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田可文 著

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出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040339161

商品编码：29859854663

页数：239

图书基本信息
书名：	中西方音乐史简明教程
丛书名：
作者/主编：	田可文
出版社：	高等教育出版社
ISBN号：	9787040339161
出版年份：	2012年4月

版次：	第 1 版
总页数：	239页
开本：	16
图书定价：	39.5元
实际重量：	440g
新旧程度：

《中西方音乐史简明教程》既适用于普通高等学校音乐史教学，也适用于高校公共艺术课教学，还可作为广大音乐考生的考试参考书和广大音乐爱好者的学习用书。

目录

中国音乐史部分 
单元 先秦时期的音乐 
节 原始时期的音乐 
第二节 远古与夏、商时期的乐器 
一、吹奏乐器 
二、击奏乐器 
第三节 周代宫廷的礼乐 
第四节 周代宫廷音乐的种类 
一、六代乐舞 
二、颂乐 
三、雅乐 
四、房中乐 
五、四夷之乐 
第五节 民间音乐的发展 
一、郑卫之音 
二、南音 
三、九歌 
四、成相 
第六节 八音与曾侯乙编钟 
第七节“乐律学”的观念 
第八节 音乐思想的争鸣 
一、儒家的音乐思想 
二、墨家的音乐思想 
三、道家的音乐思想 
第二单元 秦、汉、三国时期的音乐 
节 乐府的建立 
第二节 宫廷音乐的形式 
一、鼓吹乐 
二、相和歌 
三、宫廷歌舞 
第三节 乐器及乐律 
一、乐器 
二、乐律 
第四节 嵇康的音乐思想 
第三单元 两晋、南北朝时期的音乐 
节 清商曲 
第二节 故事歌舞 
第三节 西域音乐的广泛传人 
一、龟兹乐 
二、西凉乐 
三、高昌乐 
四、康国乐 
五、安国乐 
六、疏勒乐 
七、天竺乐 
第四节 乐器与器乐的进步 
一、乐器 
二、器乐 
第五节 乐律学研究 
一、荀勖笛律 
二、何承天的十二等差律 
第四单元 隋、唐、五代时期的音乐 
节 宫廷的音乐机构 
一、大乐署 
二、鼓吹署 
三、教坊 
四、梨园 
第二节 宫廷音乐形式的繁荣 
一、七部乐、九部乐、十部乐 
二、坐部伎和立部伎 
三、法曲和大曲 
四、参军戏 
第三节 文人音乐的发展 
第四节 说唱音乐的确立 
第五节 音乐理论和音乐思想 
一、记谱法的多样 
二、乐律学的发展 
三、音乐思想 
第五单 元宋、金、元时期的音乐 
节 市民音乐的勃兴 
第二节 说唱音乐的成熟 
一、陶真 
二、鼓子词 
三、货郎儿 
四、散曲 
五、唱赚 
六、诸宫调 
第三节 戏曲的确立与发展 
一、北宋杂剧 
二、院本 
三、南戏 
四、元杂剧 
第四节 乐器与器乐 
一、乐器 
二、器乐 
第五节 文人音乐的昌盛 
第六节 宫廷音乐的变迁 
一、音乐机构与乐队 
二、宫廷的歌舞大曲、器乐和雅乐 
第七节 音乐理论的发展 
一、蔡元定的十八律 
二、芝庵的《唱论》 
第六单元 明、清时期的音乐 
节 民歌小曲的盛行 
第二节 民间歌舞的多姿 
第三节 说唱的历史高峰 
一、弹词 
二、鼓词 
三、牌子曲 
四、道情 
五、琴书 
六、杂曲 
七、走唱 
八、板诵 
第四节 戏曲的繁荣 
一、传奇剧 
二、乱弹剧 
三、京剧 
第五节 乐器与器乐 
一、乐器 
二、器乐 
第六节 朱载培与新法密律 
第七单元 中华民国时期的音乐（上） 
节 学堂乐歌的发生与发展 
第二节 传统音乐的新发展 
第三节 音乐教育的兴起 
第四节 代表作曲家 
一、萧友梅 
二、赵元任 
三、黎锦晖 
四、刘天华 
五、黄自 
六、江文也 
七、聂耳 
八、冼星海 
九、谭小麟 
十、贺绿汀 
十一、马思聪 
第八单元 中华民国时期的音乐（下） 
节 中华民国时期的声乐创作 
一、群众歌曲 
二、独唱歌曲 
…… 
西方音乐史部分 
参考文献

明代及清代前期的弹词多为长篇说唱形式，演唱者自弹三弦或琵琶，也有增加二胡和四胡协助伴奏的。清代中叶嘉庆年间的弹词艺人陈遇乾、姚豫章、俞秀山、陆士珍被誉为弹词界四大名家；清同治年间有马如飞、姚似章、赵湘舟、王石泉等名家。其中陈遇乾、俞秀山在唱腔上有，他们的唱腔分别被称为“陈调”、“俞调”。“陈调”苍凉、粗犷，后常为老生及老旦的唱腔；“俞调”婉柔、细静，适宜表现闺中女子凄清、哀怨之情。马如飞的唱腔爽利、清劲，由于善于传达激昂、愤恨的情感而自成一派，称为“马调”。

 

好的，为您创作一本关于音乐史的图书简介，内容将聚焦于其他音乐史研究的视角和领域，力求详尽且自然。 --- 《跨越时空的乐章：世界音乐流派的演变与深度剖析》 导言：探寻声音的广阔疆域 音乐，作为人类情感最直接的表达方式之一，其发展历程犹如一部波澜壮阔的史诗。它不仅记录了技术革新、社会变迁和哲学思潮的演进，更是不同文明之间交流互鉴的无声见证。本书《跨越时空的乐章：世界音乐流派的演变与深度剖析》旨在提供一个宏大且精微的视角，深入探讨全球范围内音乐风格的起源、发展脉络、核心美学特征及其背后的文化动因。我们不局限于传统的时间线性叙事，而是力求构建一张立体的音乐地理网络，揭示不同地域、不同时代音乐形式之间错综复杂的联系与独特的内在逻辑。 第一部分：前古典主义的深层根源与早期文明的回响 本部分将追溯音乐的史前形态，考察那些被主流音乐史常常忽略的早期声音实践。 1.1 史前与古代文明的声景构建： 我们将细致研究古埃及、美索不达米亚以及古代印度河流域的音乐遗存，分析其在宗教仪式、王权统治和社会结构中所扮演的角色。特别关注这些文明中早期记谱尝试（如楔形文字泥板上的音阶记录）的局限性与意义。 1.2 东方美学的先声：中东与波斯音乐的复杂体系： 深入探讨阿拉伯音乐理论体系（如“Maqam”系统）的成熟过程。这种基于音高集合和旋律模式的复杂结构，与其对欧洲调式理论的间接影响，构成了一个值得深入考察的议题。我们将比较波斯传统音乐的“Dastgah”体系与印度拉格（Raga）体系的异同，突出其各自在即兴创作中的哲学基础。 1.3 早期中世纪的修道院回声与世俗的张力： 聚焦于格里高利圣咏之外的音乐实践。探讨拜占庭音乐的独特结构，以及在西欧封建领主庄园中，吟游诗人和行吟诗人（Troubadour/Trouvère）所代表的世俗音乐与教会音乐之间的张力与相互渗透。分析这些早期世俗文本如何为后世歌剧和艺术歌曲的叙事模式奠定基础。 第二部分：巴洛克晚期至浪漫主义的风格转向与技术革命 本部分将从“技术驱动”和“情感外化”的角度，重新审视17世纪至19世纪欧洲音乐的变革。 2.1 协奏曲体裁的语汇重塑： 重点研究维瓦尔第、巴赫等早期大师如何将“对位法”推向极致，以及这种对位结构如何影响了后世的结构主义音乐思潮。我们尤其关注协奏曲在不同地区（如意大利、德国、法国）的风格差异，探究其在技术展示与情感表达上的平衡点。 2.2 19世纪的民族主义浪潮与民间音乐的吸纳： 详尽分析民族乐派（如俄罗斯五人组、捷克民族乐派）如何系统性地从本土民间歌谣、史诗传说中提取音乐元素。讨论这种“民族化”尝试在构建国家文化认同中的积极作用，以及其在与德奥传统“宏大叙事”抗衡中所采取的独特配器策略和和声语言。例如，斯美塔那与德沃夏克的作品中，民间舞曲节奏如何被提升到交响乐的层面。 2.3 晚期浪漫主义的极限张力：瓦格纳与后浪漫主义的和声探索： 本书将深度剖析瓦格纳“乐剧”的整体艺术观，尤其关注其“主导动机”技术对后世电影配乐体系的决定性影响。同时，我们会考察理查·施特劳斯、马勒等人在和声上对传统调性体系的冲击，分析他们如何通过极度扩展的和声色彩来描绘复杂的心理景观。 第三部分：20世纪的断裂、融合与实验：全球化的声音实验场 20世纪是音乐史上最富革命性的时期。本部分将聚焦于技术进步、社会动荡如何催生了前所未有的音乐形态。 3.1 现代主义的理性解构与无调性探索： 系统梳理勋伯格、贝尔格、韦伯恩“第二维也纳乐派”的十二音技法，并将其置于当时欧洲哲学思潮（如尼采、弗洛伊德）的背景下进行解读。我们将讨论无调性音乐的内在逻辑，并将其与同期德彪西、拉威尔的印象主义声响探索进行对比分析，阐明两种路径如何共同挑战了听觉的传统习惯。 3.2 爵士乐的诞生与非西方音乐的介入： 爵士乐作为美国文化输出的核心力量，其发展脉络值得独立篇幅。我们将追溯其在路易斯·阿姆斯特朗时期的早期布鲁斯根源，解析摇摆乐（Swing）的律动特点，以及比波普（Bebop）对即兴演奏和和声复杂性的革命。此外，本书将考察20世纪中期，如德彪西引入日本雅乐元素，以及西方作曲家对非洲节奏模式的借鉴，展示非西方音乐如何成为西方现代主义的“催化剂”。 3.3 电子音乐的萌芽与音乐本体论的颠覆： 聚焦于二战后早期电子音乐的实验，包括科隆工作室的序列主义实践与美国哥伦比亚-普林斯顿电子音乐中心的磁带音乐创作。分析这些早期技术是如何从根本上改变了声音的物质属性，并为后来的计算机音乐和氛围音乐（Ambient Music）铺平了道路。 第四部分：跨文化视野下的当代音乐生态 本书的最后一部分将目光投向全球化背景下，音乐边界的消融与重构。 4.1 当代非西方艺术音乐的自我建构： 考察亚洲（如印度尼西亚加美兰音乐的西方化改编、日本“噪音音乐”的哲学基础）和拉丁美洲（如阿根廷探戈的演变与当代新探戈）的作曲家，如何在继承本土传统的同时，积极参与到全球的音乐对话中。强调这些“非中心”声音的贡献，揭示其对西方音乐中心论的反思。 4.2 极简主义与重复结构的力量： 深入分析莱克斯、赖利、史蒂夫·赖克等极简主义作曲家如何通过对节奏、音高的微小变化和重复模式的精心设计，引导听众进入一种新的时间感知状态。探讨极简主义与仪式性音乐、以及冥想音乐之间的深层结构关联。 4.3 声音景观学：音乐作为环境的介入： 最后，本书将探讨“声景”（Soundscape）理论，并将音乐史的视角扩展到对日常声音环境的关注。分析当代作曲家如何将城市噪音、自然界的声音纳入创作框架，探讨音乐在社会和生态语境中的新功能与新价值。 结语：持续演进的听觉历史 本书力求以严谨的学术态度和富有启发性的叙事风格，带领读者领略音乐史的广阔与深邃。我们相信，每一段旋律、每一种和声的运用，都是人类精神世界在特定时空下的真实写照。通过对世界音乐流派的深度剖析，我们期望激发读者对声音世界更深层次的探索欲望，理解音乐历史并非终结，而是一个永恒流动的过程。

评分☆☆☆☆☆

这本新购入的音乐史读物，拿到手沉甸甸的，光是封面那种扎实的质感，就让人对接下来的阅读充满了期待。我一直觉得音乐史的学习，最怕的就是陷入枯燥的年代划分和人名堆砌，然而这本教程的编排方式，简直是为我这种“半路出家”的爱好者量身定做的。它没有一上来就用晦涩的专业术语轰炸读者，而是巧妙地将历史背景和当时的社会思潮融合在一起。比如讲到巴洛克时期，作者不仅仅罗列了巴赫和亨德尔的作品，更是深入剖析了路易十四宫廷对音乐赞助模式的影响，这种“见微知著”的叙事手法，让那些宏大的历史脉络变得具体可感。尤其是在介绍早期复调音乐的演变时，作者用非常生动的语言描述了不同声部之间如同棋局般的博弈与配合，读起来完全没有传统教材那种隔靴搔痒的感觉。我特别喜欢它在关键节点穿插的“音乐考古”小栏目，那些关于乐器复原和手稿解读的片段，极大地激发了我对音乐起源的好奇心，仿佛置身于时光隧道中，亲眼见证了那些伟大旋律是如何从无到有、逐渐成型的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对一些西方古典音乐的理解，总停留在“旋律好听”的层面，缺乏更深层次的理论支撑。这本教程在处理复杂的音乐分析时，展现出了一种令人惊喜的清晰度。它并没有回避那些必要的音乐学概念，比如奏鸣曲式、赋格结构，但它给出的解释却异常地接地气。作者似乎深谙初学者望而生畏的心理，总能找到最恰当的比喻来阐述抽象的结构。我记得有一段对浪漫主义晚期和声“过度饱满”的探讨，用的是“色彩的过度渲染，以至于轮廓开始模糊”这样极具画面感的描述，瞬间打通了我对瓦格纳音乐中那种迷幻、无尽感的理解。更难得的是，它在讲解西方音乐发展的同时，并没有完全忽视东方音乐的踪迹。虽然篇幅有限，但几次精准的对比和参照，让我意识到不同文化背景下的音乐逻辑是如何并行发展又相互影响的。这种宏大视野下的细致入微，是很多单一文化史著作所不具备的优点，阅读体验非常充实，简直像是在高空俯瞰音乐文明的群山。

评分☆☆☆☆☆

从实用性角度来看，这套教程的价值简直是物超所值。我本来担心它会过于偏向理论阐述而忽略了实际的聆听指导，但事实证明我的担忧是多余的。作者在讲解完某个乐派的特征后，几乎都会附带推荐几首“必听曲目”，并且简要指出在这些曲目中可以着重关注哪些技术点或情绪表达。这种“理论指导实践”的模式，对于像我这样需要通过大量实际听觉经验来固化知识的学习者来说，是最高效的。我甚至可以一边听着推荐的录音，一边对照书中的分析，构建起从“耳熟”到“心知”的桥梁。尤其是在处理节奏和配器法的演变时，作者提供的细节描述极其精确，能帮助听者分辨出不同时期乐队编制的微妙差异。这已经不是一本简单的教科书，更像是一份详尽的、经过精心策划的“音乐品鉴指南”，为未来的深入研究打下了坚实而趣味盎然的基础。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计，我必须点个赞。在如今这个信息爆炸的时代，一本好的教程不仅要内容扎实，外在形式也同样重要，它决定了读者能否长期保持阅读的耐心。这本教程的版式处理得极其典雅、克制。留白恰到好处，字体大小适中，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。更重要的是，它在插图和乐谱示例的选择上，简直是艺术级的。不像有些教材只是简单粗暴地塞进一堆黑白乐谱，这里挑选的都是具有历史意义的乐谱片段，甚至有些是早期印刷版本的摹本，那些古朴的字体和符号本身就具有一种历史的厚重感。每一次翻阅，都像是在进行一次精心策划的博物馆之旅。我尤其欣赏作者在引用文献和注释上的严谨态度，那些脚注清晰地指向了原始资料，显示出背后巨大的学术功底，这让我在学习新知识的同时，也建立起了一种对学术规范的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

我手里这本书的这本教程，最让我感到惊喜的是它对“音乐与时代精神”这一主题的贯穿。很多音乐史书会把作曲家当作孤立的天才来描绘，但这本书的叙事逻辑明显更倾向于社会学视角。例如，在解析印象派音乐时，作者并没有仅仅停留在德彪西和拉威尔的“朦胧美学”上，而是将其与当时巴黎社会对光影、色彩的迷恋，以及科学领域对波谱分析的兴趣联系起来，构建了一个完整的时代背景网。这让我清晰地认识到，音乐绝非空中楼阁，而是深深植根于其所处的土壤之中。当我了解到莫扎特的音乐在当时是如何迎合新兴市民阶层的审美需求时，我对他的作品也有了全新的理解，不再仅仅将其视为宫廷的玩物。这种将艺术创作置于社会剧变中的考察方法，极大地提升了阅读的层次感和思考的深度，让我体会到历史的复杂性与音乐的张力。