手风琴重奏教程(外国作品)/器乐教学丛书 正版图书 王笑合 艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 西南师大

ISBN：9787562145073

商品编码：29868494829

丛书名： 手风琴重奏教程(外国作品)器乐教学丛书

开本：16开

出版时间：2011-01-01

书名：	手风琴重奏教程(外国作品)/器乐教学丛书
作者：	王笑合	开本：	16开
定价：	20	页数：	156
现价：	见顶部	出版时间	2011-01-01
ISBN号：	9787562145073	印刷时间：	2011-01-01
出版社：	西南师大	版次：	1
商品类型：	正版图书	印次：	1

内容提要   作者简介   目录  

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管弦乐器演奏与教学法精要 本书聚焦于管弦乐队中木管组、铜管组及打击乐器的系统性教学策略、演奏技巧深度解析，以及乐团排练与管理的前沿理念。 本书旨在为音乐院校的师生、专业乐团的演奏员与指挥，以及中小学管弦乐团的指导教师提供一套全面、深入且具有高度实践指导意义的参考资料。全书内容摒弃对键盘或传统和声学的赘述，完全侧重于管弦乐器独有的发声原理、演奏美学与教学路径。 --- 第一部分：木管乐器组的深度探索与教学实践 本部分将木管乐器按照其发声原理和演奏技巧的复杂性进行细致划分，每一章节都辅以历史演变、现代演奏规范和关键教学难点解析。 第一章：长笛与短笛：气息的雕塑与音色的精微控制 1.1 气息的生理学基础与技术运用： 深入探讨气息在长笛演奏中的作用，从横膈膜支持到气流的聚焦、速度与角度的精确调控。详细分析气息在演奏高音区、低音区以及超吹音中的动态变化。 1.2 指法系统的现代化演进与教学： 涵盖巴姆系统（Boehm System）的结构解析，重点分析复杂转指、颤音指法（Trills）的效率提升，以及短笛特有的高音指法校准。强调如何通过手指的独立性和力量分配，实现流畅的乐句连接。 1.3 颤音、装饰音与现代演奏技法： 剖析不同历史时期（巴洛克至浪漫主义）对装饰音的理解差异。详细介绍舌击（Articulation）的层次——从轻柔的“d”、“t”到强硬的“k”击，以及现代长笛中常用的气声（Air Sound）和“嘶声”（Whisper Tones）的控制。 1.4 短笛的特殊挑战： 侧重短笛音准的系统性调整方法，特别是其易跑音的超高音区和对演奏者口腔形态的极高要求。 第二章：双簧管与英国管：簧片的哲学与音色的平衡 2.1 簧片制作与选择的艺术： 本章是双簧管教学的核心。系统阐述不同木材（苏里南檀木）、刮制深度和形状对音色、反应速度及音准的影响。提供一套标准化（但允许个性化调整）的簧片“激活”和维护流程。 2.2 口型（Embouchure）的结构力学： 详细解析双簧管演奏中唇肌的精确施力点和分布，区分内收（Pinching）与支撑（Support）的界限。重点指导如何纠正因过度用力导致的唇部疲劳和音色僵硬。 2.3 连奏与双吐技巧： 分析连奏（Legato）对气流稳定性的依赖，以及如何通过细微的舌位变化实现平滑连接。双吐技巧的教学应着重于舌头与簧片接触点的精确控制，而非单纯的速度训练。 2.4 英国管的音色培养： 探讨英国管相较于双簧管在气流、口型上的不同需求，强调其特有的温暖、略带鼻音的“忧郁”音色的实现路径。 第三章：单簧管家族：音域的统一与泛音的驾驭 3.1 横向与纵向的音准控制： 阐述单簧管在不同温度和湿度下的物理特性变化，以及演奏者如何通过调节口型张力和舌位来动态校正音准，特别是中音区（Chalumeau Register）与高音区（Clarion Register）的衔接点。 3.2 舌击的精确度与多样性： 从标准的“ta”到快速的“diddle”击法，解析舌尖与笛头（Tip）的接触点和力度变化对音色明亮度、清晰度的影响。 3.3 解决指法粘滞问题： 针对黑键（Register Key）切换时产生的断裂感，提供基于预先准备和气息提前介入的系统训练法。 3.4 低音单簧管的教学侧重： 探讨其对气息容量和口型稳定性的更高要求，以及如何有效地控制其庞大管体的共振。 第四章：巴松与低音管：低音声部的支撑与平衡 4.1 双簧管与巴松气息的根本差异： 强调巴松需要更大容积的气流和更稳定的下颚支撑，防止“漏气”现象。 4.2 簧片的共性与特殊性： 讨论巴松簧片（Double Reed）的复杂振动模式，指导学生进行基础的“剪裁”和“磨平”微调，以适应不同乐器的需求。 4.3 跨越指法区域的连贯性： 巴松指法复杂，本章重点分析中低音区到高音区的音准“陷阱”，如 F 和 B 之间的处理。 4.4 低音管（Bassoon）与对比： 分析低音管在合奏中作为“内声部”的调性角色，其音色应如何融入弦乐组，而非独立突出。 --- 第二部分：铜管乐器组的功率、耐力与声学构造 本部分深入探究铜管乐器独有的物理特性——唇振动（Buzzing）的机制，以及如何将这种振动转化为强大而富有穿透力的音色。 第五章：小号与高音铜管：爆发力与音高的精准捕获 5.1 唇振动（Embouchure）的科学： 详细解析唇部肌肉群（特别是颧大肌和口轮匝肌）的协同作用。区分“紧缩”（Tension）与“聚焦”（Focus）的界限，提供唇部放松练习，以避免过早疲劳。 5.2 活塞系统的高效运用： 活塞的行程长度、摩擦力对音准的影响。重点训练快速的换奏（Valve Combination）切换，确保不同组合下的音高一致性。 5.3 颤音与花腔的控制： 针对小号快速颤音的教学，强调手指与舌位同步配合的重要性。剖析“多音舌击”（Double and Triple Tonguing）的技术瓶颈及突破方法。 5.4 弱奏（Pianissimo）在高音区的实现： 探讨如何在保持极低气流的同时，通过精准的气流速度，稳定地控制高音区的音高，这是小号演奏的标志性难题。 第六章：圆号：音管长度的挑战与音准的艺术 6.1 圆号的复杂性： 探讨 F 调和降 B 调圆号的切换，以及“拉杆”（Slides）的精确调整在不同把位（Hand Positions）中的作用。 6.2 手在号口内的控制： 圆号手位（Hand-in-Bell）是其音色和音准的生命线。本章详细界定手位开放度（Open）、半闭合（Stopped）与关闭（Hand-stopping）的声学效果，并提供听觉训练以适应细微的位移。 6.3 圆号的“危险音区”与校准： 针对圆号易出“破音”（Cracked Notes）的区域，分析其与唇振动频率不稳定的关系，并提供针对性的“打桩”式练习。 第七章：长号：滑动的连贯性与音色的塑性 7.1 滑管运动的流体力学： 长号教学的核心在于滑管动作的平稳性。分析如何通过手臂、手腕的协调运动，实现“无缝衔接”的滑音（Glissando）和连奏。 7.2 舌击与滑管的配合： 区分需要快速舌击辅助的换把位与依靠纯粹滑动的乐句。强调避免在换把位瞬间因舌击过重导致的音色中断。 7.3 次中音号与低音长号的声部平衡： 探讨次中音长号在乐队中承上启下的角色，以及低音长号在低音区的支撑力度与音色融合度。 第八章：大号与低音铜管：共鸣与稳定性的基石 8.1 巨大气流的管理： 大号要求演奏者拥有极佳的肺活量和气息支撑。指导教师如何评估并逐步增强学生的持续气息能力。 8.2 低音铜管的音色统一性： 强调大号（Tuba）、低音长号和上低音号（Euphonium）在低音区音色的融合。对比不同管型（圆号式与英式）对音色圆润度的影响。 8.3 活塞与转阀的转换练习： 针对转阀系统（Rotary Valve），提供转阀轴心与活塞动作的同步训练，确保低音区快速乐句的清晰度。 --- 第三部分：打击乐器组的节奏精确性与音色构建 本部分专门针对传统管弦乐队打击乐器（非流行或爵士乐）进行系统性梳理，重点在于时值、力度与音色的精确控制。 第九章：定音鼓：音高的确定与槌的对话 9.1 音高的精确调控： 详细讲解定音鼓踏板系统的机械原理（皮亚诺踏板、罗曼踏板等），以及如何快速、准确地锁定指定音高，特别是在频繁变调情况下的调音策略。 9.2 槌的选择与击打点： 阐述不同硬度、不同包覆材料的鼓槌（Felt Mallets）如何影响音色——从温暖的低音到清晰的滚奏。分析最佳击打点对音色纯净度的决定性作用。 9.3 滚奏（Rolls）的稳定化训练： 教授如何通过均匀的双臂、双手的交替，实现无间断、音量恒定的持续滚奏。 第十章：马林巴、颤音琴与钟琴：音色的混合与技巧的跨界 10.1 四槌演奏法的精进： 系统性介绍四槌技巧在和弦分解和快速音阶中的应用，重点在于保持四个击打点的平衡，防止音色失衡。 10.2 延音的控制： 颤音琴（Vibraphone）的延音踏板操作与马林巴（Marimba）的自然衰减音色之间的区别处理。 10.3 音域扩展与指法对应： 针对马林巴的音域扩展，建立一套与钢琴演奏体系相区别的、适用于大型木琴的指法规则。 第十一章：固定音高打击乐器与节奏乐器的融合 11.1 小军鼓与铙钹的动态表现： 解析小军鼓在管弦乐中对节奏的强调作用，如何实现从极弱的“幽灵式”敲击到强力的“鞭击”效果。铙钹的碰撞时机与力度对整体气势的影响。 11.2 三角铁与木琴的色彩运用： 探讨三角铁（Triangle）在轻音乐织体中如何通过“空气感”的敲击来增添光泽，而非单纯的尖锐音效。 --- 第四部分：管弦乐排练的整合与指挥艺术 本部分将教学实践提升到乐团管理层面，侧重于如何将个体技术转化为统一的管弦乐音响。 第十二章：管弦乐排练中的技术干预策略 12.1 声部平衡的听觉校准： 建立基于乐器物理特性（如小提琴的穿透力与大号的低频能量）的动态平衡预设模型。指导指挥如何在不打断乐句的情况下，通过手势对声部进行即时微调。 12.2 连奏与乐句的统一性： 强调管乐器在长乐句中如何通过气息的“呼吸点”来维持旋律的连贯性，以及指挥如何通过明确的预示手势来协调这些“呼吸”。 12.3 跨组的音色融合： 针对木管与铜管的交织部分（如木管组的抒情对位铜管组的强化），提供特定的排练方法，使音色过渡自然，避免生硬的“换挡”。 第十三章：指挥对乐器特性的理解与表达 13.1 节奏的生理学表达： 分析指挥的肢体动作如何直接影响演奏者的肌肉反应，例如，如何用手腕的“弹性”来激发铜管的爆发力，而非僵硬的指令。 13.2 对历史演奏风格的再现： 探讨不同时期（如古典乐派与后浪漫主义）对管乐器音色、力度和装饰音的不同要求，指导指挥如何设定相应的排练目标。 13.3 危机处理与技术诊断： 针对排练中常见的集体性技术问题（如铜管组高音区集体紧张、木管组低音区音准下滑），提供指挥者快速识别和诊断的流程化方法。 --- 本书以严谨的科学态度结合丰富的教学经验，致力于为管弦乐教育领域提供一本实用性极强、理论深度足够的专业参考书。 它不涉及对其他乐器类别的教授，而是专注于管弦乐器演奏体系内部的精深研究与实践指导。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我量身定做的！我一直梦想着能系统地学习一门新的乐器，但市面上的教材往往要么过于基础，让我觉得索然无味，要么又跳跃性太大，让我望而却步。这本《XXX教程》（此处应替换为读者实际阅读的书名）的出现，彻底解决了我的困境。它的编排逻辑清晰得令人惊叹，从最基础的指法练习，到复杂的和声进行，每一步都衔接得天衣无缝。我特别喜欢它穿插的那些历史背景和演奏技巧解析，这让我不仅仅是在“练习指头”，更是在“理解音乐”。比如，书中对某个特定时期复调音乐的处理方式，讲解得深入浅出，让我对巴赫的赋格有了全新的认识。那种醍醐灌顶的感觉，是你在任何其他普通教材中都难以获得的。而且，这本书的排版设计也十分人性化，乐谱清晰易读，留白得当，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。我已经迫不及待地想把书中的练习曲目都攻克下来，期待着在舞台上展现学习的成果。这本书带来的不仅仅是技能的提升，更是一种对音乐艺术更深层次的尊重和热爱。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有多年演奏经验的音乐爱好者，我深知一本好的教材对于突破瓶颈有多么关键。以往我总是在一些固定的练习中打转，技术上有所进步，但在音乐表现力和情感深度上总是欠缺那么一点火候。直到我翻开这本《XXX教程》，我才明白我过去缺失的是什么。它不仅仅是一本技术手册，更像是一位大师的私房教学笔记。书中对于某些高难度乐段的“处理建议”——注意，不是“弹法”，而是“处理建议”——简直是神来之笔。它引导我思考“为什么作曲家要这样写”，而不是简单地“怎么把音符弹对”。举个例子，在处理一段浪漫主义时期的慢板时，作者强调了气息的控制和音色的变化，这比单纯强调揉弦的力度要高明得多。我尝试按照书中的思路去演绎，效果立竿见影，原本平淡的旋律立刻焕发出了生命力。这种由内而外的提升，远比死记硬背音阶要来得扎实和持久。对于那些渴望从“演奏者”蜕变为“音乐诠释者”的同道中人，我强烈推荐这本书作为你的进阶指南。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我是一个对视觉体验要求很高的人。很多音乐书籍，内容再好，如果排版设计得像一本技术说明书，我都会敬而远之。然而，这本《XXX教程》在设计上绝对是教科书级别的典范。它的纸张质感非常棒，拿在手里沉甸甸的，有一种庄重感，让人自然而然地产生敬畏之心。更妙的是，乐谱的字体和记号都采用了高对比度的设计，即使在昏暗的练习室里，也能看得清清楚楚，这极大地减少了阅读错误。最让我惊喜的是，作者巧妙地将一些需要特别注意的技巧点，用不同颜色的插图或示意图进行了标注，这比纯文字描述有效率百倍。我尤其欣赏它在介绍不同乐器（或者乐器组合，如果适用）音色特点时的配图，那些细微的细节，能让人立刻抓住重点。这本书从里到外都透露着对艺术的尊重，它让你在学习的过程中，也能享受到一种审美上的愉悦。

评分☆☆☆☆☆

从一个初学者的角度来说，这本书的亲和力真是出乎意料地好。我当初拿起乐器时，面对五线谱就像看天书一样，感觉自己永远无法掌握乐理和演奏的奥秘。很多教程上来就是一大段枯燥的乐理概念，让人望而却步。但这本《XXX教程》的处理方式简直是“润物细无声”。它不是把乐理知识堆砌起来让你死记硬背，而是将它们巧妙地融入到每一个练习曲中。比如，当它引入一个三和弦时，会立刻安排一个简单的、听起来悦耳的练习，让你在弹奏中自然而然地感受到和声的美妙，而不是去背诵“根音、三音、五音”的定义。这种“体验式学习”的模式，极大地激发了我的学习热情。更重要的是，它对初学者容易犯的错误做了详尽的预警和纠正指导，让我少走了很多弯路。现在，我不仅能勉强弹出旋律，还能稍微分辨出音乐的“好听”与“难听”的区别了，这在以前是完全不敢想象的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值远超其标价，尤其对于那些致力于教学或深入研究的音乐工作者来说，它简直是一份宝库。我发现它在理论深度上做到了极高的平衡——既能满足普通爱好者的日常需求，又能为专业人士提供深入的探讨视角。书中对演奏法中那些“模糊地带”的处理，有着非常明确且富有逻辑性的论述。例如，关于某个特定时期乐器演奏法演变的考证，作者引用了多方史料进行比对，这在一般的教学参考书中是极其罕见的。这表明作者不仅仅是一个演奏家，更是一个严谨的音乐学者。我个人最受启发的是其中关于“气息与乐句连贯性”的章节，它提供了一套完整的、可操作的训练体系，帮助演奏者突破肢体限制，真正用“音乐的呼吸”来驱动演奏。这本书的学术严谨性和实践指导性达到了完美的统一，是值得我长期珍藏并反复研读的经典之作。