律动乐器 现代钢琴教程1） 约翰·汤普森 钢琴 演奏法 舞曲形式 乐器 升级考证书籍 上海音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 钢琴教程
• 钢琴教材
• 约翰·汤普森
• 现代钢琴
• 乐器
• 音乐教育
• 上海音乐出版社
• 考级书籍
• 演奏技巧
• 舞曲形式

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552310313

商品编码：29867224122

丛书名： 约翰汤普森现代钢琴教程(1原版引进)

开本：8开

出版时间：2016-10-01

 

目录

前言
1．手位（C大调）乐句《音苑》
2．音乐的形式《音乐台阶》
3．节奏与重音《奔流的河》
4．速度《交通警》
5．音色的明暗《湖上天鹅》
半音——升记号、降记号和还原记号
全音——书面作业
6．临时记号《磨刀匠》
7．新的手位（G大调）《一分糖的歌》
8．两种旋律型《月亮里的人》
9．民间曲调《聚会》
乐句弹奏法右手和左手
10．手位的组合《知更鸟》
11．指型《快乐的小丑》
12．和声型（左手）《布谷鸟》
试题（一）
音阶——方式和意义
大调音阶
13．上行的C大调音阶《爬城墙》
14下行的C大调音阶《钟声》
15．左手的新手位《踏级石》
和弦的结构——音程和三和弦
和弦转位——C大三和弦与F大三和弦
16．分解和弦作旋律《爬山》
17．新的手位（F大调）《和弦游戏》
18．独奏曲《仙女的竖琴》
19．介绍八分音符《希望之星》
20．新的手位（D大调）《划船》
21．新的手位（A大调）《春之歌》
22．断音和连音的组合《落叶》
23．舞曲形式《荷兰舞曲》
24．描述性的独奏曲《仙宫》
试题（二）
25．断奏曲例《啄木乌》
26．手位的扩展（A大调）《骑士和女士》
27．附点四分音符《莫扎特的“旋律”》
28．勃拉姆斯用的节奏《小圆舞曲》
29．新的手位（bB大调）《猫头鹰的问题》
30．6／8拍《为蓝队加油》
31．两个音符构成的乐句《布谷钟》
32．6／8拍（G大调）《唱歌的老鼠》
33．左手手位的扩展（F大调）《生日蛋糕》
34．用两种手位弹奏《爆玉米花的人》
35．两种手位（6／8）《旋转木马》
36．切分音《西班牙的节日》
37．6／8拍《猎狐》
38．两种手位《致西莉亚》
试题（三）
39．双手交叉《青蛙合唱队》
40．手腕断奏《雪橇》
41．新的手位（pE大调）《小波比》
42．前臂弹奏法《晚钟》
43．新的手位（E大调）《农民舞曲》
44．分解和弦伴奏《很久以前》
45．三种手位《平安夜》
46．音阶型及和弦型《键盘游戏》
47．演奏有特性的乐曲《流线型火车》
48．新的手位（bA大调）《摩天大厦》
49．两种手位（双手）《都柏林城》
50．十六分音符《约翰·彼尔》
试题（四）
技巧训练
升级证书

 

 

内容简介

《约翰·汤普森现代钢琴教程1（原版引进）》为一年级小学生设计。大的好处是“循序渐进”。阻碍高班学生发展的许多毛病往往是由启蒙教育时的不良习惯造成的。这样，每年要花费大量的劳动和财力去纠正那些本不应该养成的姿势、习惯和错误，即使这样做了，有时仍然徒劳无功。“苗弯树歪”这句老话适合于肌肉控制、技巧、节拍问题、音乐的概念和思维以及练琴的习惯。

作为一年级的教材，自始至终按五指手位来写，只在后部分有一些手指扩展的例子。如果在初级教材中学过预备性的钢琴曲，那么任何适龄儿童都可使用这本教材。

《约翰·汤普森现代钢琴教程1（原版引进）》的目的在于为钢琴学习打下一个正确、完整的基础，使学生在对音乐理解的基础上感受、思考和弹奏，这是可能的。虽然弹奏的旋律和音型很简单，也要让他们意识到：把这些“砖石”砌起来，就能营造大型的乐曲。他们学会了理解，并且能恰如其分地演奏，就会在学习进程中正确理解大型的曲式，面对许多音乐片断交织成的的整体就不会感到迷惘。

 

好的，下面是为您撰写的，不包含您提供的书目信息（《律动乐器 现代钢琴教程1》、《约翰·汤普森 钢琴 演奏法》、《舞曲形式 乐器》、《升级考证书籍》、《上海音乐出版社》）的图书简介。 --- 图书名称： 音乐的织锦：从巴赫到德彪西的钢琴艺术发展史 导言：时间的回响与指尖的对话 钢琴，作为西方古典音乐史上最伟大的发明之一，其发展历程本身就是一部技术革新、审美变迁与人类情感表达的宏大史诗。它不仅是乐器本身，更是承载了数百年作曲家心血与演奏家技艺的“时间容器”。本书《音乐的织锦：从巴赫到德彪西的钢琴艺术发展史》旨在带领读者穿梭于键盘乐器演变的长河中，深入剖析不同历史时期音乐风格对钢琴演奏技巧、音色观念乃至乐器结构本身提出的独特要求与产生的深刻影响。 我们不关注某一套特定的教材或某一特定时期的考级标准，而是聚焦于钢琴艺术在历史语境下的“活的演变”。从键盘乐器最初的木质与羊肠琴弦，到现代三角钢琴的复杂机械结构，每一次技术飞跃都伴随着音乐语汇的革命。本书将以严谨的学术态度和富有洞察力的分析，重构这一艺术形式的完整脉络。 第一部分：前奏曲——键盘乐器的黎明与复调的辉煌（1600-1750年） 本部分将详细考察钢琴出现之前的核心键盘乐器，特别是羽管键琴（Harpsichord）和古钢琴（Clavichord）的结构特性及其对音乐创作的制约与启发。 1. 羽管键琴的机械原理与声音的“定性”： 我们将深入探讨羽管键琴的拨弦机制如何决定了其“无法改变力度”的特性。这种声音的“平面性”如何塑造了巴洛克时期音乐的特点？我们会分析巴赫、亨德尔等作曲家如何利用复调织体、对位法以及快速的装饰音来模拟出比单音更丰富的听觉效果。特别地，我们将着重分析巴赫《平均律键盘曲集》中对不同调性的探索，以及这种“固定音色”下的结构美学。 2. 古钢琴与早期力度暗示： 古钢琴的弱击发声机制为演奏家提供了微弱的力度变化可能性。本书将考察这种乐器如何在更私密的环境中影响了早期奏鸣曲的雏形，以及它如何预示着未来对“动态对比”的渴望。 3. 演奏技法的“前世”： 探讨早期键盘演奏者（如弗雷斯科巴尔第）的指法观念，以及与现代钢琴演奏法在触键深度、放松概念上的根本差异。理解当时的“手指独立性”是如何在有限的乐器条件下被建构起来的。 第二部分：古典主义的清晰与阳光（1750-1820年） 随着欧洲社会对清晰性、平衡感和歌唱性表达的需求增加，钢琴（Fortepiano，或称早期钢琴）应运而生。 1. 乐器结构的革命： 本章将详细介绍“强弱钢琴”的出现背景——为了满足海顿和莫扎特对力度变化的需求。我们将分析早期钢琴的木质框架、较短的琴弦以及皮革包覆的槌头如何产生一种比羽管键琴更柔和、更具穿透力的音色，尤其擅长清晰的分解和弦和清晰的旋律线条。 2. 奏鸣曲式的理性构建： 古典主义时期，奏鸣曲式成为键盘音乐的核心范式。我们将分析海顿、莫扎特如何利用钢琴的动态范围（从 p 到 f）来构建音乐的戏剧冲突与主题发展。重点分析莫扎特钢琴协奏曲中，钢琴与管弦乐队之间对话的精妙设计，这要求演奏者具备极高的音乐对话能力。 3. 触键观念的过渡： 探讨古典时期演奏者如何开始注重“歌唱性”（Cantabile），要求手指能在保持速度的同时，赋予旋律线以呼吸感。这标志着从纯粹的技巧展示向情感叙事的初步转变。 第三部分：浪漫主义的激情与钢琴的“交响化”（1820-1900年） 工业革命推动了钢琴制造技术的飞速进步，这直接促成了现代三角钢琴的诞生，也彻底解放了作曲家的想象力。 1. 技术的成熟与音域的拓展： 本书将详细论述现代钢琴的“交叉弦列”、“铸铁框架”和“毡制琴槌”这三大核心技术革新，如何使得钢琴的音量、延音和低音的浑厚度达到了前所未有的高度。我们将分析这些技术如何直接促成了肖邦、李斯特等作曲家更具“交响性”的音乐构思。 2. 演奏风格的个体化与英雄主义： 浪漫主义的核心是情感的绝对自由表达。我们将分析李斯特如何将钢琴推向技术极限，创造出令人惊叹的炫技作品，以及这种“钢琴上的管弦乐”是如何改变了独奏会的概念。同时，我们将深入探讨肖邦如何利用钢琴的柔和特性，将波兰民族精神融入到夜曲和玛祖卡中，关注其细致入微的踏板运用和音色的“色彩描绘”。 3. 踏板艺术的深化： 浪漫主义时期，延音踏板不再是简单的延长音高，而是成为音色融合、模糊界限、营造“梦幻感”的关键工具。我们将考察这一时期踏板法在不同风格作品中的差异性应用。 第四部分：印象派的色彩与现代性的探索（1900年以后） 进入20世纪，钢琴艺术进入了对音色、纹理和非传统和声的探索阶段。 1. 色彩的革命：德彪西与“水声”： 本部分将聚焦于德彪西和拉威尔如何利用钢琴的复调层次和踏板技巧，去捕捉光影、水波和瞬间的情绪，而非传统的叙事。我们会分析他们对“半音阶”和“全音阶”的偏爱如何从根本上动摇了传统调性体系对钢琴演奏的约束。 2. 现代演奏技巧的挑战： 探讨斯特拉文斯基、巴托克等作曲家对钢琴发出的“非传统声音”的要求，例如有力的敲击、掌击琴弦等，以及这些技巧如何拓展了钢琴的表现领域，但同时也对演奏者的身体和乐器本身提出了新的要求。 结论：永恒的演变 《音乐的织锦》总结了键盘乐器从简单的发声装置，逐步演化为能够承载人类最复杂情感和最宏大想象力的媒介的全过程。本书意在提供一个全面的历史视角，让读者理解，每一次演奏上的“规范”或“技巧突破”，都是历史、技术与艺术思想相互作用的结果。它强调的是对音乐语境的理解，而非机械地遵循某一套既定的练习路径。通过对这些历史脉络的梳理，读者将能以更深厚的知识储备，去聆听和演奏任何时期的钢琴作品。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的编排真是太有心了！我接触过好几种入门钢琴书，但《律动乐器》给我的感觉是最轻松愉快的。它不像有些教材那样，上来就是枯燥的五线谱和生硬的指法练习，而是巧妙地将节奏感和音乐性融入到每一个练习曲中。特别是它对“律动”这个概念的诠释，非常直观。我是一个很注重感觉的初学者，对于那些只有音符没有“灵魂”的练习曲很容易感到厌倦，但这本教材中的小曲子，哪怕是最初级的练习，听起来都像是带着生命力的。那些模仿不同乐器和舞蹈节奏的小段落，简直是为我这种“非科班出身”的自学者量身定做的。我能清晰地感觉到，作者在设计这套课程时，是真正站在学习者的角度，想方设法地降低了初学阶段的挫败感，让人愿意天天坐到琴凳上，而不是把它当成一项必须完成的任务。那种逐步深入、循序渐进的难度递增设计，也让人很有成就感，每学完一课，都会有一种“原来我也可以做到”的喜悦。

评分☆☆☆☆☆

作为一本由知名音乐出版社出版的教材，它的装帧设计和排版质量也值得称赞。纸张的厚度适中，不易反光，长时间阅读也不会让眼睛感到疲劳。更重要的是，它的五线谱印刷清晰锐利，即便是最小的符头和最复杂的节奏记号，都能一目了然。很多廉价教材的排版混乱不堪，让人在辨认音符时费尽心思，极大地分散了学习的注意力。而《律动乐器》的版式设计，节奏清晰，分段合理，使得学习者在快速阅读乐谱时，能够更容易地捕捉到乐句的结构和呼吸感。这种对细节的把控，体现了出版方对学习体验的重视，让人在拿起书本的那一刻起，就感受到一种专业和严谨的氛围。

评分☆☆☆☆☆

我当初被推荐这本书时，提到它对“演奏法”的讲解非常细致，这一点我深有体会。很多教程只告诉你“弹哪个键”，却不告诉你“怎么弹”。而这本《律动乐器》，在基础指法建立的过程中，加入了大量关于手臂放松、手腕灵活度的指导，而且这些指导不是干巴巴的文字描述，而是结合在具体的练习片段中去体现的。比如，在处理一些需要跨越和跳跃的乐句时，书里会用非常清晰的图示或侧重强调的文字，告诉你如何利用身体的自然动态来完成动作，而不是单纯靠手指的力量去“硬抠”。这种对人体工程学的关注，对于保护初学者的手部健康，避免养成不良习惯至关重要。我感觉自己的手部肌肉在使用这本书学习后，变得更听话，也更放松了。

评分☆☆☆☆☆

关于这本书在考级体系中的定位，我个人的看法是，它为后续的系统学习打下了非常坚实的基础。虽然它本身更侧重于“乐感”和“律动”的培养，但它所涵盖的基本功训练，如音阶的流畅性、和弦的清晰度以及对固定拍子的稳定把握，完全可以作为许多等级考试的有效准备。特别是它对不同“舞曲形式”的模仿练习，无形中扩展了学习者对节奏型多样性的理解，这对通过更高阶的演奏考试是极大的加分项。我并不是为了考证而学琴，但一本好的教材必然能让我少走弯路，而这本书的课程设计，就像一个经验丰富的导师在旁边指导，让你在不知不觉中，已经掌握了许多专业人士才会在意的基础要领。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我选择这本《律动乐器》是冲着它的现代感去的。如今的音乐教育，如果还只停留在老一套的古典模式里，对我们这代学习者来说吸引力实在有限。这本书在选择曲目和练习范例时，明显融入了更多当代音乐的元素，这让我在练习过程中，能更快地将所学运用到我日常听的音乐风格中去，而不是总感觉自己是在弹奏“古董”。我尤其喜欢它对不同“乐器”模仿练习的部分，这不仅锻炼了手指的独立性和力度控制，更重要的是，它让我对钢琴的音色表现力有了更丰富的想象空间。想象一下，你在模仿架子鼓的重音，或者小提琴的连贯性，这比单纯地弹奏C大调音阶要有意思得多。这种注重“声音的质感”和“节奏的准确性”的教学方法，无疑是更适应现代音乐审美的。