正版纯四度基因创作析赵礼郑茂平西南师范大学出版社全新教材9787562166672 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵礼，郑茂平 著

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• 四度基因
• 赵礼
• 郑茂平
• 西南师范大学出版社
• 9787562166672
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出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562166672

商品编码：29859855915

页数：282

图书基本信息
书名：	纯四度基因创作析
丛书名：	西南大学音乐学新视野丛书
作者/主编：	赵礼，郑茂平
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562166672
出版年份：	2014年4月1日

版次：	第1版
总页数：	282页
开本：	16
图书定价：	44元
实际重量：	422g
新旧程度：	正版全新

编辑

《纯四度基因创作析》由西南师范大学出版社出版。

绪论

章《武装的人》纯四度核心元素之萌芽
节音乐核心元素历史发展简溯
第二节纯四度核心元素及其代表动机表现形态溯源
第二章《武装的人》弥撒套曲（一）——杜费
节《武装的人》弥撒套曲《慈悲经》构造解析
第二节《武装的人》弥撒套曲其余四乐章构造特征总结
第三节杜费《武装的人》弥撒套曲之构造启示录
第三章《武装的人》弥撒套曲（二）——帕勒斯特里那
节五声部《武装的人》弥撒套曲《慈悲经》构造解析
第二节五声部《武装的人》弥撒套曲其余四乐章构造特征总结
第三节纯四度基因组织——帕勒斯特里那
第四章《武装的人》纯四度基因组织——18世纪之时代遗传简述
节纯四度基因组织——巴赫
第二节纯四度基因组织——莫扎特《春天已在微笑》
第三节纯四度基因组织——贝多芬《E大调第九钢琴奏鸣曲》
第五章《武装的人》纯四度基因组织——19世纪之时代遗传简述
节纯四度基因组织——肖邦《练习曲》（Op.10No.1）
第二节纯四度爱情主题——舒曼《C大调幻想曲》
第三节纯四度爱情主题——勃拉姆斯《海顿主题变奏曲》
第四节纯四度基因组织——时代与历史的基因
结语
简称标记注释表
参考文献
后记（一）
后记（二）

《西南大学音乐学新视野丛书：纯四度基因创作析》共分为五章，以中世纪教会礼拜活动中的唱诵经文——格里高利圣咏为代表——作为出发点，以杜费、帕勒斯特里那的「武装的人」乐曲为实例，分别从纵—横双向揭示纯四度基因组织初始萌芽阶段之构造特征，揭示其作为“作品基因”在乐曲中显示的音集思维、对称性思维、复思维特性，总结了作为“作曲家基因”的纯四度核心元素在主题构造与作品组织中的共性特征。

弦音流转：古典音乐的无限可能 本书带领读者深入探索古典音乐的广袤天地，从巴洛克时期的严谨结构，到浪漫主义的澎湃情感，再到近现代音乐的革新与突破。我们不拘泥于单一的流派或地域，而是以一种开放、兼容并蓄的视角，剖析不同时代、不同文化背景下音乐的演变轨迹与核心精神。 第一章：溯源与奠基——西方音乐的早期曙光 本章聚焦于中世纪晚期至巴洛克早期音乐的形成与发展。我们将考察格里高利圣咏如何为西方音乐奠定单音音乐的基础，以及复调音乐的萌芽如何为后续的和声发展铺平道路。重点分析奥尔加农、经文歌等早期体裁的结构特点。随后，我们将深入探讨文艺复兴时期音乐的“人文主义”转向，解析帕莱斯特里那、拉索等作曲家如何通过精妙的对位技巧，展现宗教音乐的庄严与世俗音乐的活力。对这一时期音乐理论的演进，特别是调式体系的成熟，进行详尽的阐述。 第二章：巴洛克的辉煌：结构、装饰与情感的张力 巴洛克时期是西方音乐史上一个极为重要的转折点。本章将细致剖析这一时期音乐的几大核心特征：数字低音的运用、主导性旋律的建立，以及“情感理论”（Doctrine of Affections）在音乐表达中的体现。我们将选取巴赫的《平均律钢琴曲集》作为研究范例，分析其精密的赋格结构与和声语言；对亨德尔的清唱剧和协奏曲进行深入的剖析，探究其戏剧性张力和宏大叙事能力。此外，对维瓦尔第的小提琴协奏曲，特别是其对奏鸣曲式和循环曲式的早期探索，也将给予充分的讨论。本章旨在揭示巴洛克音乐如何在极度复杂的对位织体下，依然保持清晰的逻辑性和强大的情感冲击力。 第三章：古典主义的平衡与典雅：形式的升华 古典主义时期，音乐追求理性、清晰、匀称与和谐之美。本章的核心在于解析奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟与完善，它被视为古典主义音乐的基石。我们详细梳理了奏鸣曲式的呈示部、发展部与再现部的内在逻辑与功能，并通过海顿、莫扎特和贝多芬早期作品的对比分析，展现这一形式如何被灵活运用。对交响曲、室内乐（特别是弦乐四重奏）体裁的结构演变进行考察，揭示奏鸣曲式如何渗透到各个音乐领域。莫扎特作品中的旋律天赋与对歌剧（如《费加罗的婚礼》）的贡献，以及海顿作为“交响曲之父”的地位，都将在本章得到细致的描摹。 第四章：贝多芬：古典的终结与浪漫的序曲 贝多芬的音乐是连接两个伟大时代的桥梁。本章将重点分析其创作中期的转折点，即对既有形式的大胆拓展和个人意志的强烈抒发。我们将探讨他如何突破古典主义的平衡界限，将情感的冲突与英雄主义的叙事融入到宏大的结构之中，例如《第五交响曲》的命运主题的逻辑推演。同时，对其晚期作品（如晚期弦乐四重奏）中近乎哲学的深邃和对传统语汇的颠覆性使用，进行细致的解读。本章旨在论证贝多芬如何以其非凡的创造力，为即将到来的浪漫主义浪潮奠定精神基础。 第五章：浪漫主义的激情与个性：主观世界的无限延伸 浪漫主义音乐以个体的感受、强烈的抒情性和对超自然、民族文化的热衷为核心特征。本章首先探讨了艺术歌曲（Lied）的兴起，以舒伯特和舒曼的作品为例，分析诗歌与音乐如何达到完美的融合，以及钢琴在歌曲伴奏中日益重要的角色。随后，我们转向大型器乐作品：柏辽兹的“艺术构思”（Idée Fixe）与管弦乐队的变革；肖邦对钢琴这一乐器的独特挖掘，以及李斯特的交响诗对标题音乐的贡献。本章强调了“个人化表达”在浪漫主义音乐中的至高地位，以及色彩、和声、节奏如何被用作表达内心风暴的主要工具。 第六章：民族主义与晚期浪漫：地域之声与终极探索 十九世纪下半叶，民族主义思潮深刻地影响了音乐创作。本章考察了俄国“五人团”、捷克的德沃夏克和斯美塔那，以及北欧的格里格等作曲家，如何从本土民间音乐中汲取灵感，构建具有强烈地域色彩的音乐语言。在晚期浪漫主义领域，我们将重点分析瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念及其在歌剧中的体现，特别是“主导动机”的复杂运用和对传统调性系统的挑战。马勒的交响曲作为这一时期的集大成者，其对人类存在、死亡与救赎的宏大追问，将作为本章的收尾，预示着二十世纪音乐的来临。 第七章：革新与破碎——二十世纪的音乐语汇 二十世纪音乐是西方艺术史上最动荡不安的时期之一。本章将系统梳理从印象主义（德彪西、拉威尔对音色和气氛的捕捉）到表现主义（勋伯格的无调性尝试与十二音体系的建立）的演变脉络。对原始主义（如斯特拉文斯基的《春之祭》引发的革命）、新古典主义（对巴洛克和古典语汇的回归与重构），以及第二维也纳乐派的系统性发展，进行详细的解析。本章旨在帮助读者理解，在调性这座曾经坚固的堡垒崩塌之后，音乐家们如何运用新的结构、节奏和音色组织，探寻新的美学方向。 第八章：实验、融合与未来展望 本章关注二战后至今的音乐发展，涉及诸如序列音乐（Serialism）、偶然音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇的哲学探讨）、电子音乐的兴起以及极简主义（Minimalism）对重复与过程的关注。同时，我们也探讨当代音乐在跨文化交流中的新趋势，以及古典音乐如何在当代社会语境中保持其生命力。本章不提供固定的答案，而是鼓励读者以开放的心态面对这些挑战性的音乐语言，思考音乐作为一种艺术形式，其边界究竟在何处。 通过对以上八个章节的系统学习，读者将不仅掌握古典音乐发展的基本脉络和重要理论知识，更能培养起一种深入聆听和批判性思考的能力，从而真正体会到人类音乐史上那无尽的创造力和深邃的智慧。

评分☆☆☆☆☆

这本书在解决实际创作中的“卡壳”问题上，提供了很多立竿见影的方法论。我过去在尝试创作一段长乐段时，经常会陷入和声进行枯竭的困境，总是重复那几个最基础的I-IV-V进行。这本书中关于“和声色彩的调控”以及如何利用副属和弦、离调和弦来制造张力和色彩变化的部分，简直是我的及时雨。它没有给我固定的“套路”，而是教会了我一套“工具箱”，让我明白在特定情绪节点，应该去哪里寻找合适的“调味剂”。而且，书中的习题设计也相当巧妙，它们并非让你单纯地“填空”，而是引导你思考在给定的音乐情境下，哪种选择最具表现力。这种以“表达为导向”的训练模式，比单纯的“对错判断”更具启发性，真正将理论知识内化为了可以自由调用的创作直觉。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对古典音乐史有浓厚兴趣的爱好者，我发现这本书在理论和历史的结合上做得非常出色。它不是孤立地讨论“十二平均律”或者“功能和声”，而是将这些理论的诞生和演变，巧妙地嵌入到巴赫时代的对位法发展、浪漫主义时期和声的扩大化，乃至二十世纪音乐的革新进程中。阅读体验非常流畅，仿佛在听一场精彩的音乐史讲座，但讲座的内容却是由严谨的乐理分析支撑起来的。最让我印象深刻的是，它没有回避那些“特例”或“打破常规”的和声运用，反而将其视为理论发展的驱动力。这种辩证的视角，极大地拓宽了我对“规范”的理解——真正的音乐创新，往往建立在对现有规则的深刻理解和审慎的偏离之上。这种平衡感，让这本书既适合严肃的音乐院校学生，也适合希望深入理解经典作品的业余爱好者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量，坦白说，在如今这个快速消费的时代，已经算得上是匠心之作了。厚实但不失韧性的纸张，即使用铅笔在谱例上反复圈画、标注，也不会轻易出现洇墨或破损。更重要的是，印刷的清晰度极高，无论是五线谱还是复杂的和弦标记，线条都干净利落，没有丝毫模糊感，这对于需要精确辨识音高的学习者来说至关重要。我常常在深夜学习，柔和的纸张颜色也减轻了长时间阅读带来的视觉疲劳。在数字阅读如此普及的今天，一本实体教材能做到如此高的制作水准，让人感觉物超所值，它不仅仅是一份知识载体，更像是一件值得珍藏的工具书。每次翻开它，都能感受到出版方对知识传播的尊重，这份用心，着实令人赞叹。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度都超出了我的预期，完全配得上“经典教材”的称号。我特别关注其中关于“主题发展”和“曲式结构”的那几个章节。很多教材在讲解奏鸣曲式或回旋曲式时，往往只是机械地罗列A段、B段、呈示部、展开部，缺乏对作曲家内在创作意图的挖掘。然而，这本书深入探讨了动机如何被分解、重组，如何在不同的调性色彩中转换，以及这种结构变化如何服务于情感的表达。读完这部分，我感觉自己像是一个建筑师，不再只看到房子的外观，而是明白了支撑起这栋宏伟建筑的内在钢筋骨架是如何精密设计的。它不仅告诉你“是什么”，更重要的是告诉你“为什么这样设计会更好听”。这种对音乐“内在逻辑”的剖析，是任何自学资料都难以比拟的。对于有志于进入更高阶作曲或编曲领域的人来说，这本书提供的理论深度是绝对必要的基石。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐理论学习的救星！我一直对和声学和对位法感到头疼，总觉得那些规则生硬又枯燥，但这本书的讲解方式完全颠覆了我的认知。作者似乎有一种魔力，能把复杂的乐理知识，比如调式、转调、各种进行，用非常直观、生动的方式呈现出来。我特别喜欢它引入的一些实际案例分析，不是那种脱离实际的学院派论述，而是真的能让你在听到某个经典乐段时，立刻明白“哦，原来是这么回事！”那种豁然开朗的感觉，比死记硬背公式有效一百倍。它更像是一位经验丰富的老教授在耳边耐心指导，而不是冷冰冰的教科书。对于我这种偏爱实践多于纯理论的乐器学习者来说，这本书提供的思维框架至关重要，它让我开始用更具结构性和逻辑性的眼光去欣赏和创作音乐。书中的图表和例子的排版也非常讲究，视觉上给予学习者极大的友好度，这在厚重的乐理书中是难得一见的。