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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810961127

商品编码：29867226966

丛书名： 高等音乐(师范)院校作曲技术理论公共课系列教

开本：16开

出版时间：2005-10-01

目录

前言 

讲绪论 

一、和声的基本概念与作用 

二、和声的调式基础 

三、和弦的结构与低音位置 

1.和弦的结构 

2.和弦的低音位置 

四、和声的功能与和声进行 

1.和声的功能 

2.和声进行 

练习一 

第二讲四部和声与声部进行 

一、四部和声的形式 

二、原位正三和弦的重复音 

三、和弦的旋律位置 

四、排列法 

1.密集排列法 

2.开放排列法 

3.混合排列法 

五、声部进行 

1.一个声部的进行 

2.两个以上声部的进行 

3.避免不良的声部进行 

练习二 

第三讲原位正三和弦的连接与基本图式 

一、四、五度关系的和弦连接 

二、二度关系的和弦连接 

练习三 

第四讲和弦转换与终止式 

一、和弦转换 

二、终止式 

1.正格终止 

2.变格终止 

3.完全终止 

4.正格半终止 

5.变格半终止 

6.完满终止 

7.不完满终止 

8.阻碍终止 

练习四 

第五讲为高音部配置和声 

练习五 

第六讲为低音部配置和声 

练习六 

第七讲正三和弦的六和弦 

一、六和弦的特性与作用 

二、重复音 

三、排列法 

四、声部进行 

五、同一个和弦的原位正三和弦与六和弦的连接 

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好的，这是一份针对您的图书名称“正版 和声基础教程GJGJ/乔惟进 正版 初学入门 和声乐教程 音乐书籍 声乐基础理论教材 声乐书”以外的其他音乐类图书的详细简介，内容聚焦于理论、技巧、历史、特定风格等，以确保不包含原书的特定内容。 --- 深入探索古典音乐的奥秘：巴赫赋格曲结构与分析 作者： 艾米丽·卡特赖特 页数： 680页 装帧： 精装附乐谱彩印 书籍概述 本书旨在为音乐学专业学生、作曲系高年级本科生、研究生以及资深音乐爱好者提供一份全面、深入的约翰·塞巴斯蒂安·巴赫赋格曲创作与分析的权威指南。本书超越了基础和声学和对位法的初级介绍，直接聚焦于巴赫晚期作品中结构复杂性和精妙技巧的剖析。我们不仅探讨了赋格曲的基本要素——主题、对题、呈示部、中段、再现部——更深入挖掘了巴赫如何运用各种复杂的复调技巧（如反向进行、倍增、移调、以及高超的技巧性连接）来构建宏大而逻辑严密的音乐结构。 核心内容详述 第一部分：赋格曲的理论基石与历史背景 本部分首先简要回顾了十六、十七世纪对位法的演变，将巴赫置于其历史语境中，重点分析了其前辈（如帕莱斯特里那、布克斯特胡德）作品对巴赫的影响。随后，详细阐释了巴赫赋格曲中“主题”概念的特殊性——它如何超越简单的主题动机，成为整个有机体的结构核心。我们将分析“主调”（Subject）和“副调”（Countersubject）在功能性上的协同作用，以及它们在不同调性关系中如何保持独立性和关联性。 第二部分：呈示部与基本处理技巧的精细解剖 这是本书的基石部分。我们将逐一解析巴赫《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier）中两部和三部赋格曲的呈示部。重点分析： 1. 调性关系的处理： 巴赫如何选择关系调进行副调的呈示，例如主调在属调、下属调、关系大调/小调中的具体音高和音程选择。 2. 进入方式的多样性： 详细对比“真实呈示”与“偏属呈示”（Tonal Answer）的原理、记谱法差异以及听觉效果。 3. 对题的集成： 分析最常见的单对题、双对题结构，以及对题如何在不同声部之间“穿插”和“重叠”时保持其音乐的完整性。 第三部分：中段的结构拓展与调性游走 中段是赋格曲展现作曲家技巧和情感深度的关键区域。本部分着重探讨： 1. 转调策略： 巴赫如何在中段中进行远距离的、逻辑清晰的转调，避免了声音的涣散感。我们使用图表展示其调性路径的“几何学”。 2. 技巧性段落（Episodes）的构建： 深入研究这些连接段落并非简单的过渡，而是对主题动机或对题动机的“碎片化发展”。分析如何利用序列、模模仿和音型分解来制造织体的紧密感。 3. 插入的间奏与自由变奏： 辨识那些不直接基于主题材料，但服务于整体结构平衡的音乐片段。 第四部分：再现部与复调技巧的巅峰展示 再现部是结构高潮，本书用大量篇幅分析巴赫在此处使用的“大师级”技巧： 1. 组合技巧（Combinatorial Techniques）： 详尽讲解“反向赋格”（Inversion Fugue）、“逆行赋格”（Retrograde Fugue）和“增值/减值赋格”（Augmentation/Diminution Fugue）的记谱和听觉识别。例如，如何分析《音乐的奉献》中极其复杂的“三重卡农”与“卡农赋格”。 2. 声部增加与织体密度： 分析如何从三声部平稳过渡到四声部甚至五声部，以及声部交织（Stretto）的运用——即主题的重叠进入，如何制造紧张感直至解决。 3. 尾声处理： 探讨巴赫在赋格曲结尾处如何运用和声的固定和对位逻辑的收束，实现作品的终极统一性。 第五部分：实践与分析工具 本书最后提供了一套系统的方法论，指导读者如何亲自分析任何赋格曲：如何标注声部进入、如何识别调性中心、如何绘制声部运动图表（Voice-leading Graphs）。配有大量高清乐谱示例，所有示例均附有详细的线条分析标记，方便读者对照学习。 本书特色 极度细致的乐谱注释： 所有分析示例均由专业音乐学家根据原稿校订，并在谱例中标注了和声功能、对位技巧类型和调性标记。 结构可视化： 引入“结构树”模型，帮助读者直观理解赋格曲的宏观骨架，而非仅仅停留在局部和声分析。 超越教科书的深度： 本书是为已经掌握基础对位法的学习者准备的进阶读物，内容密度极高，要求读者具备扎实的乐理功底。 --- 二十世纪中叶的电子音乐实验：从具体音乐到序列主义的演变 作者： 马丁·冯·德·霍尔斯特 页数： 412页 装帧： 平装，附带CD（收录关键示例片段） 书籍概述 本书聚焦于二战后至1970年代初期，西方音乐界在声音材料和作曲方法上所经历的一场深刻的革命。它详细考察了从法国皮埃尔·谢弗（Pierre Schaeffer）的“具体音乐”（Musique concrète）运动，到德国科隆学派的“电子音乐”（Elektronische Musik）和奥地利序列主义的兴起与融合。本书不仅是历史梳理，更是一部深入探讨声音哲学、技术实践和美学冲突的专著。 核心内容详述 第一部分：声音的解放——具体音乐的诞生 本部分追溯了二战后录音技术普及对音乐创作的影响。我们深入探讨了谢弗如何将日常世界的“声音物体”（Objets Sonores）视为音乐的原材料，以及他如何运用磁带编辑技术（如剪切、拼贴、反转、改变播放速度）来重构听觉现实。重点分析了《Étude aux chemins de fer》（铁路练习曲）的分析方法，以及具体音乐如何挑战了传统记谱法的权威。 第二部分：科隆学派与纯电子音乐的理性主义 与注重现实录音材料的具体音乐相对，本书详细对比了科隆西德广播电台（WDR）的电子音乐中心。重点分析了维尔纳·迈耶-埃普勒（Werner Meyer-Eppler）和卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）的早期工作。探讨了他们如何追求“纯粹电子声音”（由振荡器、噪音发生器产生的信号），并试图以数学和统计学原理来组织这些声音的密度、频率和时间结构，这直接导向了早期的“声学音乐”。 第三部分：序列控制的扩展——从音高到所有参数 本书的核心论点之一是，作曲家们不满足于仅仅将音高序列化。本部分详尽阐述了“全面序列化”（Total Serialism）的哲学和实践： 1. 时间参数的序列化： 如何用预设的节奏序列来控制音符的时值和间隔，超越了传统的节拍框架。 2. 力度与音色序列化： 分析如何将力度（如从 ppp 到 fff 的十二级划分）和音色（如合成器波形的选择）纳入严格的数学序列中。 3. 技术挑战： 讨论早期计算机辅助作曲的尝试，以及如何使用模拟合成器（如RCA Mark II）来实现这些复杂结构。 第四部分：技术碰撞与风格的融合 随着时间推移，具体音乐和电子音乐的界限开始模糊。本部分分析了作曲家们如何将磁带处理的现实声音重新引入到严格的序列结构中，形成了复杂的混合体。 毛斯·卡格尔（Mauricio Kagel）的戏剧化： 分析他如何利用乐器演奏与电子音响之间的“错位”来创造一种批判性的音乐剧场。 合成器的普及： 探讨Moog和Buchla等模块化合成器对作曲实践的影响，它们如何在一定程度上使复杂的声音设计民主化，并为后来的氛围音乐奠定了基础。 本书特色 技术细节丰富： 提供了大量关于早期录音室设备（如磁带机的速度控制、滤波器设计）的工作原理的非技术性解释。 收录关键音频示例： 随书附带的CD（或在线链接）精选了书中讨论的关键作品片段，便于读者直接对照阅读和聆听。 哲学思辨： 深入探讨了这些实验对“什么是音乐？”、“什么是作曲家？”这一根本性问题的冲击和解答。 --- 浪漫主义晚期至印象派的管弦乐配器法演变：从瓦格纳到德彪西 作者： 维多利亚·罗宾逊 页数： 550页 装帧： 湖蓝色硬壳，内含大量乐谱缩略图 书籍概述 本书是为进阶管弦乐配器学生和指挥家撰写的一部关于乐团色彩学（Orchestration Coloristics）的专门研究。它避开了对基础乐器音域和技巧的冗长介绍，而是聚焦于十九世纪末至二十世纪初，配器法如何从瓦格纳的“和声支撑”模式，转向德彪西和拉威尔所追求的“音色本身即是和声”的全新范式。 核心内容详述 第一部分：瓦格纳与管弦乐的“戏剧化重量” 本部分首先分析了理查德·瓦格纳对管弦乐团规模和音色的革命性影响。重点关注： 1. “瓦格纳低音”与低音区的扩展： 如何使用低音大号、低音单簧管和低音提琴组来创造前所未有的低频支撑，并如何与高音木管进行复杂的对位。 2. 和声色彩的器乐体现： 分析“导音动机”（Leitmotif）如何通过特定的乐器组合（如使用巴松管和法国号的组合来标记特定人物）来固化和声色彩。 3. 新乐器的引入： 瓦格纳管（Wagner Tuba）在《尼伯龙根的指环》中的角色与功能分析。 第二部分：后浪漫主义的精细化——理查·施特劳斯与马勒 我们将考察这一时期配器法在“承载叙事”方面的巅峰成就。 马勒的对比策略： 分析马勒如何故意使用“粗糙”或“不协调”的配器（如在宏大和声中插入军乐队式的片段），以表达情感的疏离感和讽刺意味。 施特劳斯的“细节雕刻”： 深入研究《查拉图斯特拉如是说》或《唐璜》中，如何使用多组木管和大量打击乐，对瞬态声音进行极度精细的控制。 第三部分：印象主义的色彩转向——德彪西与音色的去和声化 本书的高潮在于对德彪西配器哲学的探讨。我们认为，德彪西的革命在于将“音色”提升到与“和声”同等重要的地位： 1. 木管的“呼吸感”： 分析德彪西如何偏爱使用单簧管、长笛的较低音区，利用其“气流声”（Breath Noise）和非纯净的音色来创造朦胧、不确定的听觉效果。 2. 弦乐的“泛音化”： 详细分析如何使用弱音器（Mute）、“自然泛音”（Natural Harmonics）和非传统的运弓方式（如靠近琴码的 sul ponticello），使弦乐组不再提供传统的基础和声，而是成为光影变幻的媒介。 3. 对比分析： 将德彪西《夜曲》中对弦乐的使用，与勃拉姆斯《第四交响曲》中对弦乐厚重和声的依赖进行直接的谱例对比。 第四部分：拉威尔的精确与透明度 莫里斯·拉威尔继承了德彪西的色彩理念，但以其高度清晰、近乎“透明”的管弦乐织体著称。本部分分析拉威尔对管弦乐的“机械性”和精准度的追求，特别是他对打击乐（如钢片琴、颤音琴）在色彩点缀中的巧妙运用。 本书特色 “乐器对比矩阵”： 提供了详细的图表，展示了浪漫主义晚期和印象派时期，特定乐器（如法国号）在表达“史诗感”和“神秘感”时配器手法的系统差异。 配器意图解读： 不仅仅描述“写了什么”，更深入解释“为什么这么写”——每一项配器选择背后的哲学驱动力。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经学习了几年乐器，但总觉得和声根基不稳的人，我寻找一本既能夯实基础又不至于过于基础化的书籍已经很久了。这本书的深度和广度恰到好处。它没有像某些入门书那样在“认识C大调”上停留太久，而是很快地进入了更具挑战性的领域，比如副属和弦的运用、调式和声的初步探讨。最让我欣赏的是，它对于“进行”的逻辑性阐述非常到位。它不是简单地告诉你“这个可以和那个连”，而是深入剖析了为什么这样连听起来合理，背后的声学原理和审美倾向是什么。特别是关于转调部分的讲解，逻辑链条清晰，即便是比较复杂的平行转调，作者也能用简练的语言和精确的图示将其拆解得一清二楚。这本书无疑是为那些已经具备基本乐理知识，渴望提升自身和声思维的音乐学习者准备的“进阶指南”，它能帮你把零散的知识点串联成一个有机的系统。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对音乐的“美感”有着近乎苛刻要求的人，我希望我所学的理论都能最终服务于创作出优美、动听的音乐。这本书的选材和例证完美地契合了我的需求。它并非一本纯粹的“技法手册”，它更像是一部关于“如何倾听音乐结构”的哲学入门。书中对和声功能性的探讨非常深刻，让我明白为什么某些进行会带来“前进”的动力，而另一些则会带来“稳定”的满足感。书中引用的许多音乐实例，都来自于听众耳熟能详的经典作品，这极大地增强了理论与实际听觉经验之间的联系。阅读这本书的过程，更像是一次由浅入深的音乐鉴赏课，每一次翻页，都仿佛被带入作曲家构建和声世界的幕后。它不仅教我“怎么做”，更让我明白了“为什么这样做会更好听”，这种对审美层面的引导，是市面上绝大多数僵硬的教材所不具备的。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个非常忙碌的时期接触到这本书的，坦白讲，我希望找到一本可以在碎片时间里也能有效阅读的书。这本书的排版和内容组织简直是业界良心。每小节的理论讲解都配有明确的总结框，让你在快速浏览时也能迅速抓住核心概念。而且，它在很多关键的理论点上，都提供了“听觉优先”的教学思路，这一点对于自学者来说至关重要。例如，在介绍不协和音程的处理时，它没有急于给出复杂的规则，而是首先引导你去听那个“需要解决”的感觉，然后才解释背后的规律。这种以体验带动理解的学习路径，极大地提高了我的学习效率和兴趣保持度。很多理论书读起来像在啃石头，但这本却像是在品尝一块精心烘焙的糕点，虽然内容扎实，但口感却十分顺滑。对于工作繁忙的成年学习者来说，这种高效且愉悦的学习体验是极其宝贵的。

评分☆☆☆☆☆

这本关于和声基础的书简直是为我这种完全零基础的音乐爱好者量身定制的。我一直对音乐理论有种敬畏感，觉得那些复杂的术语和严谨的规则离我很远，直到我翻开这本书。作者的叙述方式非常平易近人，没有一开始就抛出一大堆令人望而生畏的五线谱和数字标记。相反，他似乎知道初学者最容易在哪里卡壳，比如对“和弦”这个概念的直观理解，书中通过生动的比喻和图示，将原本抽象的音响关系变得触手可及。我特别喜欢它讲解导音解决和功能和声时的那种循序渐进，仿佛有人牵着你的手，一步步穿越迷雾。读完前几章，我不再是看到乐谱就头大，而是开始能“听”出和弦的色彩变化了。它不是那种只顾堆砌理论的教科书，更像是一位耐心的老师在耳边轻声教导，让人在轻松愉快的氛围中，不知不觉就掌握了坚实的基础。如果你也曾因为害怕复杂的理论而对音乐学习望而却步，这本书绝对是打破壁垒的绝佳起点。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我对市面上大多数声乐教材都持保留态度，它们往往要么过于偏重技巧训练而忽略了音乐内涵，要么就是理论知识塞得太满，让人抓不住重点。但是，这本《和声基础教程》给我的感觉是找到了一个完美的平衡点。它不仅仅是讲解如何正确地构造和弦，更重要的是引导读者去理解和声在旋律进行中扮演的角色。书中的案例选择非常讲究，涵盖了从巴洛克到古典时期的经典片段，每一个示例都配有清晰的分析，让我能真切体会到不同时代作曲家是如何运用和声色彩来烘托情感的。我尝试着将书中学到的和声进行应用到我自己的简单旋律创作中，效果立竿见影，原本平淡无奇的旋律瞬间变得立体和有张力了。这不仅仅是学习了一门技术，更像是打开了一扇通往更深层次音乐理解的大门。对于那些希望将理论知识转化为实际音乐表达的进阶学习者来说，这本书的指导价值是无可替代的。