师范院校课本器乐钢风琴册试用本师范院校音乐教材编上海音乐出版社9787805537993 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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师范院校音乐教材编委会 著

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• 上海音乐出版社
• 9787805537993
• 试用本
• 音乐教育
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店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805537993

商品编码：29684829929

页数：65

图书基本信息 书名：   师范院校课本：器乐·钢（风）琴（册）（试用本） 丛书名：    作者/主编：   师范院校音乐教材编委会 出版社：   上海音乐出版社   ISBN号：   9787805537993 出版年份：   1999年7月      版次：   第1版 总页数：   65页 开本：   16 图书定价：   18元 实际重量：   159g 新旧程度：   正版全新

《国家教育部规划教材:器乐·钢(风)琴(册)》由上海音乐出版社出版。为了便于学生自学，教材后附有大、小调音阶键盘表和常用的伴奏音型等。为了便于学生学习，器乐教材配有音响资料。

 《器乐：钢（风）琴（册）》分为四个单元。各单元提出明确的教学要求：从钢（风琴）的弹奏知识与技能、伴奏音型及自学能力三个方面由浅入深地安排了书面和键盘的综合练习，旨在培养学生的自学、分析和创新能力，逐步培养学生的音乐表现力。每单元配有补充练习，供教师和学用选用。

以下是一份关于其他音乐教材的图书简介，旨在详细介绍不同主题和内容的音乐学习资源，同时避免提及您提供的具体书籍信息。 --- 音乐教育与理论前沿探索：多维度实践与深度研修 本系列图书汇集了当前音乐教育界、理论研究和演奏实践中的多个重要领域，旨在为广大学习者、一线教师及专业研究人员提供全面而深入的学习资源。不同于基础入门的知识梳理，这些选本更侧重于特定学科的深入挖掘、跨学科视角的融合，以及当代音乐实践的最新发展。 1. 20世纪至今的西方艺术音乐分析与阐释 本书深入剖析了自德彪西至后现代主义思潮下西方艺术音乐的复杂结构与表现手法。内容涵盖了印象主义的和声语言、表现主义的十二音体系、序列主义的数学逻辑，以及极简主义和拼贴手法的兴起。 核心内容模块： 和声与复调的演变： 重点分析了功能和声体系的瓦解与重构，探讨了无调性音乐的听觉感知机制。例如，对勋伯格的列奥诺拉（Schoenberg's Pierrot Lunaire）中音高组织和发声方式的细致解读，以及对韦伯恩（Webern）点描主义的结构剖析。 节奏的解放与重塑： 考察了斯特拉文斯基（Stravinsky）的复节奏技法，以及梅西安（Messiaen）的非递增与非递减节奏模式，探讨这些技术如何影响听众对时间感的体验。 新材料与新技法： 详细介绍了电子音乐、偶然音乐（Aleatoric Music）的创作原则，特别是约翰·凯奇（John Cage）的“沉默”哲学在作品中的体现。分析了如何将概率论和信息论应用于音乐结构的构建中。 诠释学视野下的演奏实践： 探讨了现代作品的演奏指导（Performance Practice），分析了指挥家和演奏家在面对不确定性记谱和模糊指示时的决策过程，强调理解作曲家意图与个人创造性之间的张力。 本书的亮点在于，它不仅提供了技术分析工具，更引导读者从哲学、美学角度理解20世纪音乐变革的深层动因。 2. 中国传统音乐的区域性研究与活态传承 本卷聚焦于中国广阔地域内，尚未被主流音乐学完全系统化的民间音乐形态。它采用人类学田野调查的方法，记录并分析了特定地域的音乐传统，强调音乐在社会、宗教和仪式中的功能性。 重点关注地域与乐种： 西南少数民族的复调音乐： 采集并转写了云南、贵州等地少数民族（如彝族、苗族）的自然泛音复调，分析其对位关系与社会结构（如祭祀、劳动号子）的对应性。 北方曲艺的叙事结构： 详细研究了特定省份的鼓词、弹词等说唱艺术的音乐语汇（如板式变化、韵白节奏的规范性与变异性），考察其在口头传承中的稳定性与适应性。 戏曲音乐的调式与板眼系统： 摒弃对传统戏曲的笼统归纳，而是选取一至两个剧种（如徽剧或昆曲的某个流派），对唱腔的“行腔”技巧、伴奏乐器的角色功能进行精细的调式归类与板式节奏的计量分析。 乐器学与制作工艺的关联： 通过对特定传统乐器（如古琴、某些类型的竹笛）的形态、材料与音色的关系进行考察，探讨其制作工艺如何直接制约和影响音乐的表现力。 本书强调“活态传承”的概念，记录了许多濒临失传的演奏片段和口述历史，为保护和研究中国非物质文化遗产提供了第一手资料。 3. 音乐教育心理学：认知发展与情感培养 本教材面向音乐教师和教育学者，探讨音乐学习过程中的深层心理机制，特别是针对不同年龄段学习者的认知差异。 关键理论与实践应用： 音乐感知与听觉辨识的神经基础： 结合近年的认知神经科学成果，探讨大脑如何处理音高、音色和节奏信息，并将其转化为音乐理解。分析了“绝对音高”习得的可塑性及其教学干预策略。 动机理论在音乐课堂的应用： 引入自我决定理论（SDT）和建构主义学习理论，指导教师设计能激发内在动机的练习和表演活动。重点分析了如何通过选择恰当的曲目和提供有意义的反馈来维持学生的学习兴趣。 创造力与即兴思维的培养： 强调音乐创造力并非天赋，而是可以通过系统训练获得的技能。书中提供了结构化的即兴练习方案，例如基于特定和弦进程或特定音级集合的限制性即兴创作。 音乐治疗的基础与伦理： 简要介绍了音乐在认知康复、情绪调节中的应用，并探讨了音乐教育工作者在推广音乐活动时应遵守的基本伦理规范。 4. 管弦乐队配器法与总谱阅读精要 本书是为有一定基础的作曲或指挥专业学生设计的进阶配器教程，其核心在于对管弦乐队不同声部音响特性的精确掌握与逻辑组合。 内容侧重： 木管乐器的音色融合与分离： 不仅仅是记录音域，更细致分析了单簧管与双簧管在高音区的混合效果、长笛在高音区的穿透力，以及在不同把位上气息控制对音色的影响。特别关注了特殊技巧（如双吐、超吹）的实际效果。 铜管乐器的动态平衡与层次构建： 深入研究了圆号在低音区与中音区音响的差异，探讨如何利用弱音器（Mutes）来营造特定的空间感和情绪色彩。分析了小号群与长号群在和弦进行中的功能性划分。 弦乐组的群体效果： 系统阐述了揉弦的频率与情感表达关系，不同弓法（如跳弓、分弓、强奏的击弦）对音响密度的影响。重点讨论了如何利用不同声部的对位来增强织体厚度，而非简单地叠加音高。 打击乐器的角色定位与记谱法： 涵盖了标准定音鼓、马林巴等常用乐器，以及对非固定音高的打击乐器（如钹、鼓组）进行精确的节奏和动态记谱，确保其融入整体乐队的声学平衡之中。 本书的特色是通过大量经典配器实例的分解与重构练习，帮助读者将抽象的理论转化为可操作的配器方案。 --- 结语： 本系列图书共同构建了一个从理论分析、文化探究到教育实践的全景图景，旨在推动音乐学习者和从业者在各自领域内达到更高的专业水准。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮。封面那种略带复古的米黄色调，搭配着烫金的字体，一下子就把人拉回了那个古典而严谨的音乐学习年代。纸张的质感也处理得非常到位，摸上去有种恰到好处的厚重感，不像现在很多教材那样轻飘飘的，让人觉得这份教材是值得珍藏和反复翻阅的。内页的排版布局更是体现了出版社的专业水准，五线谱的印刷清晰度极高，即便是对于初学者来说，那些细微的符头、时值和力度记号也一目了然，没有丝毫的模糊不清。特别是那些技术要点和指法提示部分，使用了不同于正文的字体或加粗处理，使得学习的重点非常突出，在快速浏览时也能迅速定位到关键信息。装订工艺也十分扎实，书脊处理得当，平摊在琴边时非常稳定，练习者不必担心书页会莫名其妙地合拢，影响练习的连贯性。这种对手工质感的执着，无疑为这本教材增添了不少文化价值，让学习过程本身也成为一种享受，而非仅仅是任务的完成。光是捧着它，就能感受到一股沉淀下来的、对音乐教育的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

我个人认为，这本教材在内容选材的编排逻辑上，展现出一种深思熟虑的渐进式教学思路。它并没有一上来就抛出难度过高的曲目，而是非常细心地从最基础的手型、呼吸控制（即便对于键盘乐器，气息的概念也常被用来比喻演奏的连贯性）以及最基础的和弦分解开始引入。我注意到，前几章对于音阶的练习，不仅仅是机械的重复，而是穿插了不同把位和不同指法的变体练习，这对于培养演奏者的手指独立性和灵活性至关重要。更妙的是，教材中似乎巧妙地引入了一些早期巴洛克风格的简单对位练习，即便只是极其简化的形式，也为学生后续接触复调音乐打下了坚实的理论基础和听觉概念。这种“润物细无声”的教学法，比起那种强行堆砌练习曲目的方式要高明得多。它更像是为学生搭建了一个稳固的脚手架，让他们能够在自己尚未察觉的进步中，自然而然地攀升到下一个技术台阶。

评分☆☆☆☆☆

试用本的特点往往在于其探索性和前瞻性，而这本教材在这方面做得非常出色。它似乎不仅仅着眼于传统的演奏技能，还隐约透露出对现代音乐教育理念的接纳。比如，在某些章节的提示语中，我捕捉到了一些鼓励学生进行“即兴发挥”或“情感表达”的引导性文字，而非仅仅是要求“准确无误地复现”。这种开放性的视角，对于培养未来师范生的音乐创造力和课堂引导能力是极其重要的。师范生不仅仅是演奏者，更是未来的音乐教育者。如果教材只教你怎么弹得对，而不教你怎么激发学生的兴趣和理解力，那无疑是有所欠缺的。这本书似乎意识到了这一点，它在教授“技法”的同时，也在潜移默化地教授“教学思路”。这使得它在众多纯粹的演奏曲集之中，显得尤为独特和具有实用价值，因为它考虑到了使用者（师范生）的最终身份和责任。

评分☆☆☆☆☆

从一个长期接触各类音乐教材的业余学习者的角度来看，这本教材的注释和译配部分的处理是极其考究的。对于一些德奥体系中特有的演奏术语，教材的处理方式既保留了原有的严谨性，又用清晰的中文进行了辅助解释，避免了初学者在面对大量外文术语时的望而却步。很多地方，编者甚至加入了简短的历史背景介绍，比如某一首练习曲的风格特点或者它在某个时期的地位。这对于培养学生的音乐史素养和人文关怀是极有裨益的。音乐教育绝不应是孤立的技术训练，它需要建立在深厚的文化土壤之上。这本书似乎非常清楚地认识到，要培养一名合格的师范生，就必须在技术训练的间隙，穿插这些能拓宽他们视野的“小知识点”。这些细节的填充，让教材的阅读体验从单纯的“工具书”升华为“知识的载体”。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏教材中对于“示范性”练习的设置。在一些关键技术难点出现的地方，教材会提供两到三个不同速度或不同风格的演奏范例（虽然是在纸面上通过文字描述或符号暗示），这为学生提供了一个对比参照，让他们明白“正确”的演奏可以有不同的表现维度。例如，在处理某一长乐句的呼吸感时，教材不仅给出了标准的力度记号，还附加了对“歌唱性线条”的强调，这远超出了普通练习曲的范畴。它强迫读者去思考，演奏不仅仅是手指的运动，更是气息的流动和情感的传递。这种对音乐内涵的深度挖掘，对于那些未来的音乐教师来说是至关重要的——他们需要将这种对音乐的深层理解，转化成能够被学生理解和吸收的教学语言。因此，这本书在我看来，是一份集技法训练、审美培养和教学理念导入于一体的综合性教学资源。