础上，避免了盲目追求高难度而导致的发声损伤。我发现，书里介绍的某些“小练习”，看似简单，但如果严格按照要求完成，对于稳定喉位、打开口腔空间有着立竿见影的效果。特别是它对不同声部特点的分析，非常细腻，针对性强。例如，它对男高音换声区的处理建议，与对女中音弱声区的强化策略，有着显著的区别，这种因材施教的编写思路，无疑大大提高了学习的效率和准确性。

评分☆☆☆☆☆

这本书在语言表达上，给我留下了非常深刻的印象。它成功地在“学术的严谨性”与“教学的亲和力”之间找到了一个绝佳的平衡点。作者的文字功底深厚，叙述流畅，避免了过多晦涩难懂的行话，即便是初学者也能顺畅阅读，理解其核心概念。即便是涉及到复杂的生理学名词，作者也会用通俗易懂的比喻来加以解释，比如用“气球的弹性”来描述横膈膜的运动，用“房间的回响”来比喻共鸣的饱满度。这种将抽象理论具象化的能力，是优秀教材的标志。而且，全书的逻辑推进非常清晰，章节间的过渡自然衔接，不会让人有“跳跃感”。阅读过程中，我很少需要频繁地停下来查阅其他资料来理解某个概念，这说明作者在组织材料时，已经将读者的认知路径考虑得非常周全，使得学习过程如行云流水般顺畅。

评分☆☆☆☆☆

从一个渴望系统化提升的学习者的角度来看，这本书的价值远超其定价。它不仅仅是一本可以被翻阅的教材，更像是一个可以长期陪伴、反复研读的“声乐导师”。我最欣赏的一点是，它鼓励的不是模仿，而是“自我发现”。书中多次强调，每个人的生理构造和音乐感受都是独一无二的，因此声乐学习最终导向的是找到“属于自己的声音”。它提供了工具箱，而不是统一的模具。例如，在介绍不同演唱流派的技巧时，它并非要求读者全盘照搬，而是引导我们分析这些技巧背后的原理，然后根据自身条件进行适配和创造。这种对个体差异的尊重和对创造力的激发，是当代声乐教育中尤为宝贵的理念。它培养的不是只会照本宣科的“歌手”，而是有独立思考能力的“音乐人”。