古筝演奏技巧山东筝演奏技法（3VCD附配套曲谱）曲集 郭雪君音乐学概论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040168051

商品编码：29867342776

丛书名： 音乐学概论

出版时间：2006-08-01

• 商品尺寸: 14.4 x 12.4 x 1.2 cm
• 商品重量: 141 g
• 外文名: 
• VCD (2011年4月8日)
• 碟数: 3
• 格式: 套装
• 出版社: 南京音像出版社
• 发行公司: 南京先恒音乐唱片有限公司
• ISBN: 9787884211845
• 条形码: 9787884211845

 

流传地域 定弦和演奏形式 
01—02 凤翔歌 
03 演奏特点和艺术风格 
04 源自山东琴书音乐的筝曲 
05—06 天下同 
07—08 大八板 
09 由碰八板演变而来的筝曲 
10—11 汉宫秋月 

第二片
01—02 莺啭黄鹂 
03—04 鸿雁夜啼 
套连奏曲 
05—06 高山流水 
07—08 四段锦 

第三片
古韵新曲 
01—02 渔舟唱晚 
03—04 庆丰年 
05—06 丰收锣鼓

《古筝传统流派演奏技法5：山东筝演奏技法》古筝是一件民间乐器，民俗之乐，他的民间性决定了他会根据流行地域的不同，融合各地区的民歌、地方戏曲、说唱音乐和地方乐种等民间音乐，形成以不同音韵特点和独特演奏技法为特点的地方流派。水的运动叫流，水的分流称派。有着几千年历史，同源共祖的古筝，在漫长的历史过程中，有如水流分布各地，形成了各个流派，成为中国艺术宝库中光彩夺目的瑰宝。从整体音乐风格来看，一方面各地域筝曲在旋律、音阶、调式方面各有不同；另一方面，由于筝曲的地域性差异与音乐环境的不同，使各地域的筝曲带有显著的地方性特征。

主讲：郭雪君，古筝教育家、演奏家。上海音乐学院民乐系古筝专业副教授。长期以来致力于古筝的演奏和教学工作，培养了大量的古筝专业人才。学生多人、多次在大赛中获奖。著有《古筝考级教材》、《青少年学古筝》等专著。多次举办个人独奏音乐会，在海内外出版的个人专集、激光唱片有《高山流水》、《寒鸦戏水》、《杨柳春风》等。

音乐的殿堂：探寻古典与现代的交响 本书集结了多位音乐领域重量级学者的研究成果与实践经验，旨在为音乐爱好者、专业学生以及广大音乐工作者提供一份全面、深入、且富有启发性的音乐学指南。它并非仅仅停留在对既有音乐现象的记录与分析，更致力于剖析音乐作为一种人类文化现象的底层逻辑、历史演变及其在当代社会中的生命力。全书分为“音乐本体论与美学思潮”、“西方音乐史与风格演变”、“中国传统音乐的深度解析”以及“当代音乐实践与跨文化研究”四大核心板块，结构严谨，内容翔实。 第一部分：音乐本体论与美学思潮 本部分着重探讨音乐的本质属性、构成要素及其引发的人类审美体验。 一、音乐的本质与结构： 首先，本书细致考察了音乐语言的构成要素——音高、节奏、节拍、旋律、和声与音色。不同于机械的物理学描述，此处强调的是这些要素如何通过人类的感知与情感系统被组织起来，形成具有意义的听觉结构。例如，对“旋律进行中的张力与解决”的分析，不仅仅停留在音程关系的罗列，而是深入探讨了听众在预期与实现之间产生的心理波动。 二、音乐美学思潮的流变： 从古希腊的“和谐论”（Pythagoreanism）与“乐教”思想，到启蒙运动时期对音乐“情感表达”的强调，再到浪漫主义时期“无限性”与“绝对音乐”的辩证关系。书中特别设置了一章，对比了康德的先验美学判断与黑格尔的艺术精神体现，试图说明美学观念如何塑造了特定历史时期内的音乐创作规范与接受模式。 三、符号学与阐释学在音乐中的应用： 探讨音乐是否能被视为一种“语言”。书中引入索绪尔的符号学理论，分析音符、记号、演奏指示等如何构成音乐的“能指”与“所指”。同时，借鉴伽达默尔的阐释学，讨论听众在不同文化背景和个人经验下，如何对同一部作品产生多元且动态的理解，从而揭示了音乐意义生成的复杂性。 第二部分：西方音乐史与风格演变 本部分按时间脉络梳理了西方音乐从早期宗教音乐到二十世纪后现代主义的漫长历程，重点突出关键转折点及其背后的社会文化驱动力。 一、中世纪与文艺复兴的奠基： 详述了格里高利圣咏的单音音乐特征，以及复调音乐（如奥尔加农）的出现如何标志着对声音空间感的初步探索。文艺复兴时期，对人文主义的回归使得音乐更加注重文本的清晰表达，以及合唱技巧的精湛化，特别分析了帕莱斯特里那风格的典范意义。 二、巴洛克与古典主义的结构革命： 巴洛克时期，是“风格固定化”的时代，确立了大小调体系与巴赫的对位法集大成。书中对巴赫《平均律钢琴曲集》的结构逻辑进行了细致入微的剖析。古典主义则致力于“清晰、平衡与比例”，奏鸣曲式成为统领一切的建筑蓝图。海顿的交响曲如何成为结构哲学的典范，莫扎特在歌剧中的人性洞察，以及贝多芬如何以个人意志突破古典规范，是本章的重中之重。 三、浪漫主义的个体爆发与晚期张力： 浪漫主义将音乐从服务于外部世界转向表达“主体内在的无限情感”。舒伯特、肖邦、李斯特等人的作品，展现了对标题音乐、艺术歌曲和炫技演奏的推崇。进入十九世纪末，瓦格纳的“总体艺术作品”概念对传统形式的颠覆，以及德彪西对印象主义声响的捕捉，预示着调性系统的危机。 四、二十世纪的破碎与重塑： 深入探讨了勋伯格的无调性、十二音体系的理性构建，以及斯特拉文斯基对原始节奏的回归。此外，本书还特别关注了序列音乐（如布列顿）的精密计算，与机会音乐（如凯奇）对“偶然性”的哲学拥抱之间的巨大张力，展现了现代音乐对“何为音乐”的根本性追问。 第三部分：中国传统音乐的深度解析 本部分聚焦于植根于中国文化土壤的独特音乐形态，强调其与哲学、礼仪、戏曲的紧密关联。 一、理论基础与五声音阶的哲学内涵： 考察中国传统音乐的“宫、商、角、徵、羽”五音体系，探讨其如何对应五行学说与儒家伦理。与西方十二平均律的数学精确性不同，传统音乐的“律制”更注重音律的“可变性”与“情感调试”，书中对“十二平均律与中国传统乐律的调校差异”进行了专题性对比研究。 二、文人音乐与士大夫情怀： 重点分析古琴音乐的审美取向。琴曲的“散板”结构、吟猱绰注的精微处理，体现了“言不尽意，意在言外”的东方美学。书中收录了对《流水》、《广陵散》等标志性曲目的演奏风格流变考证。 三、戏曲音乐的综合艺术特征： 以京剧、昆曲为例，解析声腔、板式、伴奏乐器的协同作用。戏曲音乐是叙事、表演、唱腔的高度统一体，本书剖析了“韵白”与“板式转换”在推动戏剧冲突中的核心作用，以及锣鼓点（武场）的节奏逻辑与情绪渲染力。 四、民族管弦乐的现代发展： 探讨二十世纪以来，中国作曲家如何将传统民间素材与西方管弦乐队技术相结合，创造出民族管弦乐这一全新体裁。分析了如《春江花月夜》等作品中，如何运用传统乐器的音色特点来描绘意境，实现“中西合璧”的成功范例。 第四部分：当代音乐实践与跨文化研究 最后一部分将视野投向全球化背景下的音乐新现象与前沿议题。 一、流行音乐的社会学解读： 从摇滚乐的社会反叛到嘻哈（Hip-Hop）音乐的城市叙事，探讨流行音乐如何成为特定代际和社群身份认同的载体。分析了数字技术（采样、合成器）对音乐创作流程和听觉经验的根本性改变。 二、音乐治疗与神经科学的交叉领域： 介绍音乐在心理康复、认知增强中的应用。通过对脑电波（EEG）研究的引用，阐释音乐如何激活特定的神经通路，以及节奏与情绪调节之间的生理机制。 三、音乐的全球化与在地化： 研究世界音乐（World Music）浪潮下，文化元素的跨界流动与融合。探讨不同地域的音乐传统（如非洲的复节奏、印度的拉格体系）如何被当代音乐家吸收、转译，以及在这一过程中可能面临的“文化挪用”与“真实性”的伦理问题。 本书的编写风格力求学术的严谨性与表达的清晰性相结合，通过大量的音乐实例分析（非限于任何特定乐器或流派），为读者构建一个立体、多维的音乐世界观。它不仅是知识的传授，更是一场引领听觉与思维进入更深层次探索的旅程。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本以为这是一本非常严肃的学术专著，但在阅读“音乐学概论”这部分内容时，我发现作者的笔触非常灵活且富有洞察力。它不像其他概论那样，只是机械地罗列音乐史上的主要流派和作曲家，而是探讨了音乐现象背后的社会、哲学和美学根源。例如，作者对“旋律的结构性美感”的分析，结合了心理学和认知科学的视角，让我对旋律的构成有了更深层次的理解，不再是单纯的“好听不好听”的概念。这种跨学科的视野，极大地拓宽了我对音乐的认知边界。而且，书中的案例选择非常丰富，从西方古典音乐到民族音乐都有所涉猎，这种包容性和开放性，让我这个既喜欢古典又热爱民乐的学习者受益匪浅。它成功地将宏大的音乐史脉络与微观的音乐元素分析巧妙地结合在一起，构建了一个完整而立体的音乐认知体系。

评分☆☆☆☆☆

这套资料的实用性和完整性是它最大的亮点。三张VCD，一张侧重基础技法和山东风格示范，另外两张则专注于配套曲目的精讲，这样的配置非常高效。我尤其喜欢VCD中收录的那些高清演奏画面，光影的运用和乐器细节的捕捉都非常到位，让人仿佛置身于录音棚或音乐厅之中。配套的曲谱质量也极其可靠，排版清晰、易于阅读，即便是复杂的装饰音和指法变化，也能一目了然。我过去常常为了找一套既有深入理论讲解，又有高质量实践指导的资料而东奔西跑，现在看来，这套书曲集基本上涵盖了我目前学习和提升所需的所有核心要素。它不仅是演奏者的工具书，对于音乐教育工作者或者想要深入了解中国民族音乐体系的人来说，也是一本不可多得的宝贵参考资料，其知识的深度和广度都远超我的预期。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的古筝爱好者，我一直在寻找能够系统提升演奏水平的资料，市面上那些零散的教材和曲集常常让人感到无从下手。当得知这套资源包含VCD和配套曲谱时，我简直欣喜若狂。影像资料的直观性是任何文字都无法替代的，尤其是对于像古筝这样讲究手型、指法和气息控制的乐器来说。郭雪君老师在演奏示范中的每一个细节，从“上”、“下”、“摇”、“撮”的力度变化，到“滑”、“揉”、“吟”的细腻处理，都展现出极高的专业水准和深厚的文化底蕴。我特意将VCD中的片段与配套的五线谱和简谱进行对照学习，发现书中的标记非常精确，几乎可以还原现场教学的场景。更棒的是，配套的曲集选择得非常巧妙，涵盖了不同风格和难度的作品，既有展现山东筝派独特韵味的经典曲目，也有一些有助于技法全面发展的练习曲。这种视听结合、理论与实践并重的学习方式，让我感觉自己的练习不再是盲目的摸索，而是有了清晰的方向和可见的进步。

评分☆☆☆☆☆

我对山东筝派那种厚重、大气、充满叙事感的演奏风格情有独钟，但一直苦于找不到真正权威和深入的教材来系统学习其核心技法。这本书的“山东筝演奏技法”部分，简直是为我量身定做的宝藏。它没有停留在表面的指法介绍，而是深入挖掘了山东筝派在音色处理、节奏处理以及情感表达上的独特哲学。书中详细解析了“上”、“按”、“颤”等关键技法的历史渊源和地域差异，这一点让我感到非常震撼。它让我明白，我们所弹奏的每一个音符，背后都承载着一方水土的文化记忆。通过对VCD中演奏片段的反复观摩和模仿，我开始尝试在自己的演奏中注入那种特有的“金石之声”和“娓娓道来”的叙事感。曲谱的编排也体现了对山东筝派传承的尊重，许多老一辈音乐家偏爱的曲目被收录其中，这对于保护和发扬这一优秀传统是非常有意义的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就很有吸引力，那种传统与现代交织的美感，让人忍不住想翻开它了解一番。我一直对音乐理论抱有浓厚的兴趣，但总觉得一些教材过于枯燥晦涩，难以真正领会其精髓。这本书的出现，仿佛为我打开了一扇新的窗户。它没有那种高高在上、拒人于千里之外的学术腔调，而是用一种非常平易近人的方式，带领读者探索音乐世界的奥秘。特别是那些关于和声学和曲式分析的部分，作者的讲解深入浅出，即便是初学者也能迅速抓住重点，建立起系统的知识框架。我特别欣赏其中穿插的许多历史典故和名家轶事，这些内容让原本抽象的理论变得鲜活起来，仿佛能听到那些伟大的音乐家们在耳边低语，分享他们的创作心得。阅读的过程中，我多次停下来反复揣摩那些图示和表格，它们清晰地勾勒出复杂的概念脉络，极大地提升了我的学习效率。这本书不仅仅是知识的堆砌，更像是一次心灵的对话，引导我们去感受音乐背后的情感与人文精神。