二胡使用手册 敦煌国乐系列丛书 艺术音乐教材 民族乐器 二胡基知识王国振主编 上海音乐出版社书籍 巨 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 上海音乐出版社
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552306521

商品编码：29867218284

丛书名： 二胡使用手册

出版时间：2014-10-01

 

• 书名:二胡使用手册
• 出版社：上海音乐出版社
• 版次：2014年10月第1版  印次2014年10月第1次印刷
• ISBN：9787552306521
• 商品页码：112
• 商品价格：20.00
• 商品开本：48开 （12*13.5cm）
• 商品重量：120g
• 商品用途：艺术音乐教材

 

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《丝竹和鸣：民族管弦乐的传承与创新》 一部深入探索中国民族管弦乐宏大历史脉络与前沿发展趋势的权威论著 内容提要： 本书并非聚焦于单一乐器——二胡的技法解析，而是以更宏观的视角，系统梳理了中国民族管弦乐团自诞生以来的发展轨迹、曲目创作的演变规律、演奏体系的规范构建，以及在当代全球音乐文化语境下面临的传承与创新挑战。全书分为七大部分，约五十余万字，涵盖了从晚清“西乐东渐”背景下的乐团雏形，到新中国成立后的专业化建设，再到改革开放后多元化探索的完整历程。它深入剖析了民族管弦乐在确立自身民族风格、借鉴西方交响乐体例、以及吸收世界音乐元素过程中的内在逻辑与思想碰撞。 第一部分：民族管弦乐的起源与早期探索（清末至民国初年） 本部分追溯了中国传统丝竹乐团向近代民族管弦乐队转型的历史必然性。重点探讨了以“迷津乐”、“中西合璧乐队”为代表的早期形态，分析了在传统戏曲音乐衰落与西方管弦乐体系冲击下，音乐家们如何初步尝试标准化乐器配置和记谱方式。详细介绍了早期重要乐团的组织结构与演出曲目，如中华交响乐团的前身，以及对传统民间曲牌的初步整理工作。这部分旨在说明，民族管弦乐的“规范化”是一个主动适应时代变迁的文化选择。 第二部分：专业化与体系构建：新中国时期的奠基（1949-1978） 新中国成立后，民族管弦乐迎来了制度化的发展阶段。本部分详尽论述了中央民族乐团、地方专业乐团的组建过程，以及在国家文化政策引导下，如何确立以“五声调式”为基础的民族管弦乐核心音响。重点分析了“民族管弦乐队十件套”的定型过程，包括各类拉弦乐器（如高胡、中胡、革胡的地位确立）、弹拨乐器的复兴（如琵琶、古筝的定型）、吹管乐器的改良（如唢呐、笛子的音域拓展）以及打击乐的规范化。同时，探讨了早期创作的“革命现实主义”主题如何影响了曲式结构和配器手法。 第三部分：配器法的理论与实践：声部构建的艺术 本部分是全书的理论核心之一，它超越了单一乐器的音色描述，着重研究民族乐器在大型合奏中的功能划分与声部平衡。系统梳理了民族管弦乐队的四大声部（拉奏组、弹奏组、吹奏组、打击乐组）各自的音域特点、演奏技法如何转化为交响织体中的和声与对位元素。书中运用大量的乐谱分析实例，展示了如何运用民族乐器特有的复调技巧（如轮指、推拉、泛音）来模拟西方交响乐的力度变化和织体层次，并对比分析了不同作曲家在处理弦乐组齐奏、弹拨乐组分解和声时的策略差异。 第四部分：曲目创作的里程碑：风格的多元探索 本部分聚焦于民族管弦乐创作的代表性作品，并非介绍入门曲目，而是深入剖析了自上世纪六七十年代至今的重量级创作。详细剖析了《春江花月夜》（如彭修廉版本）、《金蛇狂舞》的配器精妙之处，并着重分析了如《丰年》、《地域音画》系列等作品中，作曲家如何将地方戏曲、民歌元素与大型管弦乐曲式成功结合的经验与教训。此外，本书还探讨了“新民族管弦乐”的出现，即在保持民族音响的基础上，吸收西方协奏曲、交响诗等体裁的叙事结构。 第五部分：演奏技艺的传承与规范化挑战 本书探讨了在专业化背景下，民族乐器演奏技巧如何从民间艺人的经验传承，逐步过渡到学院化的教学体系。重点对比了不同学派（如江南丝竹、广东音乐、潮州音乐等）在速度、装饰音处理上的地域差异，以及在民族管弦乐团合奏中如何达成统一的“集体气息”。书中也批判性地审视了部分过于追求“宏大音响”而牺牲了乐器自身音色美感的倾向，呼吁回归对乐器本体语言的尊重。 第六部分：与世界音乐的对话：跨文化融合的实践 进入当代，民族管弦乐团不再是封闭的文化实体。本部分探讨了民族管弦乐与爵士乐、电子音乐，乃至非西方传统音乐体系的融合实验。详细记录了近年来成功“走出去”的民族管弦乐团在国际舞台上的曲目选择与配器调整，分析了如何通过简化或变异传统记谱法来适应不同文化背景的演奏者。这部分内容旨在展示民族管弦乐在保持主体性的前提下，实现全球化表达的路径。 第七部分：未来展望：数字化、教育与审美转向 最后一部分展望了民族管弦乐的未来走向。讨论了数字采样技术对传统乐器音色库构建的影响，以及民族管弦乐教育在普及型音乐会与精英化培养之间的平衡问题。本书认为，未来的发展关键在于，如何在坚持民族根基的同时，培育出能够驾驭复杂现代音乐语言的新一代作曲家与演奏家，使民族管弦乐真正成为二十一世纪世界音乐图景中不可或缺的组成部分。 本书特色： 本书信息量巨大，结构严谨，引用了大量第一手乐谱资料和历史档案，是一部面向专业音乐院校师生、民族管弦乐团专业人士以及所有关注中国音乐文化发展的学者的重要参考书。它提供的是一个关于“如何构建一个现代民族管弦乐队的整体艺术体系”的全面思考框架，而非侧重于单一乐器演奏技巧的工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本《二胡使用手册》的装帧设计确实让人眼前一亮，那典雅的墨绿色封皮，配上烫金的书名和敦煌飞天的元素，瞬间就将我拉进了一种古朴而又神圣的音乐氛围中。我特地选了一个安静的午后，泡了一壶清茶，才小心翼翼地翻开它。初读目录，便知这绝非市面上那种流水账式的指法罗列。王国振先生作为主编，想必是倾注了毕生心血。我尤其欣赏它对二胡历史渊源的追溯，那部分写得极其细腻，仿佛能触摸到乐器从古至今的脉络，让人明白手中的不仅仅是一件乐器，更是一段流动的历史。至于实操部分，那些关于运弓力度和揉弦技巧的描述，不再是干巴巴的术语堆砌，而是结合了大量的实际演奏场景进行阐释，比如在演奏《赛马》时，弓的动作需要如何模拟马蹄的急促与辽阔。这使得初学者在面对复杂的技巧时，不再感到迷茫，而是有了一个清晰的“画面感”。相比于我之前看过的几本教材，这本书更注重“意境”的培养，它似乎在告诉我，二胡的魅力，在于用两根弦拉出千军万马、万般柔情。这种由内而外的教学理念，着实令人耳目一新，也让我对后续的学习充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初购买这本书是抱着试一试的心态，毕竟市面上关于二胡的教材汗牛充栋。但很快我就发现，王国振先生的主编工作，成功地构建了一个既面向专业学生，又对自学者友好的知识体系。它的结构设计非常巧妙，初级基础部分如同坚实的地基，稳扎稳打，不留任何“知识漏洞”。而进入中高级篇章后，它开始涉及一些更具探索性的内容，比如不同流派二胡演奏风格的比较分析，以及如何根据不同演奏场合（如独奏、协奏、戏曲伴奏）来调整演奏技巧的侧重点。这种递进式的安排，让学习者可以根据自身水平灵活选择深入的程度。我尤其欣赏它在“乐器维护与调音”部分的处理，详细到如何根据季节变化调整皮膜的松紧度，这体现了对乐器本体的尊重。这种对细节的关注，恰恰是衡量一本教材专业性的重要标准。它提供的不仅仅是技巧，更是一种对待乐器、对待艺术的完整态度。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有着多年学习经历的二胡爱好者，我深知一本好的教材对于突破瓶颈的重要性。市面上很多教材在讲到高把位演奏或者复杂换把技巧时，往往一笔带过，留给学习者自己去摸索，那种挫败感是难以言喻的。然而，这本书在处理这些“硬骨头”段落时，展现出了教科书级别的严谨和耐心。我仔细研读了关于“换把平滑度”的专题分析，书中不仅图文并茂地展示了指位转换的微小肌肉群变化，还引入了声学原理的解释，说明为何某些换把会产生“拖泥带水”的感觉。更妙的是，它穿插了一些针对性极强的练习曲目，这些曲子并非追求炫技，而是精准地服务于某一项特定技巧的强化。这种“对症下药”的编排方式，极大地提高了练习效率。对我而言，最大的收获在于它对“音准”的哲学性探讨——不只是靠耳朵听，更要靠手指的肌肉记忆和对音高的空间想象力去锁定。读完这部分，我感觉自己对“准”的理解上升到了一个新的维度，不再是机械地对准某一个音点，而是在一个更广阔的音高区间内游刃有余。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书中关于“民族乐器基础知识”的阐述印象非常深刻。很多初学者往往会忽略对乐器构造的深入了解，认为只要学会指法就能演奏。然而，这本书却花了相当大的篇幅来解析二胡的“骨骼”——琴杆、面板、琴筒、发音原理等。它用一种非常通俗易懂的方式，解释了为什么不同的木材会影响音色的共鸣，以及不同弦的张力对音色的影响。这种“知其所以然”的教学方法，极大地激发了我对乐器本身的兴趣。读完这部分，我不再是单纯地拿着一个工具在拉奏，而是更清楚地知道如何通过调整演奏方式去“唤醒”二胡内部的潜力。再者，书中对于不同历史时期、不同地域的二胡流派特点也有所涉猎，比如对江南丝竹风格和北方拉魂腔风格的对比分析，不仅仅是曲目上的差异，更深入到了运弓和音色的审美差异上。这使得这本书超越了一般的技法指南，上升到了中国民族音乐文化普及的高度，让人在学习技巧的同时，也接受了一次高水平的音乐文化熏陶。

评分☆☆☆☆☆

翻开《二胡使用手册》的排版，首先映入眼帘的是那种上海音乐出版社特有的、带着浓厚学院派气息的精致感。纸张的质感极佳，即便是用铅笔做笔记也不会轻易洇墨。特别值得称赞的是，书中大量的谱例，不论是简谱还是五线谱的对照，都校对得一丝不苟，这对于进行跨乐种学习的演奏者来说，简直是福音。我曾遇到过一些教材，为了追求内容丰富而牺牲了图示的清晰度，导致一些关键的运弓角度描述得含糊不清。但这本书在这方面做得非常出色，那些关于“平推弓”、“分弓”的细节图解，线条精准有力，仿佛能直接感受到琴弓在弦上的运行轨迹。此外，丛书的系列定位——“敦煌国乐”，也暗示了其内容的广度和深度。它不仅仅是教你“怎么拉”，更是在引导你“如何理解中国音乐的审美取向”。比如在解析一些传统曲目的情感处理时，它引用了大量的文学典故作为参照，使得演奏者在把握情感基调时，拥有了更丰富的文化参照系，从而避免了西方化或模式化的演绎。