北京铜管五重奏团 北京铜管五重奏团名曲演奏欣赏专辑民乐1CD pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301242858

商品编码：29867341443

丛书名： 中国音乐剧曲集(男声卷)

开本：16开

出版时间：2014-07-01

01 号角
02 坎·佐娜
03 谐谑曲
04 旋律
05 军民大生产
06 朱比特
07 《威廉·退尔》序曲
08 两只老虎
09 布谷鸟
10 小号摇篮曲
11 开普敦一日
12 复兴舞曲Ⅰ
13 圣诞组曲
14 瑞士小曲
15 水上音乐
16 印象
17 加利亚德舞曲
18 复兴舞曲Ⅴ
19 托卡塔
20 小序曲
21 欢乐颂

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《丝竹雅韵：中国传统器乐的传承与创新》 引言：千年文脉，一曲和鸣 本书旨在深入探讨中国传统器乐的博大精深，追溯其源远流长的历史脉络，梳理不同乐器群体的艺术特色，并着重展现当代音乐家们在继承传统精髓的同时，如何以创新的姿态激活古老乐谱的生命力。我们聚焦于那些在历史长河中沉淀下来的声音形态——从宫廷雅乐的庄重肃穆，到民间曲艺的活泼灵动，再到文人音乐的清幽淡远。 本书并非对某一特定演奏团体的作品集进行介绍或赏析，而是力求构建一个宏观的知识体系，让读者得以一窥中国器乐艺术的广阔图景。我们将从乐器学的角度，细致剖析二胡、古筝、琵琶、笛子、唢呐、古琴等核心乐器的形制、音色特点及其在不同音乐语境中的表现力。 第一章：历史的音阶：中国器乐的起源与演变 本章将追溯中国器乐的历史源头，从先秦时期的编钟、编磬，到汉代的竽、篪，再到唐宋时期燕乐（宫廷音乐）的繁盛与精致。我们不会涉及现代西方管乐合奏的特定曲目，而是侧重于早期合奏形式的特点，例如雅乐中的金石丝竹的组合规则。 早期形态与功能： 探讨礼乐制度对早期器乐发展的影响，分析不同乐器在祭祀、朝会中的象征意义。 唐宋变革： 考察丝竹乐器（如琵琶、筚篥）在吸收外来文化后，如何融入本土音乐体系，形成新的乐部结构。 文人音乐的兴起： 重点解析古琴（七弦琴）作为“士大夫之乐”的独特地位，探讨其在审美趣味上的“清、微、淡、远”。 第二章：丝竹流芳：主要乐器的体系化考察 本章将对中国器乐中的主要组成部分进行分类介绍，旨在提供一种超越具体演奏版本的乐器知识框架。 1. 弹拨乐器群（以丝弦为主）： 琵琶的“文武”之道： 探讨琵琶从曲项到直项的发展历程，分析其在文曲中的细腻吟揉与武曲中的刚劲扫弦技巧。 古筝的广阔音域： 考察筝体结构的变化，及其在不同流派（如河南筝、潮州筝）中对音色的处理差异。 古琴的“减字谱”解读： 深入研究古琴独特的记谱法，揭示其背后蕴含的哲学思考。 2. 拉弦乐器群（以弓弦为主）： 二胡的“人声化”表达： 分析二胡琴筒、琴皮材质对音色的决定性影响，以及其如何通过“揉、滑、吟、颤”等技法模仿人类情感的微妙波动。 板胡与京胡的地域特色： 侧重介绍北方高腔乐器在高亢、明亮音色上的追求，与二胡的内敛形成对比。 3. 吹管乐器群（以竹制为主）： 笛子的“气韵生动”： 探讨横笛（特别是南方的曲笛与北方的梆笛）在指法和气息控制上的精妙之处，以及膜音的使用技巧。 唢呐的穿透力与表现力： 分析唢呐双簧哨片的结构特点，及其在民间庆典和戏曲伴奏中的重要角色。 4. 打击乐器群： 简述锣、鼓、钹在构建音乐节奏骨架中的作用，尤其是在戏曲和说唱音乐中的“场面”配置。 第三章：地域风物：中国器乐的流派与地域性风格 中国器乐的生命力在于其深深扎根于广袤的地域文化之中。本章将以区域划分，展现不同地域音乐在旋律、节奏和配器上的显著差异，而非聚焦于任何一个特定团体的曲目风格。 江南丝竹的温婉秀丽： 分析其“以和为美”的艺术追求，节奏的细腻处理和丰富的装饰音。 四川音乐的醇厚热烈： 考察竹笛、高胡等乐器在当地音乐中呈现出的洒脱与幽默感。 北方戏曲音乐的刚劲有力： 以秦腔、河北梆子等音乐的器乐元素为例，探讨其对器乐配器（如大锣、板鼓）的特殊要求。 云南少数民族音乐的异域情调： 简述芦笙、象脚鼓等特色乐器如何构筑出独特的民族音乐语汇。 第四章：与时俱进：当代器乐的创新与发展趋势 继承并非僵化复古，创新才是器乐艺术得以延续的动力。本章将探讨当代作曲家和演奏家们在保持民族身份认同的前提下，如何进行艺术探索。 民族管弦乐队的构建： 分析上世纪中叶以来，中国民族管弦乐队在西方交响乐结构（如弦乐组、木管组、铜管组的划分）影响下，进行的规模化、体系化重构。这包括对原有乐器音域的扩展和新配器的尝试，例如如何运用大量弹拨乐器来模拟和声色彩。 跨界融合的探索： 讨论传统乐器与电子音乐、爵士乐等西方音乐元素的对话，关键在于如何使融合后的声音既有现代感，又不失中国音乐的核心神韵。 教育体系的反思： 探讨当前民族音乐教育在普及化和专业化方面所面临的挑战与机遇。 结论：声音的未来与永恒的对话 中国器乐艺术，如同奔腾不息的黄河，其源头深远，分支遍布神州大地。本书试图提供一个多维度的观察视角，引导读者超越对单张唱片或某一组乐器的片面理解，转而欣赏这一艺术门类背后所蕴含的文化张力、技术深度和人文关怀。我们相信，只有深入理解其根基，才能更好地聆听和期待它未来的每一次振翅高飞。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选曲跨度非常令人惊喜，它成功地将严肃音乐与一些更具娱乐性和展示性的曲目进行了完美的平衡。我尤其欣赏其中收录的几首改编自传统民间音乐或进行曲的作品。这些曲目往往对铜管五重奏的音色融合提出了截然不同的要求，它不再是纯粹的对位或和声的演绎，而是考验乐团对“节奏律动感”的集体把握能力。例如，在处理一首改编自进行曲的作品时，你必须让小号和长号发出那种坚实、如同脚步般精确的“推力感”，而圆号则要提供恰到好处的“烘托”而非“掩盖”。这种对风格的快速切换能力，正是优秀铜管乐团的标志。书中附带的试听光盘（如果包含的话，这里我假设它包含了一个高质量的演示音频）的音质也无可挑剔，清晰地展现了每一种乐器在不同曲目中的音色特质，无论是圆号的厚重，还是大号的深沉，都得到了完美的还原。这套专辑的价值，就在于它提供了一个全方位的学习资源——从理论分析到演奏实践，再到最终的听觉鉴赏，形成了一个完整的闭环，对于提升整个铜管五重奏团的综合艺术水平，大有裨益。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我对这本书的封面设计和装帧工艺给予高度评价。在这个数码时代，实体书的质感显得尤为重要，而这本专辑在视觉和触觉上都做到了极致。纸张的选择偏向于哑光质感，有效避免了在灯光下阅读时出现的反光问题，长时间对着谱子练习眼睛也不会过于疲劳。装帧设计上，采用了平摊式的骑马钉装订（或者是非常坚固的胶装，可以完全平铺），这一点对于演奏者来说至关重要——谁也不想在激昂的演奏过程中，谱子自己合上。更值得称道的是，内页的五线谱印刷清晰度极高，即便是最小的十六分音符和装饰音记号，其线条边缘也锐利分明，没有任何模糊的“墨点”现象，这在很多廉价出版物中是无法保证的。对于铜管乐器来说，快速阅读复杂的节奏型非常依赖于谱面的清晰度，这本书显然是将专业演奏者的实际需求放在了首位。可以说，光是看着这本制作精良的乐谱，就能激发人想要拿起乐器，投入到练习中的热情。这种对“工匠精神”的体现，是衡量一本音乐教材或演奏资料专业性的重要标尺。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对“名曲演奏欣赏专辑”这种标题持保留态度的，总觉得里面装的无非是一些老生常谈的、被过度演绎的套路化曲目。然而，当我深入阅读这本专辑的导言部分时，我对编者的用心程度有了全新的认识。他们不仅仅是简单地罗列曲目，而是对每一首选曲的时代背景、作曲家的创作意图以及铜管五重奏改编的特殊意义进行了详尽的阐述。这种“带着背景知识去聆听”的方式，极大地提升了欣赏的深度。例如，在解析某首20世纪早期作品时，作者细致地对比了当时欧洲几大乐团对该作品的不同诠释版本，并分析了不同乐器制造商对音色纯净度的影响，这已经超出了普通乐谱的范畴，更像是一份细致的音乐史研究报告。特别是其中关于“吹奏法在不同历史时期的演变”那一章节，图文并茂地展示了活塞式和旋转式圆号在音色衔接上的差异，对于想要深入理解铜管乐器“呼吸”的演奏者来说，简直是打开了一扇新世界的大门。虽然内容信息密度极高，初读可能会略感吃力，但这种知识的累积性，绝对能让你的音乐品味实现质的飞跃。它要求你不仅要“会弹奏”，更要“会思考”。

评分☆☆☆☆☆

这次的购书体验，让我对铜管室内乐的魅力有了更直观的感受。这本书的精妙之处在于，它似乎在无形中构建了一个虚拟的演奏厅，将听众与演奏者之间的距离拉得无限近。特别欣赏其中对于“呼吸感”和“乐句的呼吸点”的标记处理。在很多管乐谱中，呼吸点常常是模棱两可的，但在这里，编者似乎设身处地地站在演奏者的角度，用非常精准的符号和批注，指明了哪里需要一个悠长的气息支撑，哪里又需要一个突然的停顿来强调戏剧性。这种对“时间感”的把握，是铜管乐区别于弦乐或键盘乐器的一个核心要素。比如，在演奏一些需要快速交替对位的段落时，谱子上清晰地标示了“气息交换”的时机，这极大地帮助了乐团成员之间的配合默契度，避免了因抢气而导致的节奏混乱。此外，书中对于力度记号（Dynamics）的处理也十分细致，不仅仅是简单的f、p，而是使用了如 subito fortissimo 这样的极端对比手法，这无疑是在挑战演奏者的控制极限，同时也为听众带来了巨大的听觉冲击力。这本书，与其说是一本曲集，不如说是一本高阶的室内乐“协作指南”。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本乐谱集，首先映入眼帘的是那细腻的排版和考究的用纸，让人忍不住想立刻上手试奏一番。曲目的选择上，显然是下了一番苦功的，既有古典音乐中那些脍炙人口的改编作品，也有一些更偏向现代室内乐的创新尝试。尤其是对于铜管五重奏这一编制的理解，编排者似乎有着深刻的洞察力，每一个声部的线条都处理得清晰而富有张力，即便是初学者也能从中感受到层次感。比如，其中几首巴洛克时期的赋格改编，那种对位法的精妙展现，让人不得不赞叹作者改编的功力，既保留了原曲的精神内核，又充分利用了铜管乐器独特的音色组合，使得原本可能显得沉闷的复调结构焕发出勃勃生机。试想，小号嘹亮的音色如同阳光穿透云层，圆号的温暖中音部则像是大地般坚实可靠，而大号低沉的根音支撑起整个建筑的骨架，长号则在其中巧妙地穿梭勾勒轮廓，这种听觉上的立体感，是单纯的钢琴演奏难以企及的。不过，对于一些技法要求较高的段落，比如需要极高爆发力和精准气息控制的乐句，对于业余爱好者来说可能需要花费大量时间去攻克，但正是这种挑战性，才使得最终的演奏成果更具价值和成就感。总而言之，这是一本值得铜管乐手珍藏，并能从中汲取无限演奏灵感的宝贵资料。