键盘和声与即兴演奏教程上下册修订版孙维权上海音乐学院出版社9787806929971 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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孙维权，刘冬云 编

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• 上海音乐学院出版社
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• 音乐理论

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806929971

商品编码：29859855655

页数：388

图书基本信息
书名：	键盘和声与即兴演奏教程（上下册）（修订版）
丛书名：
作者/主编：	孙维权, 刘冬云
出版社：	上海音乐学院出版社
ISBN号：	9787806929971
出版年份：	2016年1月

版次：	第1版
总页数：	388页
开本：	16
图书定价：	65元
实际重量：	798g
新旧程度：	全新正版

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《键盘和声与即兴演奏教程(修订版)(套装共2册)》包括《键盘和声与即兴演奏教程·上册》、《键盘和声与即兴演奏教程·下册》共2册。由上海音乐学院出版社出版。

第*部分 副属和弦与副下属和弦综合练习

第*课 大小调副属七和弦综合练习
第二课 副下属和弦练习
第三课 同主音大小调交替变和弦的副属七和弦练习
第四课 降Ⅱ级和弦的副属七和弦练习

第二部分 半音线条化和声思维及远关系
转调练习
第五课 减七和弦练习
第六课 增六和弦与属变和弦练习
第七课 特殊和弦外音练习
第八课 高、低音声部半音化线条练习
第九课 远关系离调、转调练习

第三部分 色彩性、调式性和声练习
第十课 色彩性和声语汇练习
第十一课 九、十一、十三和弦及持续音练习
第十二课 教会调式和声练习
第十三课 五声调式和声同主音交替及转调练习

第四部分 风格模仿与发展练习
第十四课 巴洛克风格模仿与发展
第十五课 古典风格模仿与发展
第十六课 浪漫派早期风格模仿与发展
第十七课 浪漫派中、晚期风格模仿与发展（声乐部分）
第十八课 浪漫派中、晚期风格模仿与发展（器乐部分）
第十九课 调式和声风格模仿与发展（欧洲教会调式）
第二十课 调式和声风格模仿与发展（五声调式）

《键盘和声与即兴演奏教程（修订版 套装上下册）》的教学对象为音乐院校及师范院校音乐系科的本科生、研究生学员。教材编写方法将贯彻“精讲多练”的原则。文字部分仅就“学习内容”、“理论要点提示”、“练习要求”等三方面对基础和声理论作一些概括、简要的阐释。重点在于指导学生进行的、由浅入深的键盘和声、即兴演奏的严格训练，从而为培养键盘即兴演奏人才和高等师范院校即兴伴奏课教师，奠定键盘弹奏实践与一定的理论思维基础。

钢琴演奏的无限可能：深入理解与实践的桥梁 探索古典与现代的交汇点 本书旨在为所有对钢琴演奏抱有热情，并渴望超越传统技巧限制的音乐学习者提供一个全面、深入的进阶指南。我们聚焦于如何构建一个稳固的音乐理解框架，从而将枯燥的乐理知识转化为生动、富有表现力的演奏实践。本书并非单纯的曲目解析或技巧堆砌，而是一套系统性的思维训练工具，帮助学习者从根本上理解音乐的内在结构和逻辑。 第一部分：重建音乐的基石——深度乐理与结构分析 在传统的钢琴学习中，乐理往往被简化为和弦名称和音阶的排列。本书则采取了一种更具前瞻性的视角，探讨音乐的“生成机制”。 一、超越“是什么”的“为什么”：调性系统的再审视 我们将深入剖析西方音乐调性系统（Tonal System）的演变，从巴洛克时期的严谨对位，到浪漫主义时期的色彩扩张，再到印象派对传统和声的模糊处理。重点讲解如何通过分析乐曲的“核心音响区”（Tonal Center）及其周边调域的波动，来预测作曲家的创作意图。这包括对模态（Modal）思维在后浪漫主义作品中回归的详尽解析，例如如何辨识多调性和无调性边缘作品中的潜在组织原则。 二、织体与层次的交织：复调思维的实践应用 复调（Polyphony）不仅仅是巴赫的专属。本书强调复调思维在任何复杂织体中的重要性。我们将教授如何将钢琴上的多声部音乐“视觉化”——即在脑海中清晰地区分出旋律线、低音声部和填充声部各自独立的情感走向和运动轨迹。通过特定的指法训练和踏板策略，确保每个声部都能清晰、独立地“歌唱”，而不是模糊地混为一团。例如，如何通过细微的速度变化和触键力度，使赋格中的主题呈示与发展部分体现出清晰的逻辑递进。 三、节奏的弹性与驱动力：微观时间感知的培养 节奏的准确性是基础，但真正的演奏魅力源于节奏的“弹性”（Rubato）。本书详细区分了不同音乐风格下，对节奏“自由度”的不同要求。我们将介绍一套非量化的节奏训练方法，通过聆听和模仿自然语言的抑扬顿挫，来内化音乐中的呼吸感和驱动力。这包括对三连音组内部的细微划分，以及在自由速度段落中，如何保持整体的音乐方向感，避免陷入无目的的速度漂移。 --- 第二部分：从读谱到创造——演奏诠释的艺术 理解了音乐的骨架后，下一步是如何为其注入生命和个性。本书将演奏诠释视为一种严谨的学术研究与大胆的个人表达的结合。 四、触键的科学与哲学：音色的雕塑 钢琴的音色是学习者最直观的表达工具，但也是最容易被忽略的科学领域。我们将探讨手指与键盘接触点的物理学原理，包括不同重量、速度和角度对初始音色的影响。深入解析“击弦”、“揉弦”和“悬浮”等不同触键技术在不同作曲家作品中的适用性。例如，探讨肖邦作品中对“歌唱性音色”的追求，与德彪西作品中对“音响的雾化”的偏好之间的技术差异。 五、踏板：延伸的呼吸与空间的塑造 延音踏板（Damper Pedal）被誉为钢琴的“灵魂之窗”，但也是最容易被滥用的工具。本书提供了一套精细化的踏板使用方法论，强调“快速换音”和“音响混合”的平衡。我们将通过大量实例分析，讲解如何利用踏板来连接不连贯的乐句、模糊和声边界以营造特定氛围（如雨声或空旷感），并特别关注在快速音阶或复杂的和弦进行中，如何通过“半踏”或“点踏”技术来保持清晰度。 六、风格化的语言：不同时期的“语法” 每一位作曲家都生活在一个特定的音乐“语言环境”中。本书强调风格的辨识与模仿能力，但这并非机械的复制。我们将对比分析同一主题在莫扎特、贝多芬和李斯特作品中的处理方式，揭示不同时代对“力度标记”、“速度术语”和“装饰音”的内在理解差异。学习者将被引导去研究作曲家当代的文献资料，以理解他们对乐曲的原始构想，从而避免用现代的观念去“修正”古典作品。 --- 第三部分：即兴思维的搭建——创造力的结构化训练 本书的后半部分，将演奏的重点从“再现”转向“创造”，为学习者打开即兴演奏的大门。此部分并非侧重于快速的爵士乐即兴，而是着眼于如何将深厚的古典乐理基础转化为结构化的现场创作能力。 七、动机的提炼与发展：即兴的细胞 即兴并非信手拈来，而是基于对音乐“动机”（Motif）的深刻理解和快速变奏能力。我们将教授如何从一个简短的旋律片段或一个基础和弦进行中，提取其核心的节奏或音高特征，并系统地将其发展成一个完整的段落。训练方法包括：节奏反演、音型置换、和声替代等结构化练习。 八、和声的色彩调配：即兴中的色彩学 在即兴过程中，和声的选择决定了情绪的基调。本书提供了一套“和声工具箱”，涵盖了从基础三和弦到复杂扩展音（如九和弦、增六和弦）的快速运用。重点训练在给定主题下，快速切换和弦色彩的能力——例如，如何在同一段旋律线上，交替使用大调的明亮感和属七和弦的解决倾向，以制造紧张与释放的对比。 九、功能性即兴：对话与叙事 即兴演奏的最高境界是“对话”。本书将即兴视为一种音乐的交流形式，无论是与另一位演奏者、歌唱家，还是与听众的心灵沟通。我们将设置情景模拟练习，例如：模仿特定的自然景象、用键盘“回答”一段人声旋律、或在预设的和声进行上构建一个具有清晰起承转合的“小叙事”。这训练的不仅是手指的灵活性，更是对音乐语境的快速反应能力。 通过对这些维度的深入探索，本书期望帮助学习者构建起一个坚不可摧的音乐理解和表达系统，使钢琴演奏不再是单纯的“弹奏”，而成为一种深刻的、富有创造性的“音乐实现”。

评分☆☆☆☆☆

这本音乐教程的排版和印刷质量简直是教科书级别的典范。装帧结实耐用，即使是经常翻阅和携带也不会轻易出现松散或破损的迹象。纸张的选择也恰到好处，既能保证字迹和乐谱的清晰度，又不会过于反光造成阅读疲劳。尤其值得称赞的是，那些复杂的和弦图和指法示意图，无论是线条的粗细还是细节的呈现，都精确到了毫米级别，这对于初学者来说至关重要，能够有效避免因图示模糊而产生的学习困境。另外，整体的视觉设计非常专业，章节标题、重点提示和补充说明都采用了不同的字体和颜色区分，使得整个阅读过程层次分明，逻辑清晰。当我需要快速定位到某个特定的技巧或乐理知识点时，这种精心的设计极大地节省了我的时间。可以说，从拿到书的那一刻起，就能感受到出版方对音乐教育的尊重和对学习者的关怀，这种对细节的极致追求，让它完全脱离了普通教材那种“应付了事”的粗糙感，完全配得上它所教授的专业内容。这种实体书的质感，是电子版阅读器永远无法比拟的体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的修订版给我带来了耳目一新的感觉，尤其是针对现代音乐技术发展的补充内容，体现了作者与时俱进的教学理念。我注意到，在一些关于节奏型和配器法的讨论中，引入了更多基于现代流行音乐和融合爵士乐的案例进行分析，这使得教材的内容更具时代感和实用性。比如，关于琶音的运用，旧版可能侧重于古典琶音的分解形式，而修订版则加入了更多基于扩展音程（如九音、十一音）的流动线条处理方式，这对于我这类经常需要为现代乐队编配和声的人来说，简直是雪中送炭。而且，书中对于“练习的效率”也有独到的见解，它不仅仅是给出练习曲目，更重要的是，它教你如何“听着自己弹奏”——如何通过自检来发现并修正演奏中的惰性和思维僵化。这种对学习者自我修正能力的培养，比单纯灌输知识点更为宝贵，它构建了一个可以自我迭代的音乐学习体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容编排上的匠心独运，体现了深厚的音乐教育理论功底。它并未将“和声学”与“即兴实践”完全割裂开来，而是巧妙地设置了大量的衔接点和互动练习。我发现，当我在学习某个特定的和弦转换规则时，紧随其后的就是要求我立刻在键盘上用不同的节奏型去“玩”这个转换，而不是仅仅停留在纸面上。这种理论与实践的无缝对接，极大地加速了知识的内化过程。特别是关于“旋律构建”的部分，作者并没有简单地罗列音符组合，而是深入剖析了动机的发展、模进与转位这些核心技巧，并提供了大量的示例片段供练习，这些示例片段的难度设置非常科学，从最简单的二度模进到复杂的五度圈进行，每一步都恰到好处地踩在了“略有挑战但绝对可以完成”的区间。这种教材设计，真正做到了“知其所以然”和“习得其所以然”的完美结合。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对即兴演奏有着强烈渴望，但苦于找不到系统路径的业余琴童。市面上很多教材要么过于偏重古典乐理的枯燥讲解，要么就是直接跳到一些听起来很炫酷却缺乏根基的“速成秘籍”，让人摸不着头脑。这本书的叙述方式就像是请了一位经验丰富、耐心无比的导师坐在你身边，他不会急于让你展示成果，而是先为你打下坚实的地基。它没有直接抛出那些令人望而生畏的复杂音阶与调式，而是从最基础的节奏感和听觉训练入手，循序渐进地引导你如何“感受”音乐的流动性。每一次讲解都是层层递进，仿佛在解一个精心设置的谜题，每当你解决了一个小难关，都会获得巨大的成就感，从而更有动力去攻克下一个知识点。这种“引导式学习”的哲学，让原本抽象的音乐概念变得触手可及，极大地增强了我的学习信心，让我不再惧怕即兴创作这个曾经的高岭之花。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经有一定基础，但希望突破瓶颈的演奏者，我尤其欣赏这本书在“风格化”处理上的深度挖掘。很多教程停留在介绍标准爵士和声框架，但这本书却花了大量的篇幅去探讨不同音乐语境下，和声色彩和节奏律动的细微差别。比如，在讲解如何从传统的布鲁斯进行转向更现代的拉丁爵士和声时，它不仅提供了和弦替代方案，更重要的是，它分析了这种替代背后所蕴含的“情感张力”和“文化背景”。我曾经疑惑为什么某些特定的乐句听起来总是“不够地道”，阅读了相关章节后，我才明白那是因为我忽略了伴奏声部中那些微妙的切分音处理和低音线条的行走方式。作者的笔触非常细腻，这种对“味道”的精确捕捉和传授，远非普通的技术手册所能企及，它让我对音乐的理解从“弹对音符”提升到了“弹对感觉”的层面。