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王宏卫 著

图书标签:

• 绘画
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• 构图
• 透视
• 绘画技巧
• 艺术入门
• 绘画教学
• 绘画零基础

店铺： 炫丽之舞图书专营店

出版社： 上海交通大学出版社

ISBN：9787313143198

商品编码：30143382467

包装：平装-胶订

出版时间：2015-12-01

基本信息

书名：绘画基础

定价：45.00元

作者：王宏卫

出版社：上海交通大学出版社

出版日期：2015-12-01

ISBN：9787313143198

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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王宏卫*的《绘画基础（素描篇）》为绘画基础的素描篇，全书包括绘画概念、如何观察、绘画透视、绘画工具与材料、绘画构图与构图法则、线描、卡通、动漫线描、风景速写画法、人物速写画法、光影与明暗、结构素描、头像素描、质感等，以及素描的各种知识。人物肖像素描画法以及头部解剖等方面，尤其是线描、素描的作画步骤和有趣味的字母构图是本书的特色。
本书适合美术专业师生以及绘画爱好者参考阅读。

目录

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章 绘画概述 01用心灵去观察 02有错觉的绘画——透视第2章 绘画工具与材料 01绘画用笔 02素描工具 03绘画用纸第3章 绘画的骨骼——构图 01什么是构图 02构图法则 03有趣味的字母构图第4章 不存在的线条 01线描初步概述 02线条训练 03线描艺术四种类型 04线描艺术处理方法 05绘画学习方法第5章 动漫卡通线描 01动漫卡通线描概述 02动漫卡通线描步骤 03动漫卡通范例 04线描静物画法步骤第6章 诗意般的风景 01风景速写概述 02风景速写的取景与视角 03一棵树的画法 04山石画法 05建筑与城市风景 06风景速写范例第7章 人物速写 01人物速写概述 02半身人物速写画法步骤 03站立人物速写画法步骤 04人物组合场景速写 05人物速写范例第8章 单色的世界——素描 01素描作画姿势与握笔方法 02素描线条训练 03简单的形体(石膏几何体) 04魔幻般的光影与明暗 05内在结构的素描 06质感一有生命的静物 07静物素描画法步骤 08静物素描范例 09石膏头像素描 10以人为本——肖像素描参考文献后记

作者介绍

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文摘

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序言

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雕塑的奥秘：从泥土到不朽的形态塑造 图书简介 本书并非关于色彩与线条的探讨，它深入探索的是三维空间的艺术——雕塑。我们将带领读者穿越时空，领略雕塑艺术从远古的粗犷到现代的精妙演变历程，聚焦于材料的潜能、工具的运用以及创作者如何将无形的构思转化为触手可及的实体。 第一章：雕塑的物质性与精神性 雕塑，作为一种最古老、也最直接的艺术表达方式，其本质在于“占有空间”和“构成形体”。本章首先解析雕塑作为物质存在所承载的重量、体积和质感，这与平面绘画的虚幻空间截然不同。我们将详细讨论“实体感”在雕塑中的核心地位，以及艺术家如何通过对光影在实体表面的反射与吸收的控制，来增强作品的生命力。 随后，我们将探讨雕塑的精神层面。从史前的人像崇拜，到古希腊对理想人体美的追求，再到现代主义对抽象形式的解放，雕塑始终是人类精神信仰、社会观念和时代情绪的载体。本章会分析不同文化背景下，雕塑如何成为连接神性与人性的桥梁，以及当代雕塑如何通过解构与重组，挑战观众对“实在”的认知。 第二章：材料的语言——从石材到高分子聚合体 雕塑的魅力很大程度上源于其所使用的材料。每一种材料都有其固有的“秉性”和“声音”。本书将详尽介绍各类主流雕塑材料的特性、处理难度及最终呈现效果。 石材的永恒性： 重点介绍大理石、花岗岩和青石的选取、开采与雕刻技法。我们将深入研究“减法”雕塑（Subtractive Sculpture）的哲学——即如何从一块坚硬的顽石中“释放”出内在的形体。对米开朗基罗“未完成”作品的分析，将揭示石材的不可逆性如何影响艺术家的创作决策。 金属的张力与流动： 涵盖青铜铸造（失蜡法与沙模法）的复杂工艺流程，从蜡模的制作到最后的打磨上色。同时，也将讨论钢铁、铝材在现代及当代雕塑中的应用，特别是焊接和折弯技术如何赋予作品以现代工业的锋利感和结构美学。 泥土与可塑性： 粘土（陶土）作为最直观的材料，其可塑性为艺术家提供了极大的自由度。本章会区分湿法塑形与干法塑形，并详细阐述陶泥在烧制过程中体积收缩的物理变化，以及釉料对面塑表面效果的决定性影响。 新兴材料的边界拓展： 聚焦于树脂、玻璃纤维、泡沫塑料和3D打印技术在雕塑创作中的实践。这些材料的轻盈、透明或合成特性，为打破传统雕塑的体量限制提供了可能。 第三章：技法精要——塑造、建构与解构 雕塑技法是实现艺术构想的桥梁。本章系统梳理并教授主要的塑形方法。 塑形（Modeling）： 以粘土为例，讲解如何运用手部和工具对材料进行堆积和塑形。重点剖析“体积的建立”——即如何从内部支撑结构（骨架或内模）出发，逐步构建出表面的动态和细节。 雕刻（Carving）： 专攻减法技法。详细描述凿、锤、磨等工具的使用技巧，以及如何控制力度和角度以避免材料的意外断裂。书中将配有古代埃及和希腊雕塑的剖析图，演示工匠如何处理硬质材料的纹理。 构建（Construction/Assembly）： 探讨如何通过连接不同部件来完成作品，这在现代和大型户外雕塑中尤为常见。分析各种连接方式（铆接、螺栓固定、胶合）对作品整体结构稳定性和视觉效果的影响。 铸造（Casting）： 作为从模型到最终材料转换的关键步骤，铸造技术的精确性至关重要。本章将图解复杂的模具制作过程，特别是处理复杂凹陷和复杂表面的脱模策略。 第四章：构图与空间关系——雕塑的“视角革命” 与绘画的固定视角不同，雕塑要求观众在三维空间中进行探索。本章关注雕塑的内在结构与外部环境的互动。 正面、侧面与背面的平衡： 讨论如何设计作品的各个观看角度，确保从任何方向观看，作品的比例和动态都能保持和谐。这要求艺术家进行“多点透视”的构思。 体量与负空间： 负空间（Negative Space，即形体周围的空气）是雕塑的无形组成部分。我们将分析亨利·摩尔等大师如何巧妙地利用穿透性的孔洞和空隙，使作品与环境进行对话，从而增强作品的轻盈感和呼吸感。 基座与环境的融合： 基座不仅是支撑，更是作品叙事的延伸。本章探讨不同类型的基座（高台、地景融合、悬挂）如何改变观众与作品的互动距离，以及如何使雕塑在特定场所（如广场、花园或室内）中实现最佳的空间布局。 第五章：现代与当代雕塑的观念转型 从罗丹对情感的捕捉，到立体主义对形态的解构，雕塑在二十世纪经历了深刻的变革。 抽象的解放： 探究康定斯基、布朗库西等先驱如何将雕塑从对具象的模仿中解放出来，专注于线条、平面和纯粹形式的表达。 动态与时间性： 讨论亚历山大·考尔德的动态雕塑（Mobiles），以及如何通过引入机械或自然元素（如风力），将“时间”这一维度纳入雕塑的表达范围。 装置艺术与场域特定性： 当雕塑开始超越传统的材料和边界，它演变为装置艺术。本章将分析如史密森的《螺旋堤》等大型地景艺术，它们不再是置于空间中的物体，而是对特定场域进行干预和重塑的行为记录。 结语：未来的塑形者 本书旨在为读者提供一个全面而深入的雕塑艺术实践指南和理论框架。它不教授如何“画”出形象，而是教导如何“铸造”存在。通过对历史、材料、技法和观念的层层剖析，我们希望激发读者运用双手，去感知并塑造这个物质世界，创造出属于自己的不朽形态。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本《绘画基础》简直是为我这种“手残党”准备的救星！我一直想学画画，但每次拿到画笔，都感觉自己像个完全没有方向的初学者，不知道该画什么，怎么画。之前也尝试过一些线上课程，但总觉得隔着屏幕，很多细节上的指导不到位。这本《绘画基础》的出现，简直是给我打开了一扇新世界的大门。它不像其他书那样，上来就讲一大堆理论，而是把基础训练拆解得非常细致，而且非常有条理。我尤其喜欢它对“观察”的讲解，它让我明白，绘画不仅仅是手上的技巧，更是眼睛的训练。书里教我如何去“看”一个物体，不仅仅是看它的轮廓，更要看它的结构、它的光影变化，甚至它周围的环境对它的影响。这一点对我来说真的太重要了！我以前画画，感觉就像是在描一个扁平的图，完全没有立体感，看了这本书之后，我开始尝试去理解物体是如何被光照亮的，阴影又是在哪里产生的，这一点一点的改变，让我的画看起来突然有了生命力。而且，书中提供的练习素材也非常接地气，不是什么高难度的静物组合，而是我们日常生活中常见的物体，比如杯子、水果、简单的盒子，这让我感觉练习起来更有代入感，也更容易发现问题。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我之前对绘画一直存在一种误解，总觉得它需要天赋，或者需要投入大量的时间去死记硬背各种技巧。这本书的出现，彻底颠覆了我的想法。它让我明白，绘画更是一种“观察”和“理解”的艺术。这本书在讲解人物比例的时候，真的给了我很大的启发。我以前画人物，总觉得比例不对，要么头大身子小，要么四肢比例失调，看起来非常别扭。这本书没有简单地给出几个数字让你去套用，而是通过非常形象的比喻和分解，让我理解身体的各个部分是如何相互关联，以及在不同的姿势下，比例又会有怎样的变化。比如，它会用“头”作为基本单位来衡量身体的其他部分，并且会讲解不同性别、不同年龄段在比例上的细微差异。更重要的是，它不仅仅是教你画“静态”的人物，还通过一些简单的动态示意图，让我明白在运动中，身体的比例和透视是如何变化的。这一点对我来说太关键了，因为我一直想尝试画一些有生命力的角色。而且，书里还穿插了一些关于“表现力”的讲解，教我们如何通过线条的粗细、笔触的轻重来传递不同的情绪和质感，这让我觉得绘画不仅仅是技巧的堆砌，更是情感的表达。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对于绘画一直抱着一种“远观而不可亵玩焉”的态度，觉得那是少数天才才能掌握的技能。直到我偶然翻阅了这本《绘画基础》，才发现原来绘画的基础可以如此系统而又亲切。我最欣赏的是它将复杂的概念拆解成一个个易于理解的单元，并且循序渐进。比如，它在讲解透视的时候，并没有一开始就抛出消失点、视平线这些令人望而生畏的词汇，而是先从最简单的“近大远小”的概念入手，通过大量的图示来展示不同角度和距离的物体是如何呈现的。我以前一直对透视感到头疼，总觉得画面容易变形，但通过这本书，我开始慢慢理解其中的逻辑，甚至能主动去分析生活中看到的场景中的透视关系。而且，它非常注重“实践”，每讲完一个概念，都会提供相应的练习，并且这些练习都是非常具有针对性的，比如专门练习线条的粗细和流畅度，专门练习不同光源下的阴影变化等等。这种“学以致用”的方式，让我觉得学习过程不再是枯燥的理论灌输，而是充满了成就感。我尝试着画了一个简单的场景，虽然效果还有待提高，但至少我已经能感受到透视在画面空间感塑造上的重要性了。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为自己是个对艺术毫无天赋的人，但自从我拿起这本《绘画基础》，我发现绘画并没有我想象的那么遥不可及。这本书最让我觉得惊喜的地方在于，它并没有把所有注意力都放在“画得多像”上，而是更多地强调“理解”和“感受”。它在讲解构图的时候，没有上来就给我一堆复杂的构图法则，而是从最基本的“平衡”和“引导视线”讲起。它会用很生动的生活化例子来比喻，比如一张桌子上物品的摆放，我们如何才能让它看起来舒服，而不至于杂乱无章。通过这些例子，我开始慢慢理解，好的构图是如何将观众的目光引向画面的重点，如何营造出画面的层次感和空间感。而且，它还非常注重“尝试”，鼓励读者去大胆地实验不同的构图方式，哪怕是看起来不太“标准”的构图，也可能带来意想不到的效果。书中还提供了很多不同风格的优秀作品作为范例，并对它们的构图进行了简要的分析，这让我能够站在巨人的肩膀上去学习。我尝试着根据书中的建议，重新构图了我之前画过的一幅简单的风景，发现画面一下子就变得更有呼吸感，也更能吸引人了。这种小小的进步，让我对绘画的信心大大增加。

评分☆☆☆☆☆

这本《绘画基础》确实是为我这样的新手量身定做的！我一直对绘画充满热情，但总是因为不知道从何下手而犹豫不决。市面上有很多教绘画的书籍，但我总觉得要么太学术，要么太跳跃，很难找到真正适合入门的。当我翻开这本《绘画基础》时，惊喜就接踵而至了。首先，它的语言非常通俗易懂，没有那些晦涩难懂的专业术语，而是用最贴近生活化的比喻来讲解，比如讲解线条时，会把它比作我们平时写字、勾勒轮廓的感觉，让我立刻就有了亲切感。其次，书中的插图也特别棒，不是那种专业画廊里高冷的艺术品，而是非常生活化、具有借鉴意义的例子，让我能清晰地看到作者想要表达的技巧。而且，它并没有一上来就讲复杂的色彩理论或者透视法则，而是从最最基本的光影、明暗关系入手，让我明白为什么物体会有体积感，为什么画面会显得立体。最让我喜欢的一点是，书里提供的练习步骤非常详细，而且是由浅入深，让我感觉每一步都在稳扎稳打地前进，而不是盲目地模仿。我试着跟着书里的方法去画一些简单的几何体，虽然离大师作品还有十万八千里，但至少我开始能感受到绘画的乐趣和掌握了最基础的观察方法。