正版中外器乐名曲多声部视唱训练 音乐理论教材视唱练耳教程书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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顾秋云 编

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807513292

商品编码：29867236126

丛书名： 中外器乐名曲多声部视唱训练

开本：8开

出版时间：2009-03-01

 

   

 

 

目录 前言
二声部
1.彩云追月
2.春江花月夜（无伴奏）
3.梁祝
4.摇篮曲
5.爱的赞颂
6.天鹅
7.加伏特舞曲
8.圣母颂
9.月光
10.旋律
11.小步舞曲
三声部
12.致野玫瑰（无伴奏）
13.如歌的行板（无伴奏）
14.幽默曲
15.创意曲（无伴奏）
16.前奏与赋格（无伴奏）
17.军队进行曲
18.索尔维格之歌
19.回旋曲
四声部
20.六月一船歌
21.良宵（无伴奏）
22.瑶族舞曲（无伴奏）
23.阳关三叠
24.梅花三弄
25.芬兰颂
26.天鹅湖—场景
27.命运（无伴奏）
28.新大陆—广板
29.培尔·金特—朝景
30.沃尔塔瓦河

 

 

    内容推荐 多声部视唱是视唱练耳教学中的一个重要组成部分。在多年的课堂教学实践中，我深知学生对多声部视唱的喜爱，再通过专业的指导和训练，更是对学生相应专业的学习和发展起到了重要的推动作用。 
本书内容包括：选用中外器乐名曲改编，达到“人声器乐化”的训练目的；力求保持原曲段落的基本结构和完整性；改变调性时不改变原曲的调性关系；尽量保持原曲中的主要声部关系；基本忠实于原曲中的和声；钢琴伴奏不宜繁、杂、难，避免喧宾夺主以达烘托效果；考虑到不同层次的需求，有些曲子即使不用钢琴伴奏，也能以无伴奏的形式演唱出相同的效果；在声部数量上有两至四个声部的不同选择，以适应各阶段及各层次的教学需求；在编配程度上做到难易相间，除专业教学使用之外，亦可为业余合唱，特别是社会上日益普及的各类合唱团作为训练及演出所用。  

 

《和声的智慧：西方音乐体系的构建与演变》 书籍简介 本书旨在深入剖析西方音乐体系的基石——和声学，系统梳理其从早期复调到晚期浪漫主义时期的演变轨迹，并提供一套严谨、系统的分析方法论。本书不仅关注和声规则的机械记忆，更着重于理解和声背后所蕴含的逻辑结构、审美趣味及其与时代精神的关联。 第一部分：西方和声学的历史溯源与基础原理 第一章：中世纪与文艺复兴的和声萌芽 本章追溯了西方音乐从单音音乐向多声部音乐过渡的艰难历程。我们首先考察古希腊音乐理论对早期西方乐论的影响，重点阐述“音高”和“音程”概念的形成。随后，深入探讨奥尔加农（Organum）的原始形态，分析其在平行四度、五度、八度等纯协和音程基础上构建的早期复调思维。 文艺复兴时期，随着“固定音高”概念的成熟以及人声合唱艺术的蓬勃发展，对多声部织体有了更精细的控制。本章详细解析了“众赞歌”的固定旋律与上声部的结合方式，以及斜行、反向等进行方式的出现，为真正意义上的“和声”奠定了基础。我们着重辨析了在这一阶段，旋律与旋律之间的垂直关系（即早期和声）如何逐渐被视为一个整体进行考量。 第二章：巴洛克早期：协和与不协和的初步规范化 巴洛克时期是功能和声体系形成的关键阶段。本章聚焦于“通奏低音”（Basso Continuo）的实践及其对和声分析的革命性影响。通奏低音的出现，使得低音声部成为构建和声框架的决定性因素，音乐家开始清晰地认识到不同音程组合在特定功能下的听觉效果。 我们将详尽阐述三和弦（大三、小三）的结构性地位，并引入导向音程（如七音）的初步应用。本章的核心内容是“和弦的等级概念”的初步形成，即主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）和下属和弦（Subdominant）这三大基本功能块的识别。此外，我们探讨了在蒙特威尔第等早期巴洛克作曲家作品中，不协和音程（特别是二度、七度）如何从“异音”转化为需要解决的“和声冲突”，及其解决规则的雏形。 第二部分：功能和声的成熟与体系化 第三章：古典主义的规范与功能和声的黄金时代 古典主义时期是功能和声理论的集大成者。本章以海顿、莫扎特、贝多芬的音乐语言为蓝本，系统阐述了“调性功能”的严格定义。我们将详细分析I、IV、V级和弦的稳定、半稳定与紧张功能，以及它们如何在乐句的构建中发挥驱动作用。 本章的重点在于“和弦的转位”及其低音的导向作用。通过对低音进行转位，和弦的不同侧面得以展现，这极大地丰富了音乐的进行色彩，同时保持了功能上的统一性。我们还深入讲解了“终止式”的分类与应用，特别是完全终止式、不完全终止式、伪终止式（或称欺骗终止式）在确定和巩固调性中的决定性作用。 第四章：拓展与深化：七和弦、副属和弦及半音和声的引入 进入巴洛克晚期和古典主义后期，作曲家开始挑战传统三和弦的局限。本章首先系统梳理了属七和弦（V7）的结构与强烈的解决倾向，这是对不稳定性的首次正式制度化。 随后，我们将探讨“副属和弦”（Secondary Dominants）的运用。副属和弦，作为导向非主功能和弦的属和弦，是实现临时转调（即“离调”）的有效工具。我们详细分析了如何通过引入V/V、V/IV等和弦，丰富和声色彩而不破坏整体调性的稳定性。 本章还将触及早期半音和声的元素，例如那不勒斯六和弦（Neapolitan Sixth Chord）和增六和弦（Augmented Sixth Chords）。这些和弦因其强烈的色彩性和特有的解决路径，标志着和声语言开始向更具戏剧性的方向发展。 第三部分：浪漫主义的和声革命与边缘探索 第五章：浪漫主义的和声扩展：色度与模糊化 19世纪的浪漫主义作曲家，如肖邦、瓦格纳和李斯特，将和声视为表达强烈情感和心理深度的主要手段。本章探讨了功能和声的“拉伸”与“稀释”。 核心分析对象是“九、十一、十三和弦”的在功能和声语境下的应用。这些高叠和弦的引入，使得原本清晰的协和音响被丰富的泛音色彩所取代，调性界限开始变得模糊。我们重点分析了瓦格纳的“特里斯坦和弦”，探讨其作为典型的“游移和弦”如何挑战了传统的属导向功能，开启了调性瓦解的序幕。 第六章：调性边界的拓展与离调技巧 本章深入研究了浪漫主义作曲家如何运用复杂的离调技术来创造宏大的音乐结构。我们将详细解析“平行和弦进行”（Parallel Chords），即不顾调性功能联系，仅依据音色或音型进行流畅的垂直移动。 此外，本章还涵盖了“等音转换”（Enharmonic Modulation）的精妙技法。通过将一个和弦在不同的记谱法下赋予不同的功能（例如将减七和弦视为不同属七和弦的转位），作曲家得以在不使用明显的过渡和弦的情况下，实现远距离的、戏剧性的调性跳转。 第四部分：和声分析方法论与实践指导 第七章：严谨的分析框架：从织体到功能 本章为读者提供一套结构化的和声分析流程。首先是“音响层面的识别”：清晰区分和弦的根音、转位，以及不协和音的类型与解决。其次是“功能层面的定位”：根据和弦在乐句中的具体作用，将其标注为T、S、D或其派生形式。 我们强调了“低音线条”在分析中的核心地位，因为低音不仅支撑了和声，更常常预示着下一步的和声走向。本章提供了大量古典与浪漫作品的实例，指导读者如何从具体的乐谱片段中提炼出作曲家的和声意图。 第八章：和声的色彩性与戏剧性应用 最后，本章探讨了和声在音乐表达中的非功能性作用。它关注和声如何营造特定的情绪氛围，例如：使用大量小调和弦或低沉的织体来表达忧郁；运用密集的增六和弦和半音进行来制造紧张感；以及如何利用音区和配器来增强和声的戏剧冲击力。通过对特定片段的深度赏析，读者将能够超越规则的束缚，理解和声语言的艺术魅力与表现潜力。 本书结构严谨，逻辑清晰，旨在帮助音乐学习者和研究者建立起对西方功能和声系统的全面认知，并培养起独立、深入的分析鉴赏能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性体现在它不仅仅是一本“练嘴巴”的书，它更是一套系统构建音乐思维的工具箱。我注意到，教材在介绍完基础的视唱内容后，紧接着会穿插一些关于听觉记忆和旋律再现的练习，这些内容往往是现有考试大纲中容易被忽视的“软实力”。例如，它会要求在听完一段四小节的和声进行后，立刻用视唱方式准确复述出其中特定声部的旋律走向，这极大地锻炼了我的“内听力”——即在不发声的情况下在大脑中预演音乐的能力。这种训练模式彻底打破了“眼看手写”和“耳听口唱”之间的壁垒，真正实现了听觉、视觉、思维的一体化高效运作。对于未来想要从事音乐分析、配器或指挥的同学来说，这种全方位的训练是极其宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这本书的选曲角度非常刁钻又极其巧妙。它没有走那些传统教材里老生常谈的套路，而是真正做到了“中外兼收，名曲荟萃”。我尤其欣赏它在选择练习曲目时所展现出的广阔视野，它不仅仅是罗列一堆耳熟能详的旋律，而是精心挑选了那些在和声结构、节奏型态上具有代表性和挑战性的段落。无论是巴赫的对位精妙，还是德彪西的和声色彩，乃至一些民族音乐的特殊调式，都被巧妙地融入到视唱和听辨的训练中。这使得学习者在不知不觉中，就接触到了不同时期、不同风格的作曲技法，极大地拓宽了我的音乐知识面。这种“润物细无声”的教学方式，远比单纯死记硬背理论要有效得多。它不是在教你“是什么”，而是在引导你去“感受和理解”，这一点非常高明。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太吸引人了，封面色彩搭配得非常和谐，设计风格既古典又不失现代感，让人一眼就能感受到它蕴含的专业气息。我记得我是在一个专门的音乐书店里偶然发现它的，当时就被它厚实的纸张和清晰的印刷字体吸引住了。拿到手里沉甸甸的感觉，就知道里面内容肯定很扎实。翻开内页，排版布局也非常科学合理，图文并茂，尤其是那些五线谱的印刷，清晰锐利，一点也不含糊，这对于视唱练耳这种需要精确读谱的学科来说太重要了。而且，书的装订方式也很结实，即使经常翻阅，也不用担心书页会脱落。相比我以前用过的一些教材，这本书的耐用度和视觉体验都提升了好几个档次。每次打开它，都仿佛进入了一个严谨而又充满美感的音乐世界，这种体验对于学习者来说，无疑是一种非常积极的激励，让枯燥的练习过程变得更加愉悦和期待。这种对细节的极致追求，足以体现出版方对音乐教育的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

对于自学者来说，找到一本合适的、能够提供有效反馈的教材至关重要，而这本书在这方面做得相当出色，尽管它本身是印刷品。其编排的逻辑性，仿佛有一位经验丰富的老师在身边指导。尤其是在节奏训练部分，它引入了非常多样的节拍记号和复节奏型，并且在示例的标注上，对重音和附点的处理极度精确。我发现，许多难点小节，它都附带了解释性的提示，比如“注意此处下行进行中的声部导向”或者“此处的切分需强调弱拍的前置感”，这些看似微小的文字，却能瞬间点亮我理解上的盲区。这说明编纂者对学习过程中可能出现的普遍困难了如指掌，真正做到了“想在学生之前”。这使得我在独自练习时，也能感受到一种被引导、被纠正的扎实感，极大地减少了走弯路的可能性。

评分☆☆☆☆☆

如果说视唱练耳的本质是连接耳朵、眼睛和大脑的桥梁，那么这套教材就是一座设计精良的立交桥。它在多声部训练上的处理，简直是教科书级别的示范。很多教材在进入二声部、三声部时，往往显得生硬和突兀，教材间的衔接也比较跳跃。然而，这本书的进阶设计非常平滑自然，它通过一系列递进式的练习，先是强化单线条的准确性，然后引入简单的平行音程和声部交织，逐步过渡到复杂的卡农和赋格片段的简化处理。我发现，通过这些细致的分解练习，那些原本让我头疼的声部独立性问题，竟然迎刃而解了。它教会我的不是“怎么唱好一个和弦”，而是“如何清晰地辨识并独立控制每一个声部在和声进行中的功能与走向”，这种对音乐内部结构的洞察力，是任何理论书都无法直接给予的。