中国乐理基础教程附光盘1张杜亚雄上海音乐出版社考研大专9787552302479 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杜亚雄 著

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• 上海音乐出版社
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• 音乐基础
• 中国音乐

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552302479

商品编码：29859855360

页数：74

图书基本信息
书名：	中国乐理基础教程（附光盘1张）
丛书名：
作者/主编：	杜亚雄
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787552302479
出版年份：	2013年12月

版次：	第1版
总页数：	74页
开本：	16
图书定价：	38元
实际重量：	159g
新旧程度：	正版全新

《文化部21世纪艺术教育大系示范教材·中国音乐学院附中"中国民族音乐"必修课教材·高等职业教育艺术选修教材:中国乐理基础教程》改变了我国一百多年来在音乐学校中以西代中、只教欧洲乐理不教中国乐理的做法，着重介绍了中国乐理音高、节奏节拍、宫调、律吕等各方面的基础知识。与我社2012年出版的“中国民族音乐”同属一个系列。

 绪论中国传统文化中的音乐及其乐理 

章声音、阶名、律名及唱名 
节声音、直音和腔音 
一、声音 
二、直音和腔音 
第二节阶名、律吕名和工尺谱唱名 
一、阶名 
二、律吕名 
三、工尺谱唱名 
第二章重音、板眼和板式 
节语言和音乐的重音 
一、语言重音 
二、音乐重音 
第二节板眼和板式 
一、拍值 
二、板眼 
三、板式 
第三章音阶和宫调 
节音阶 
一、五声音阶 
二、七声音阶 
三、音阶音的省略和附加 
第二节宫调 
一、宫和调 
二、律声宫调关系 
三、旋宫犯调 
第四章传统记谱法 
节琴谱 
一、文字谱 
二、减字谱 
第二节锣鼓经和工尺谱 
一、锣鼓经 
二、工尺谱 
第五章律学常识 
教学课时安排建议

中国音乐学院附中适用教材；适应中学生年龄特点及喜好，将儿歌、故事穿插其中，活泼风趣，雅俗共赏；让乐理学习不再高深艰涩，由浅入深剖析地道中国乐理知识。

音乐的奥秘与实践：西方音乐理论与和声探索 一、 导论：构建音乐理解的基石 本书旨在为音乐学习者、专业人士以及对音乐理论有浓厚兴趣的爱好者提供一套全面、深入且富有实践指导意义的西方音乐理论和声学基础教程。我们相信，真正的音乐欣赏和创作，必须建立在对音乐结构、逻辑和美学原则的深刻理解之上。因此，本书从最基础的音高、节奏概念入手，逐步深入到复杂的和声进行、曲式分析乃至风格演变，旨在为读者搭建一座从感性聆听到理性分析的坚实桥梁。 本教程的编排遵循逻辑递进的原则，力求内容覆盖面广，解释深入浅出。它并非仅仅是一本枯燥的理论手册，而是一部引导读者“听见”音乐内在结构的实践指南。我们着重强调理论与实践的结合，通过大量精心挑选的乐例进行讲解和分析，确保读者能够直观地感受到抽象理论在实际作品中的运用。 二、 基础构建：音高、节奏与记谱法精要 本卷内容集中于奠定坚实的音乐“语法”基础。 1. 音高的世界： 我们将系统探讨十二平均律的基础，精确界定音程（Intervals）的性质与构成。重点解析大调与小调音阶的结构差异及其听觉感受，这是理解西方音乐情感表达的起点。此外，还会涉及调性（Tonality）的概念，以及如何通过转调来丰富音乐色彩。 2. 时间的艺术：节拍与节奏： 节奏是音乐的脉搏。本书详细阐述了拍号（Time Signatures）的种类、复合拍号的结构，以及如何准确地进行节奏划分和阅读。特别会针对不规则节奏型和复节奏（Polyrhythm）进行细致的图示讲解，帮助学习者克服节奏上的困难。 3. 视觉化的音乐：记谱法与记号： 涵盖五线谱的阅读基础，包括高音谱号、低音谱号、中音谱号的运用，以及各种反复记号、休止符、装饰音记号的规范表达。我们强调准确记谱是精确演奏和分析的前提。 三、 和声的骨架：三和弦与功能和声的初探 和声是西方音乐最核心的要素之一，本书在此部分投入了大量的篇幅，力求清晰解析和声的构建逻辑。 1. 和弦的生成： 从三和弦（Triads）的构建开始，详尽分析大三和弦、小三和弦、增三和弦、减三和弦的音响特点和情感倾向。接着，进入七和弦的体系，特别是属七和弦（Dominant Seventh）在解决（Resolution）上的强大功能性。 2. 调性内的和声功能： 深入讲解功能和声（Functional Harmony）的三大支柱：主功能（Tonic, T）、属功能（Dominant, D）和下属功能（Subdominant, S）。通过分析这些和弦在调性体系中的相互作用和必然联系，揭示了古典音乐中“稳定—紧张—解决”的听觉结构。 3. 和弦连接与导向： 详细解析和弦的连接规则，特别是平行五度/八度的避免等传统写作的禁忌与规范。重点学习如何使用副属和弦（Secondary Dominants）来暂时“借用”其他调性，从而增强乐段的色彩变化和推进力。 四、 拓展视野：非功能性音响与声部写作 随着对基础功能的掌握，本书引导学习者探索和声的更广阔领域。 1. 导向与变化和弦： 探讨副属和弦的高级应用，如导七和弦（Leading-tone Chord）如何以其特有的不协和性驱动音乐向前发展。同时，引入变化和弦，例如那不勒斯六和弦（Neapolitan Sixth Chord）和增六和弦（Augmented Sixth Chords），分析它们在增添戏剧性和色彩深度方面的作用。 2. 调性之外的探索： 介绍平行和声（如印象派音乐中常见）和全音阶（Whole-Tone Scale）的运用，初步接触突破传统功能束缚的早期现代主义倾向，为读者未来研究德彪西、拉威尔等作曲家的作品打下基础。 3. 声部写作的实践： 本部分专注于四部和声的实际写作指导。强调声部进行的流畅性、避免声部交叉、保持声部独立性。通过大量的练习范例，训练读者在写作时，不仅要考虑垂直的音响效果，更要关注水平的旋律线条。 五、 结构与形式：音乐的建筑蓝图 音乐的宏大叙事依赖于严谨的结构。本章解析了西方音乐作品常见的组织框架。 1. 小品与段落结构： 从最基础的二部曲式（A-B）和三部曲式（A-B-A）入手，分析乐句的构建、乐段的展开与对比。 2. 奏鸣曲式的深度解析： 作为古典主义音乐的标志，奏鸣曲式（Sonata Form）的呈示部、展开部和再现部的功能和内部逻辑将被剖析无遗。我们将追溯其历史演变，从巴洛克晚期到浪漫主义早期的不同处理手法，帮助读者理解其内在的戏剧冲突与统一性。 3. 变奏与回旋曲： 阐述不同类型的变奏（如固定低音变奏、和声变奏）以及回旋曲式（Rondo Form）中“A”主题回归的模式与意义。 六、 风格的演进与听觉训练的整合 理论的学习必须回归到聆听实践中。 1. 风格辨识： 简要概述巴洛克、古典、浪漫三大时期在和声运用、织体（Texture）和曲式处理上的主要差异。例如，巴洛克时期的对位（Counterpoint）与古典时期的清晰功能和声的对比。 2. 听觉训练指南： 本书最后提供了一套系统的听觉训练方法，旨在帮助学习者将书本上学到的理论知识转化为耳朵能直接识别的能力，包括音程、和弦性质、基础和弦连接的快速辨识训练。 本书的最终目标是培养出既能欣赏音乐的美妙，又能理解其背后严密逻辑的鉴赏家和创作者。通过对这些理论工具的熟练掌握，学习者将能更深入地进入任何一部西方音乐作品的心脏地带。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理书的排版简直是一场灾难，感觉像是打印店里随便找了个模板糊弄出来的。厚厚的书本，纸张质量也一般般，翻起来哗啦啦的，一点都不像专业出版社出品的样子。更要命的是，书里的内容组织逻辑混乱得让人抓狂。明明是基础概念，却偏偏要绕好几个弯子才能讲清楚，很多地方的衔接生硬得像断裂的桥梁。我本来是想通过这本书系统学习乐理知识的，结果光是弄明白作者到底想表达什么，就耗费了我大量的时间和精力，简直是效率杀手。特别是涉及到一些相对复杂的和声分析部分，作者的处理方式更是让人摸不着头脑，图例和文字描述经常互相打架，看得人云里雾里。如果不是因为手边实在没有其他更合适的替代品，我真想立刻把它扔到一边，换一本清晰明了的教材。对于初学者来说，这样的学习体验无疑是极其挫败的，它非但没有起到引导作用，反而像设置了一道道无形的障碍，让人对乐理学习的热情迅速消退。我强烈建议出版社对这本书进行一次彻底的重新编辑和设计，否则，它只能成为一个徒有其名的“教程”。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本所谓的“教程”时，我最大的感受就是“诚意不足”。封面设计平庸至极，毫无美感可言，仿佛是上世纪九十年代的产物。更别提那张附带的光盘了，插进去后发现里面录制的音频质量极其粗糙，有些音准甚至存在偏差，这对于学习“乐理”这种需要精确听觉训练的学科来说，简直是致命的缺陷。我尝试着用它附带的范例来对照学习，结果发现光盘里的示范演奏完全无法体现教材中描述的那种细腻的音乐表情和技术要求，简直是误导听觉。教材本身的内容似乎是把各种零散的知识点生硬地堆砌在一起，缺乏一种贯穿始终的音乐哲学或者深入的理论探讨。它只是罗列规则，却很少触及这些规则背后的审美和历史成因。因此，读完之后，你可能会知道“是什么”，但永远无法理解“为什么”，这让学习过程变得无比枯燥和机械化。想要真正领悟音乐的精髓，这本书提供的视角实在太过肤浅和局限，它更像是一本合格的“速查手册”，而非能够激发思考的“学习伙伴”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的某些章节的深度处理，让我这个已经有一些基础的学习者都感到非常吃力，难以想象对于零基础的新手该有多么劝退。作者在讲解某些高阶技巧，比如转调的逻辑链条时，似乎默认读者已经对某些抽象概念有着先天的理解，导致解释过程跳跃性极大。他似乎非常热衷于堆砌专业术语，却忽略了用更易于理解的类比或生活化的例子来辅助教学，使得理论知识像悬浮在空中，缺乏扎根于实践的土壤。翻阅过程中，我发现自己不得不频繁地查阅其他更权威的参考资料来印证和补充书中提供的信息，这极大地降低了学习效率。而且，书中的习题设计也过于依赖机械性的计算和套用公式，鲜有需要创造性思维或结合实际作品分析的开放性题目。音乐教育的最终目的应该是培养能用音乐语言表达思想的创造者，而不是熟练的计算员，这本书的侧重点显然跑偏了，显得有些迂腐和脱离现代音乐教育的前沿理念。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和设计细节，真的透露出一种“应付了事”的态度。书脊在几次翻阅后就开始微微松动，我担心再多用几次可能就会散架，这对于一本需要反复研读的教材来说，是不可接受的。更让我不解的是，很多关键的概念图表，比如五线谱的横向结构分析图，在页面上占据的位置极其局促，字体小得像是藏着什么秘密一样，需要眯着眼睛才能勉强辨认清楚。这完全违背了“图文并茂”的学习原则。如果教材的呈现方式本身就对读者的视觉造成负担，那么学习的体验自然会大打折扣。我感觉作者和编辑团队可能更关注于知识点的覆盖率，而完全忽视了知识如何被“有效”地吸收和内化。一本好的教材，应该如同一个耐心的导师，引导学生一步步走向清晰，但这本教程给我的感觉更像是一个知识的“垃圾场”，把所有能想到的东西都扔了进来，却指望读者自己去整理出一条清晰的路径。这种对阅读体验的漠视，是其作为教材的重大瑕疵。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的初衷是希望它能紧密结合国内的考研和教学大纲要求，但实际阅读下来，感觉它更像是一部十年前的旧资料集，缺乏对当代音乐发展和教学趋势的跟进。例如，在提及电子音乐或现代配器法时，书中提供的信息显得陈旧且不具参考价值，仿佛作者的知识体系停留在某个特定的年代节点，未能与时俱进。对于希望通过此书为未来高阶学习打下坚实基础的读者而言，这种滞后的内容可能会导致他们学习到一些在当下音乐界已不再主流或已被更优方法取代的知识结构。此外，全书的论述风格过于强调“标准答案”的灌输，缺乏对不同流派和不同学派之间理论差异的探讨和对比。音乐理论本就存在多种解释和流派，一本严谨的教程应当展现这种学术的多元性，引导学生形成批判性思维，而不是用单一、僵化的模式来框定一切。这本书在这方面显得过于保守和单薄，无法满足对理论深度和广度有更高要求的学习者。