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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552309409

商品编码：29867240844

丛书名： 舞蹈基本原理

 

• 出版社: 上海音乐出版社; 第I版 (2015年12月1日)
• 外文书名: 
• 平装: 261页
• 语种： 简体中文
• 开本: 16
• ISBN: 9787552309409
• 条形码: 9787552309409
• 商品尺寸: 23.8 x 16.6 x 2 cm
• 商品重量: 481 g
• 品牌: 上海音乐出版社

 

 

目录

前言 
第-讲舞蹈的概念 
1.身体表达 
2.舞蹈意象 
第2讲舞蹈的本体 
1.人体动作 
2.舞蹈动作 
第3讲舞蹈的本质 
1.“舞以宣情” 
2.情感意象 
第4讲舞蹈语言 
1.以“时、空、力”为语法和修辞 
2.以“实象”和“虚象”为语义 
第5讲舞蹈构图 
1.平衡与反衬 
2.聚焦与冲突 
第6讲舞蹈的表现手法（一） 
1.以动作直抒胸臆 
2.以动作陈情叙事 
第7讲舞蹈的表现手法（二） 
3.以造型立象外之象 
4.借自然物象写主观情思 
第8讲舞蹈的表现手法（三） 
5.用虚拟造内心视象 
6.改变物象符号含义营造新象 
第9讲舞蹈的表现手法（四） 
7.利用道具创造意象 
8.舞蹈手法与普通文艺手法的关系 
第I0讲舞蹈的种类（一） 
1.形式体裁结构 
2.功能性质风格 
第I1讲舞蹈的种类（二） 
1.民间舞古典舞 
2.芭蕾舞现代舞 
第I2讲舞蹈的民族性 
1.民族意识的身体表征 
2.运动形态的文化根源 
第I3讲中国舞蹈的艺术特征（一） 
1.游龙旋回 
2.行云流水 
第I4讲中国舞蹈的艺术特征（二） 
1.气韵通贯 
2.神形兼备 
第I5讲舞蹈的生命内涵 
1.演绎生命 
2.立足人本

 

 

编辑推荐

《舞蹈基本原理》是一本系统的关于舞蹈基础理论的专著性教材。《舞蹈基本原理》从文化的深层机制入手，立足于舞蹈本体，运用文化学、社会学、意象学和美学的方法论来揭示舞蹈的基本原理，挖掘舞蹈的哲学基因，梳理总结舞蹈自身的艺术规律及构成方式，终构建起舞蹈基础理论的系统框架。

作者简介

袁禾，舞蹈史学家，中国第壹个舞蹈学博士，中国舞蹈意象理论创建者。因学术贡献突出，荣获国务院授予的“享受政府特殊津贴专家”。现任北京舞蹈学院教授、学术委员、研究生部主任兼北京大学博士研究生导师，北京大学“美学与美育研究中心”研究人员。本科毕业于西南师大，后考入中国艺术研究院研究生部（现研究生院）深造，先后获学士、硕士、博士学位。著述较丰，其观点新颖，见解独到，立论严谨，文风平实，多次荣获省部级科研成果奖。发表论文近百篇，主要专著存《中国舞蹈意象论》、《中国舞蹈》、《中国古代舞蹈史教程》、《中国宫廷舞蹈艺术》、《中国古代舞蹈审美历程》。是《中国舞蹈词典》、《舞蹈大词典》主要撰稿人，《中国大百科全书》第二版舞蹈学科副主编、古代舞蹈史分支主编。历任“北京市高校教师专业技术职称”评委、“北京市新世纪百千万人才工程资助”评委、“享受政府特殊津贴专家”评审专家。

 

艺术的殿堂：探索西方古典音乐的辉煌历程与精妙结构 书籍简介 书名： 艺术的殿堂：探索西方古典音乐的辉煌历程与精妙结构 作者： [虚构作者名，例如：李文博] 出版社： [虚构出版社名，例如：晨曦文化] 页数： 约 650 页（不含索引和附录） 定价： 128.00 元 --- 第一部分：源起与奠基——中世纪至巴洛克时代的咏叹 本书的首篇将带领读者穿越时空，回溯西方音乐文明的源头。我们聚焦于公元 500 年至 1750 年这段漫长而充满变革的时期，探索音乐如何从单一的宗教吟唱，逐渐发展成为拥有复杂结构的艺术形式。 第一章：教会的吟诵与世俗的萌芽（中世纪：约 500-1400 年） 格里高利圣咏的奥秘： 深入解析早期单音音乐的特点、记谱法的演变（从纽姆到五线谱的初步尝试），以及教会音乐在欧洲文化统一中的核心作用。 世俗音乐的勃兴： 聚焦游吟诗人（Troubadours, Trouvères）和行吟乐师（Minnesänger）的贡献。讨论这些歌曲如何反映骑士精神、爱情故事和社会生活，为后来的复调音乐提供了题材与情感基础。 复调的曙光——奥尔加农与经文歌： 详细阐述巴黎圣母院乐派（如列奥宁、佩罗坦）如何开创了有组织的多声部音乐，解析早期对位法的基本概念——平行四度、平行五度如何被逐渐打破，为音乐增添了立体感。 第二章：文艺复兴的和谐之声（约 1400-1600 年） 人文主义与音乐的解放： 探讨文艺复兴时期人文主义思想如何影响作曲家的创作视角，使音乐更加注重情感表达和文本的清晰度。 佛兰德学派的统治地位： 分析杜菲、雅克·德斯普雷斯等大师如何完善了模仿复调技巧（Imitative Counterpoint），使得不同声部之间既独立又紧密交织，达到了前所未有的精致。 世俗音乐的繁荣： 深入研究意大利的牧歌（Madrigal）和法国的香颂（Chanson）。这些作品如何运用“文字描绘”（Word Painting）技巧，将歌词的含义直接转化为音乐语言，如用快速音符描绘“奔跑”或用不协和音描绘“痛苦”。 器乐的独立： 介绍维吉纳琴和琉特琴音乐的发展，以及早期器乐曲式如托卡塔、里切卡尔的出现，标志着器乐开始摆脱声乐的依附地位。 第三章：巴洛克的宏伟与激情（约 1600-1750 年） 歌剧的诞生与“情感理论”： 聚焦佛罗伦萨的“卡梅拉塔”小组，解析歌剧如何从希腊悲剧中汲取灵感，诞生了宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的二元结构。探讨“情感理论”（Doctrine of Affections）对巴洛克音乐风格的影响。 协奏曲的奠基： 分析科雷利和维瓦尔第如何确立了大协奏曲（Concerto Grosso）和独奏协奏曲的快-慢-快结构，以及对位法与主调和声的成熟运用。 赋格的巅峰： 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫是本章的焦点。详尽解析《平均律键盘曲集》和《赋格的艺术》，拆解赋格的基本要素：主题（Subject）、应答（Answer）、间奏（Episode）和呈示部、展开部、再现部的结构逻辑，揭示其数学般的美感。 亨德尔的戏剧力量： 探讨亨德尔如何将意大利歌剧的华丽与德意志对位法的严谨结合，尤其分析清唱剧《弥赛亚》中合唱段落的恢弘气势。 --- 第二部分：古典的平衡与浪漫的抒情——结构与情感的交织 这一部分涵盖了音乐史上最富盛名的时期——古典主义和浪漫主义，重点分析音乐形式的标准化与个人情感表达的极致化。 第四章：古典主义的黄金法则（约 1750-1820 年） 启蒙运动与音乐的清晰： 探讨启蒙思想如何要求音乐回归“自然”与“清晰”。解析从巴洛克复杂的复调向主调音乐（Homophony）的过渡。 奏鸣曲式：结构艺术的巅峰： 对奏鸣曲式（呈示部、展开部、再现部）进行结构层面的深度剖析，阐释其内部的戏剧性冲突与解决机制，这是理解海顿、莫扎特和贝多芬的关键。 交响曲的定型： 海顿被称为“交响曲之父”，本章分析他如何将四乐章结构（快板-慢板-小步舞曲/谐谑曲-终曲）固定下来，赋予交响乐宏大的叙事潜力。 莫扎特的完美比例： 探讨莫扎特音乐中旋律的歌唱性、和声的精致性，以及他在歌剧（如《费加罗的婚礼》）中如何通过音乐推动人物心理的复杂发展。 贝多芬：古典的终结与浪漫的先声： 分析贝多芬如何通过扩展奏鸣曲式、增强对位法的使用、以及利用力度和速度标记来注入前所未有的个人意志与英雄主义精神。 第五章：浪漫主义的汹涌洪流（约 1820-1900 年） 情感的解放与个性的张扬： 浪漫主义的核心在于“自我表达”。音乐不再仅仅是结构游戏，而是灵魂的独白。 钢琴的黄金时代： 肖邦与李斯特的贡献。解析钢琴如何成为表达个人细腻情感的最佳载体，探讨夜曲、叙事曲和炫技练习曲的兴起。 德奥艺术歌曲的革新： 舒伯特和舒曼如何通过艺术歌曲（Lied）将诗歌与音乐完美融合，创造出“钢琴即是角色”的叙事方式。 标题音乐与交响诗： 探讨柏辽兹、李斯特等人如何通过标题音乐（如《幻想交响曲》）打破纯音乐的界限，直接描绘文学、绘画或人生经历。 瓦格纳的“总体艺术作品”： 深入解析瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）系统，以及他如何试图在歌剧中实现音乐、戏剧、诗歌和舞台艺术的完全融合，并对和声的色彩运用达到前所未有的探索。 --- 第三部分：现代的解构与二十世纪的多元探索 本部分将审视 19 世纪末期以来，音乐如何应对工业革命、两次世界大战以及心理学带来的文化冲击，从而走向彻底的多元化。 第六章：印象、民族与世纪末的色彩 印象主义的听觉雾霭： 以德彪西和拉威尔为代表，探讨他们如何受印象派绘画启发，运用全音阶、五声音阶和非传统的和弦（如九和弦、十一和弦）来营造朦胧、瞬息万变的音响色彩，而非追求明确的旋律线条。 民族主义的回归： 聚焦捷克（德沃夏克、斯美塔那）、俄罗斯（五人强力集团）和北欧（格里格、西贝柳斯）的作曲家，分析他们如何将民间旋律、节奏和民族史诗融入大型管弦乐作品中。 第七章：现代主义的颠覆与重建 调性的瓦解： 详细介绍勋伯格如何发展出“十二音体系”（Dodecaphony），试图在彻底抛弃传统大小调体系后，重建一种全新的、逻辑严密的组织结构。 新古典主义的回溯： 分析斯特拉文斯基在“野性的”《春之祭》之后，如何转向新古典主义，重新借鉴巴洛克和古典主义的清晰结构和对位技法，但注入了现代的和声与节奏感。 东欧的狂想与原始力量： 深度剖析《春之祭》中节奏的“暴力美学”，如何通过多重节奏和强烈的打击乐，对听众的审美习惯进行了根本性的冲击。 第八章：战后至当代的实验浪潮 序列音乐与全面控制： 探讨巴比特和斯托克豪森如何将十二音体系扩展到节奏、力度、音色等所有音乐元素上，追求一种“全面序列化”的作曲方法。 偶然音乐与不确定性： 聚焦约翰·凯奇的哲学思想，解析“偶然性”（Chance Operations）在音乐创作中的作用，以及《4分33秒》对“什么是音乐”这一根本问题的挑战。 电子音乐与空间化听觉： 简述早期磁带音乐的制作技术，以及音乐如何走出传统乐器的限制，进入纯粹的电子音响领域。 --- 结语：历史的回响与未来的和声 本书的最后，将总结西方音乐史的内在驱动力——结构（巴洛克/古典）与情感（浪漫/现代）之间的永恒张力。我们将讨论 21 世纪音乐家们如何从这部浩瀚的历史遗产中汲取灵感，并在全球化背景下，继续拓展音乐的边界与可能性。 本书旨在为读者提供一个系统、深入且富有洞察力的地图，导航于近千年的西方古典音乐史，理解其形式之严谨，亦感受其情感之深沉。它不仅是知识的积累，更是一次通往艺术灵魂深处的聆听之旅。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我刚开始对这种“基础入门”的书是抱有一丝怀疑态度的，总觉得太基础的东西可能深度不够。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它在基础的讲解上做得极其扎实，每一个基础站姿、每一次重心转移，作者都追溯到了其背后的力学原理和人体结构知识。但这绝不是一本只停留在表层的书，它在打好地基的同时，还非常前瞻性地引入了一些更高阶的思维方式，比如如何将这些基本元素融入到不同的舞蹈风格中去思考，如何进行自我纠正和动作的精进。阅读过程中，我能明显感觉到作者不仅精通舞蹈本身，对教育学和人体科学也有着非常深入的研究。这本书就像是一位经验丰富、耐心至极的私人导师，在你纠正每一个小错误的同时，还告诉你“为什么”要这样做，这让我的学习目标一下子变得清晰和高远起来。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直太棒了，拿到手里沉甸甸的，很有分量感，封面那种哑光的质感配上精心挑选的插图，一下子就抓住了我的眼球。我本来就是个颜控，对实体书的包装和手感要求比较高，这本书完全超出了我的预期。内页的纸张选择也很有讲究，那种微微泛黄的米白色调，读起来非常舒服，长时间盯着看眼睛也不会觉得累。而且印刷的清晰度没得挑剔，无论是文字的排版还是那些精美的配图，细节都处理得非常到位，看得出出版社在制作环节上是下了大功夫的。翻开书本的瞬间，那种油墨的清香混合着纸张的特有气味，简直是阅读体验的极致享受，这绝对不是那种随便印印就拿出来卖的廉价品能比拟的。我甚至会时不时地把书拿出来，单纯欣赏一下它的设计和工艺，感觉就像是收藏了一件艺术品，这对于一个爱书如命的人来说，价值就已经加分不少了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字组织逻辑性简直是我看过的教材里最清晰流畅的之一。作者在阐述每一个舞蹈概念时，都不是那种干巴巴、晦涩难懂的理论堆砌，而是非常巧妙地将复杂的动作分解成一个个易于理解的小步骤。读起来完全没有“云里雾里”的感觉，每介绍完一个基本元素，后面都会立刻跟上非常形象化的比喻或者生活化的例子来辅助理解，这对于我这种零基础的初学者来说，简直是救命稻草。我以前总觉得舞蹈理论就是抽象的符号和术语，但这本书硬是把这些东西“翻译”成了我们日常能懂的语言，读完一段，我脑子里立刻就能构建出一个清晰的动态画面。尤其是它对身体各部位的控制力描述那部分，简直是神来之笔，让我一下子抓住了练习的关键点，避免了许多不必要的弯路，感觉每读一页，知识点都牢牢地被“钉”在了脑子里。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计和图文搭配达到了一个令人惊叹的平衡。我特别欣赏它在关键动作解析时所采用的图示方式。那些线条的粗细、动作分解的帧数控制得恰到好处，让你能清晰地捕捉到动作的“瞬间”。不像有些教程，图太多反而让人眼花缭乱，或者图太少，文字又显得单薄无力。这本书的图片不是单纯的“装饰品”，而是真正起到了解释作用的视觉辅助工具。更妙的是，作者在图示的旁边留白恰到好处，让人在学习时能够集中注意力，不会被过多的信息轰炸。我发现，当我对着书中的分解图进行模仿练习时，那种学习效率是空前的高，很多需要反复阅读才能理解的动作，通过图文结合的方式，一下子就“通”了。这种对视觉传达效率的极致追求，让阅读体验从“学习”变成了一种愉快的“探索”。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的最大触动，是它所蕴含的那种对舞蹈艺术近乎虔诚的态度。它不仅仅是一本教你怎么“做动作”的技术手册，更像是一本引领心灵成长的哲学指南。作者在穿插技术细节的同时，不经意间流露出对舞蹈背后情感表达、对身体与空间关系的深刻理解。阅读过程中，我感受到的不仅是肌肉如何发力，更是如何通过身体去“讲述”一个故事，如何让每一个姿态都充满生命力。这种由内而外的引导，让我对舞蹈的认识不再局限于表面，而是开始思考更高层次的美学和表现力。这本书的文字中有一种沉静的力量，它告诉我，真正的“入门”不是学会几个动作，而是建立起对这门艺术的敬畏之心和探索欲。每次合上书本，我都感觉自己不仅仅是多掌握了一些技巧，更像是被注入了一种全新的、对身体和运动更深层次的感知。