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• 西南师范大学出版社
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562162148

商品编码：29867660799

丛书名： 新编音乐高考丛书 乐理

出版时间：2013-07-01

作者介绍

 

暂无介绍

 

目录

 

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前言

第-部分 音乐高考乐理的基本内容及重难点

一、考试基本内容分析

二、考试重点分析

三、考试难点分析

四、考试题型分析

第二部分 乐理基本内容及练习

第-章 音、音律

第二章 乐音体系与五线谱

第三章 音符、休止符、增长时值的记号

第四章 节奏、节拍

第五章 装饰音和常用记号

第六章 音程

第七章 和弦

第八章 调与调号

第九章 调式、调性分析

第十章 调式中的音程与和弦

第十一章 调性的远近关系、转调与移调

第三部分 综合练习

一、思考题

二、书写题

第四部分 模拟考题

模拟考题一

模拟考题二

模拟考题三

模拟考题四

模拟考题五

模拟考题六

模拟考题七

 

 

 

内容提要

 

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《乐理/新编音乐高考丛书》由汪高原、张性魁、贾方爵主编，从音乐高考之乐理考试的要求及常见 问题分析入手，引导学生从基本 内容、基本练习、重点难点、考试方法分析、综合练习、高考试题分析等几个方面 循序渐进地进行系统的学习。《乐理/新编音乐高考 丛书》适合音乐高考考生。

 

音乐的殿堂：古典音乐鉴赏与实践指南 作者：李明，王芳，张伟 出版社：高等教育出版社 字数：约1500字 --- 前言：通往音乐世界的钥匙 音乐，是人类情感最直接、最深刻的表达方式之一。它超越了语言的界限，触动着我们内心最柔软的部分。然而，对于许多初涉音乐领域的人来说，面对浩瀚的古典音乐史和复杂的音乐术语，常常感到无从下手。《音乐的殿堂：古典音乐鉴赏与实践指南》正是为这座宏伟的殿堂绘制的一张详尽的地图。本书旨在为广大音乐爱好者、音乐专业学生以及希望提升艺术素养的读者，提供一套系统、深入且极富实践性的学习路径。我们相信，真正的欣赏源于理解，而理解则需要可靠的引导。 本书摒弃了晦涩难懂的学术腔调，力求以生动、清晰的笔触，将复杂的音乐理论与丰富的历史背景相结合，构建起一座坚实的知识桥梁。 第一部分：音乐的基石——理论基础的夯实 本部分聚焦于理解音乐的“语法”和“词汇”。我们深知，没有坚实的理论基础，对音乐的深度欣赏将如同空中楼阁。 第一章：音与律的奥秘 本章将从最基本的听觉现象出发，系统阐述音高、音色、音量这三大要素的物理基础与听觉感知。我们将详细解析十二平均律的形成及其在西方音乐中的主导地位，并对比中国传统音乐的律制体系，帮助读者建立广阔的音乐视野。重点讲解唱名、音名、固定唱名与相对唱名的区别与应用，并通过大量听觉练习（如辨别纯四度、大三度等基本音程）来训练读者的“耳朵”。 第二章：节奏的脉动与节拍的骨架 节奏是音乐的生命力所在。本章深入剖析节奏的构成要素：节拍、小节、拍号。我们将用清晰的图示和丰富的实例，区分复合拍子与简单拍子，并探讨切分音在不同音乐风格（从巴洛克到爵士乐）中如何创造出律动感和张力。理论部分辅以节奏模唱训练，确保读者不仅“知道”如何记谱，更能“听出”其内涵。 第三章：旋律与和声的对话 旋律是音乐的“歌唱性”，和声则是支撑旋律的“色彩”。本章系统讲解大小调体系的构建原理，介绍音阶、调式的基本概念。随后，我们进入和声的世界，从最基础的三和弦（大、小、增、减）开始，逐步讲解七和弦的构成与功能。特别强调和声进行的逻辑性与情感导向，例如V-I的解决感，以及副属和弦在色彩变化中的作用。本书配有大量乐谱片段，直观展示和声如何在不同的作曲家手中服务于音乐表达。 第四章：曲式的结构美学 曲式是音乐的建筑蓝图。本章剖析了西方音乐中几种核心的结构形式：呈示部-发展部-再现部的奏鸣曲式结构，主题与变奏的内在逻辑，以及回旋曲式的循环往复之美。通过分析海顿、莫扎特、贝多芬等大师作品中同一曲式的不同处理方式，读者将领悟到结构与自由表达之间的精妙平衡。 第二部分：历史的洪流——西方音乐史脉络梳理 了解音乐的背景，才能真正理解其意义。本部分以时间为轴线，串联起西方音乐自中世纪以来的主要发展阶段，重点突出各个时期音乐风格的转折点和代表人物。 第五章：中世纪与文艺复兴：信仰与人性的回归 追溯至格里高利圣咏，探讨复调音乐的萌芽。重点分析文艺复兴时期人文主义思潮对音乐的影响，特别是经文歌与弥撒曲的风格演变，以及鲁特琴音乐等世俗音乐的兴起。 第六章：巴洛克时代：对位法的辉煌与情感的装饰 巴洛克时期是音乐“技艺”的巅峰。本章详尽解析巴赫的对位艺术，特别是赋格曲的结构原理。同时，介绍协奏曲（特别是大协奏曲）的发展，以及歌剧艺术在蒙特威尔第手中如何确立其戏剧地位。读者将学会如何听出巴洛克音乐中那种严谨而又充满激情的“动势”。 第七章：古典主义：清晰、平衡与普世价值 古典乐派强调清晰的结构、平衡的比例和旋律的完美。本章重点分析奏鸣曲式如何在海顿和莫扎特手中臻于成熟，以及交响曲如何确立为最宏大的音乐体裁。同时，探讨钢琴奏鸣曲在这一时期的重要性。 第八章：浪漫主义：个人情感的无限张扬 本章探讨工业革命和民族主义思潮对音乐的影响。我们将分析李斯特的交响诗如何打破传统曲式，肖邦的作品如何将钢琴的诗意发挥到极致，以及瓦格纳的“总体艺术作品”理念如何挑战传统歌剧的界限。重点区分“主观性”与“客观性”在音乐中的体现。 第九章：20世纪至今：多元的探索与边界的拓展 这是一个充满实验与冲突的时代。本章涵盖印象主义（德彪西）、表现主义（勋伯格的无调性）、新古典主义的回溯，以及斯特拉文斯基节奏的革命性。最后，简要介绍当代音乐中电子音乐、简约主义等新兴流派，引导读者以开放的心态面对现代音乐。 第三部分：实践与鉴赏——如何“听懂”音乐 理论和历史最终都要落到实际的聆听体验上。本部分提供实用的鉴赏工具箱。 第十章：体裁的识别与赏析 系统介绍主要音乐体裁的特点：交响曲、协奏曲、室内乐（四重奏、三重奏）、歌剧、清唱剧。每种体裁都配有明确的结构图示和推荐的入门曲目，指导听众在聆听时关注其核心要素（如交响曲中乐章的安排，室内乐中各声部的对话）。 第十一章：演奏者的视角 理解不同乐器的音色特点和演奏技法，是提升鉴赏力的关键。本章介绍管弦乐队中主要声部（弦乐、木管、铜管、打击乐）的特性，并探讨独奏乐器（钢琴、小提琴）的演奏技巧如何影响音乐的最终呈现。 第十二章：主动聆听的技巧 本书的最终目标是培养读者的“主动聆听”能力。本章提供一套分层聆听方法：第一层（感性接触）关注整体情绪和旋律，第二层（结构把握）尝试辨认主题的再现与发展，第三层（细节分析）关注配器色彩和和声变化。 结语：音乐，永无止境的旅程 本书提供了一套完整而扎实的知识框架，但音乐的魅力在于其无限的可探索性。我们诚挚希望，读者能带着这些工具，走向更广阔的音乐世界，让《音乐的殿堂》成为您终生相伴的伙伴。真正的学习始于放下书本，打开音响的那一刻。 --- （全书配有大量精选的乐谱摘录、历史图片和二维码链接，指向推荐的示范性音频片段，以实现理论与实践的完美结合。）

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和视觉呈现也值得称赞，在这个越来越注重用户体验的时代，一本技术性强的教材如果排版混乱，阅读体验会直线下降。《乐理》在这方面做得相当出色。纸张的质感厚实适中，印刷清晰，谱例的绘制尤其精良，无论是五线谱还是简谱，线条都干净利落，没有一丝模糊不清的情况，这对于需要精确识别音符和时值的学习者来说至关重要。而且，书中对复杂乐理概念的图示说明，比如声部进行图、和弦结构分解图等，都采用了简洁明了的图形语言，甚至比文字描述更直观。我记得有一次，我被一个复杂的转调进行卡住了，翻阅了好几页的文字说明都觉得云里雾里，结果看到书中对应的图示时，那种“豁然开朗”的感觉至今难忘。这种对细节的关注，体现了编者对读者学习过程的深度关怀，让枯燥的理论学习也变成了一种相对愉悦的体验，读起来让人心平气和，更容易沉浸其中。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前尝试过几本市面上流行的乐理参考书，但很多都像是把百科全书式的知识点硬塞进来，读起来总觉得气喘吁吁，消化不良。但《乐理》这本书给我的感觉完全不同，它更像是一位经验丰富的老师，耐心地牵着你的手，一步一步走过知识的迷宫。我发现这本书的逻辑结构安排得极其严谨，知识点的铺陈就像搭建一座精密的钟表结构，每一个齿轮都咬合得天衣无缝。比如，当讲到和弦连接时，它不会孤立地讨论三和弦，而是会立刻联系到前一个章节讲过的调性关系和功能和声，让你时刻保持宏观的视角。这种“关联式教学”真的非常高效，避免了知识点碎片化的问题。最让我印象深刻的是，它对一些历史演变和不同音乐风格中乐理实践差异的探讨，虽然篇幅不多，但点到为止，却极大地拓宽了我的视野，让我明白乐理并非一成不变的教条，而是在音乐实践中不断发展的工具。读这本书的过程，与其说是学习规则，不如说是理解音乐背后的思维方式，每次合上书本，我都能感受到自己对音乐的“听觉”和“分析能力”都有了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，对于一本学术性的工具书而言，我们通常不会用“引人入胜”来形容它，但《乐理》这本书却在“严谨”与“易读”之间找到了一个绝佳的平衡点。它的语言风格是那种沉稳、客观的学术叙述，但字里行间又透露着一种对音乐结构美学的深刻洞察。它不像某些西方引进教材那样，在翻译腔调的约束下显得生硬难懂，这本书的中文表达流畅自然，学术用语的转换也非常到位，读起来非常“顺口”。我特别留意了作者在处理一些模棱两可的乐理争议点时的态度——他们没有一味地给出标准答案，而是会客观地陈述不同学派的观点，引导读者去思考，去形成自己的判断。这种鼓励批判性思维的教学方法，远远超出了“知识传递”的范畴，它教会我们如何带着审视和探究的眼光去看待音乐现象，这对于培养一个真正有思想的音乐人来说，价值不可估量。最终，它不仅是一本教你“怎么做”的书，更是一本让你明白“为什么”的书。

评分☆☆☆☆☆

从使用者的角度来看，这本书的适用范围非常广，这可能也是它的一大优点。我身边有学习古典音乐理论的朋友，也有专注于流行音乐编曲和制作的伙伴，大家发现这本书里的核心框架都能提供足够的支持。它在基础的“硬核”乐理部分讲解得足够深入和严谨，完全可以作为音乐学院学生的标准教材；但同时，它在涉及到一些更具操作性的内容时，比如转位和弦的实际运用、装饰音的写法等，又提供了非常实用的技巧和案例，这对于自学者或者希望提升实践能力的音乐人来说，无疑是极大的帮助。我个人最喜欢它在分析范例上的选择，那些选取的片段既具有代表性，又不会过于晦涩难懂，让人在学习理论的同时，能够立刻在脑海中联想到真实的音乐场景。可以说，这本书提供了一个坚实的理论基石，让你在未来无论选择哪种音乐方向深耕，都能有足够的底气去探索和创新。

评分☆☆☆☆☆

这本《乐理》的教材，我拿到手里的时候，首先映入眼帘的就是它那朴实无华的封面设计，一看就知道是面向专业学习者的实用工具书，没有太多花哨的装饰，直奔主题。我记得我当时是抱着一种既期待又有点忐忑的心情翻开第一页的，毕竟乐理知识体系庞大，很多教材讲得过于枯燥或者跳跃性太强，让人望而却步。然而，这本书在基础概念的引入上处理得非常巧妙，它没有一上来就抛出复杂的和声进行或者曲式分析，而是从最基本的音高、节奏、节拍这些“砖块”开始，用非常清晰的图示和详尽的文字进行剖析。特别是对于一些容易混淆的乐理术语，比如大小调的特性、调式转换的原理，作者似乎非常理解初学者的难点，总能找到一个恰当的比喻或者一个生活化的例子来辅助理解，使得原本抽象的理论变得触手可及。我尤其欣赏它在练习题设计上的循序渐进，每一章节后的习题都不是简单的机械重复，而是层层递进，从基础的辨识练习到稍微复杂的旋律构建，都在潜移默化中巩固了我们对前面知识点的掌握程度。读完前几章，我就感觉自己对音乐的“语法”有了更扎实、更系统的认识，为后续更深入的学习打下了坚实的基础。