正版音乐作品谱例与分析李虻西南师范大学出版社高校音乐教材9787562139058 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李虻 编

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出版社： 重庆西南师范大学出版社

ISBN：9787562139058

商品编码：29859854539

页数：621

图书基本信息
书名：	音乐作品谱例与分析
丛书名：	21世纪高等院校音乐教材
作者/主编：	李虻
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562139058
出版年份：	2007年

版次：	第1版
总页数：	344页
开本：	1/16
图书定价：	32.00元
实际重量：	621g
新旧程度：	正版全新

李虻，1956年生，副教授、硕士，师从贾达群教授，现为中国音乐家协会会员．在四川音乐学院和四川师范大学从事作曲技术理论的教学和研究，重点承担研究生和本科层次《音乐作品分析》等课程的教学工作，著有《实用电子琴演奏法》、《世界名曲赏析》、《音乐论文写作》等著作100余万字，并发表《试论和声紧张度的黄金分割》、《即兴曲——（侗乡鼓楼）赏析》、《结构学与音乐宏观结构功能初探》、《音乐宏观结构的立体化分析》、《高师和声教学的现状与思考》、《音乐论文的选题方向与价值取向》等论文10余篇。 

部分 一部曲式   例一、选自柴可夫斯基《玛祖卡舞曲》     参考分析报告   例二、肖邦《前奏曲》Op.28 No.3     参考分析报告   例三、普罗科菲耶夫《彼得与狼》     参考分析报告   例四、柴可夫斯基《晨祷》     参考分析报告   例五、门德尔松《无词歌》Op.53，No.3（躁动）     参考分析报告 第二部分 单二部曲式   例一、选自贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.31 No.3第三乐章     参考分析报告   例二、柴可夫斯基《法国古歌》     参考分析报告   例三、巴托克《献给孩子们》No.3     参考分析报告   例四、舒曼《初衷》     参考分析报告   例五、格里格《孤独的流浪者》Op.43 No.2     参考分析报告   例六、肖邦《前奏曲》Op.28 No.13     参考分析报告   例七、斯克里亚宾《前奏曲》Op.11 No.10     参考分析报告   例八、乔羽词刘炽曲《我的祖国》     参考分析报告   例九、格里格《索尔维格之歌》Op.55 No.4     参考分析报告   例十、舒伯特《小夜曲》     参考分析报告 第三部分 单三部曲式   例一、柴可夫斯基《四季》之《三月——云雀之歌》     参考分析报告   例二、格里格《挪威舞曲》Op.30 No.2     参考分析报告   例三、肖邦《前奏曲》Op.28 No.12     参考分析报告   例四、门德尔松《无词歌》之《温馨的记忆》Op.19 No.1     参考分析报告   例五、格里格《致春天》Op.43 No.6     参考分析报告   例六、柴可夫斯基《四季》之《七月——刈者之歌》     参考分析报告   例七、肖邦《前奏曲》Op.28 No.24     参考分析报告   例八、门德尔松《无词歌》之《五月微风》Op.62 No.1     参考分析报告   例九、舒伯特《音乐瞬间》Op.94 No.3     参考分析报告   例十、贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.10 No.2第三乐章     参考分析报告   例十一、格里格《摇篮曲》Op.38 No.1     参考分析报告   例十二、薛国柱词秦咏诚曲《我为祖国献石油》     参考分析报告 第四部分 复三部曲式   例一、德沃夏克《幽默曲》Op.101 No.7     参考分析报告   例二、勃拉姆斯《匈牙利舞曲》No.5     参考分析报告   例三、柴可夫斯基《四季》之《一月——炉边》     参考分析报告   例四、柴可夫斯基《四季》之《五月——清净之夜》     参考分析报告   例五、柴可夫斯基《四季》之《六月——船歌》     参考分析报告   例六、柴可夫斯基《四季》之《八月——收获》     参考分析报告   例七、贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.7第三乐章     参考分析报告   例八、肖邦《升F大调夜曲》Op.15 No.2     参考分析报告   例九、肖邦《降E大调华丽大圆舞曲》Op.18     参考分析报告 第五部分 变奏曲式   例一、肖斯塔科维奇《二十四首前奏曲与赋格》Op.87 No.12     参考分析报告   例二、莫扎特《钢琴奏鸣曲》K.331乐章     参考分析报告   例三、贝多芬《主题及六首变奏曲》Wo O 70     参考分析报告   例四、海顿《变奏曲》Op.83     参考分析报告   例五、黄安伦《迎亲人》     参考分析报告 第六部分 回旋曲式   例一、贝多芬《钢琴奏鸣曲（悲怆）》Op.13第二乐章     参考分析报告   例二、拉威尔《帕凡舞曲》     参考分析报告   例三、普罗科菲耶夫《朱丽叶小姑娘》     参考分析报告   例四、贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.49 No.2第二乐章     参考分析报告   例五、肖邦《升c小调圆舞曲》Op.64 No.2     参考分析报告   例六、贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.14 No.2第三乐章     参考分析报告   例七、贝多芬《C大调回旋曲》Op.51 No.1     参考分析报告 第七部分 奏鸣曲式   例一、斯卡拉蒂《D大调钢琴奏鸣曲》     参考分析报告   例二、库劳《C大调小奏鸣曲》Op.20 No.1乐章     参考分析报告   例三、海顿《第104交响曲（伦敦）》     参考分析报告   例四、贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.10 No.1第二乐章     参考分析报告   例五、贝多芬《钢琴奏鸣曲（悲怆）》Op.13乐章     参考分析报告   例六、贝多芬《钢琴奏鸣曲》Op.10 No.1乐章     参考分析报告 第八部分 《音乐作品分析）考试技巧   一、非标准化试卷与答题技巧   二、标准化试卷与答题技巧   三、判断、分析题90例   四、单项选择题20例   五、多项选择题20例 附录一 曲式分析试卷案例   例一、艺术研究院2001年攻读硕士学位入学试题   例二、四川音乐学院1993年硕士研究生入学试题   例三、南京艺术学院2006年招收硕士学位研究生考试试题   例四、音乐学院2000年博士研究生入学考试试题   例五、四川省2007年1月高等教育自学考试《音乐分析与创作》试卷 附录二 四川省2007年1月高等教育自学考试《音乐分析与创作》参考答案及评分标准  

本书既包含相应历史时期不同曲式特征的谱例，又合情入理地、规范地介绍了音乐分析方法。 本书的主要特点是所选择的谱例具有解读不同曲式结构的代表性，每首谱例都附有可供参考的详尽分析，有助于全面了解传统曲式分析的原理与方法。其分析力求做到语言简练、准确，阐述清晰、易懂，非常适合完成了乐理课程及和声学课程学生学习，也适合作为报考音乐学研究生的参考读物。 

音乐欣赏与理论的殿堂：一部广阔的音乐世界导览 本书旨在为广大音乐爱好者、初学者以及希望系统提升音乐素养的读者，构建一座全面而深入的音乐知识殿堂。我们不聚焦于特定作品的详尽谱例与分析，而是致力于描绘音乐艺术的宏大图景，探讨音乐理论的基石，引导读者以更广阔的视野去聆听、理解和体验音乐。 第一部分：音乐的本质与历史脉络 本部分将带领读者从最基本的层面认识音乐——声音的组织与结构。我们将探讨音高、节奏、节拍、音色和力度等音乐要素如何相互作用，共同构筑起音乐的骨架与血肉。 一、 声音的物理属性与音乐的起源 首先，我们将考察声音的科学基础，理解频率、振幅与泛音如何决定我们所听到的音高和音色。在此基础上，追溯音乐在不同文明中的早期形态，讨论人声、自然界声音与原始乐器在人类社会文化演进中所扮演的角色。我们不会深入到具体的乐谱分析，而是探讨早期音乐形态（如古代的歌颂、仪式音乐）的社会功能和听觉特征。 二、 西方音乐历史的宏大叙事 我们将以时间为轴，勾勒出西方音乐自中世纪到二十世纪的发展轨迹，但着重于风格的演变及其背后的时代精神，而非对特定作品进行逐一解构。 中世纪与文艺复兴： 探讨宗教音乐（如格里高利圣咏）的单音性和多声部音乐的早期发展。我们将关注复调织体（Polyphony）的出现如何彻底改变了音乐的结构逻辑，以及人文主义思想对音乐创作的影响，例如对清晰度、平衡感的追求。 巴洛克时期： 重点解析巴洛克艺术的“宏伟装饰性”如何体现在音乐中。我们将讨论通奏低音（Basso Continuo）体系的建立，以及对位法（Counterpoint）的成熟运用。我们会介绍如赋格曲（Fugue）等重要体裁的结构原则，但不涉及具体的乐谱进行逐行拆解。 古典主义时期： 聚焦于“清晰、平衡与典雅”的审美取向。我们将详细阐述奏鸣曲式（Sonata Form）作为核心结构如何统领交响曲、协奏曲和室内乐，并讨论海顿、莫扎特等大师如何将这种形式推向极致。我们关注的是曲式框架的逻辑，而非个别乐章的特定和声进行。 浪漫主义时期： 探索音乐如何成为表达个人情感和民族精神的强大媒介。我们将讨论音乐中标题性（Programmatic Music）的兴起，对管弦乐队编制的拓展，以及和声语言如何变得更具色彩性和情感张力。 二十世纪至今： 概述音乐语言的革命性突破，如无调性、序列主义、偶然音乐和电子音乐的出现。这部分侧重于理念的介绍，解释作曲家们为何要打破传统听觉习惯，探索音乐的全新边界。 第二部分：音乐理论的基石与实践应用 本部分着眼于构建理解音乐的理论框架，为读者提供一套实用的分析工具，使他们能够“听懂”音乐的内在运作规律。 一、 和声学的基本法则 和声是音乐的色彩和情感载体。我们将系统讲解和声学的基本概念，包括三和弦的构成、功能和声（Tonic, Dominant, Subdominant）的逻辑关系。我们会阐述和弦如何串联、如何创造紧张与释放，以及半音进行如何增加音乐的色彩深度。重点在于理解和声的“语法”，而非对具体作品的和弦进行标记。 二、 节奏与节拍的律动之美 本章将深入探讨时间在音乐中的组织方式。从简单的二拍子、三拍子到复杂的复拍子和自由节奏，我们将分析节奏型如何塑造音乐的驱动力。我们会讨论复节奏（Polyrhythm）和复拍子（Polymeter）如何为音乐增添复杂性和层次感，以及这些元素在不同文化音乐中的表现差异。 三、 曲式结构与音乐的叙事 音乐的“篇章结构”——曲式——是理解作品整体布局的关键。我们将详细介绍主要的音乐结构范式： 重复与变化： 如段落曲式（Strophic Form）和对比复奏曲式（Ternary Form A-B-A）。 展开与交织： 奏鸣曲式、回旋曲式（Rondo）和变奏曲（Variation Form）的内在逻辑。 我们将剖析这些结构如何引导听众的注意力，如何通过主题的再现、对比和发展来构建音乐的逻辑线索和情感旅程。 四、 织体与配器的艺术 音乐的不同“层面”——织体（Texture）——决定了作品的丰满度。我们将区分单音音乐、主调音乐（Homophony）和复调音乐（Polyphony）的听感差异。同时，本章会介绍管弦乐队的基本构成，探讨不同乐器组（弦乐、木管、铜管、打击乐）的音色特点及其在作曲家手中的功能性选择，即配器法如何服务于作品的表达意图。 第三部分：跨越边界的聆听 最后，本书将拓展视野，将理论知识应用于更广阔的音乐领域，鼓励读者进行批判性、主动性的聆听。 一、 民族音乐与世界音乐的视角 本部分将简要介绍非西方音乐体系的基本特征，例如中国传统音乐的五声音阶结构、调式系统与记谱法的差异，以及印度古典音乐的拉格（Raga）系统。这部分旨在说明“音乐”并非只有一种规则，帮助读者跳出欧洲中心主义的框架去欣赏不同文化的声音传统。 二、 现代聆听的挑战与机遇 我们将讨论录音技术和数字媒体如何改变我们与音乐的互动方式。从唱片到流媒体，音乐的传播和消费模式在变，但对音乐结构和情感深度的理解依然是提升欣赏层次的关键。 本书是一部知识的框架，而非作品的“使用说明书”。它提供的理论工具和历史背景，旨在培养读者独立分析和深入体验任何音乐作品的能力，无论其风格如何，都能够洞察其背后的匠心独运。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种沉稳又不失典雅的配色，初拿到手就觉得它不是那种随便应付的教材。内页的纸张质感也相当不错，印刷清晰，即便是复杂的乐谱排版也看得一清二楚，长时间阅读下来眼睛也不会觉得很累。从目录上看，内容的覆盖面很广，从基础的和声分析到更深层次的曲式结构探讨，都能找到相应的章节。我尤其欣赏作者在案例选择上的独到眼光，很多选取的作品都是音乐史上里程碑式的经典，这为我们理解音乐的“骨架”和“血肉”提供了极佳的参照物。特别是那些图文并茂的分析图表，那些细致入微的标记，看得出编辑和作者在校对上是下了大功夫的，保证了教材的专业性和实用性。这本书的实用性远超一般理论书籍，它不只是摆在那里供人翻阅的“圣经”，更是我练习和创作时随时可以信赖的“工具箱”。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的实用价值给予最高评价。在我看来，一本好的教材，最终的衡量标准是它能否转化为读者的实际能力。这本书在这方面做得极其出色。它提供的谱例大多是经过精心挑选、最具代表性的片段，短小精悍却蕴含了巨大的信息量。我最近在准备一个重要的演奏考试，书中关于力度和表情记号的深度剖析，直接帮我找到了之前一直困扰我的演奏瓶颈。作者对细节的关注达到了近乎偏执的程度，每一个休止符、每一个重音处理，都有其背后的理论依据和审美考量。它不仅教会了我“如何看谱”，更重要的是，它教会了我“如何理解音乐的意图”，这种由内而外的提升，才是这本书带给我最大的财富。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本教材后，我立刻被它那种近乎严谨的学术态度所吸引。作者的叙述方式非常清晰，逻辑层次分明，即便是初学者面对复杂的音乐理论概念，也能通过循序渐进的讲解迅速抓住核心要点。它不像有些教材那样堆砌术语，而是将理论与实际的演奏或欣赏体验紧密结合起来。举例来说，书中对某个特定时期作曲家如何运用对位法来增强作品的表现力那一段分析，简直是教科书级别的示范。我尝试按照书中的建议去重新听那几首指定曲目，豁然开朗的感觉无法言喻。这已经超越了一本普通教材的范畴，更像是一位经验丰富的导师在耳边耐心指导，每一个段落的过渡都处理得恰到好处，让人感觉阅读过程是一种享受而非负担。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排简直是为现代学习者量身定做的。它的排版布局非常现代，重点信息突出，注释清晰，索引做得也很到位，需要查找特定概念时，能迅速定位。更重要的是，它不仅仅停留在“是什么”的层面，而是深入探讨了“为什么会这样”以及“如何运用”。我特别喜欢书中那些对比分析的环节，将不同风格、不同时期的作品放在一起比较，能让人清晰地看到音乐语言的演变轨迹。这对于培养批判性思维至关重要，它鼓励我们不要盲目接受既有结论，而是要自己去验证、去体会。这本书的价值在于提供了一个扎实的理论框架，但同时又留足了个人思考的空间，这点做得非常高明。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对这类专业教材都有点“PTSD”了，总觉得它们枯燥乏味，充满了干巴巴的公式和教条。但这本书完全颠覆了我的刻板印象。它的行文风格非常活泼，作者似乎深谙如何将艰深的概念用生活化的语言来阐释，读起来一点都不费劲。在讲解到一些比较“硬核”的和声进行时，作者会穿插一些轶事或者对作曲家创作心境的揣摩，瞬间拉近了读者与作品的距离。我发现自己不再是被动接受知识，而是在主动探索音乐的奥秘。特别是针对一些经常在排练中出现分歧的地方，书中给出了非常中肯且具有操作性的建议，这对于我们日常的乐队合作或者个人练习都有着立竿见影的效果。