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孙佳慧 编

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552302646

商品编码：29867239225

丛书名： 舞蹈美育教程

出版时间：2013-08-01

 

 

 

 

目录

序  

前言

第 I 章 舞蹈美育概说

第 I 节 美与美育

一、美的本质与范畴

二、美育

第二节 舞蹈美育的内涵及性质

一、舞蹈美育的内涵

二、舞蹈美育的性质

第三节 我国舞蹈美育的历史溯源及当下发展

一、我国舞蹈美育的历史溯源

二、我国舞蹈美育的现代转型

三、我国舞蹈美育的当下发展

第二章 舞蹈美育的功能

第 I 节 舞蹈美育的生理功能

一、舞蹈美育对大脑发育的促进

二、舞蹈美育对身体发育的促进

第二节 舞蹈美育的心理功能

一、培养健全的心理结构   

二、促进智力结构的和谐发展

三、调适心理，净化心灵

四、培育完善人格

第三节 舞蹈美育的社会功能

一、培养群体意识

二、提升道德修养

第四节 舞蹈美育的文化功能

一、传承民族文化

二、推进“身心一体”文化的发展

第三章 舞蹈美育的实施

第 I 节 舞蹈美育的特点

……

第四章 提高欣赏舞蹈美的能力

第五章 提高创造舞蹈美的能力

参考文献

后记

 

 

 

内容推荐

这是一本适用于高等师范院校舞蹈教育专业师生或其他高校舞蹈专业师生使用的一本舞蹈美育专业教材。为了给高师舞蹈教育专业的教师及学生提供一本系统、科学、简明、实用的舞蹈美育教材，笔者在多年教学实践的基础上，参考**外几十种美学和美育教材以及大量科研成果，编写了这本《高师舞蹈美育教程》，以期对高师舞蹈教育专业人才的培养提供理论和实践的参考。

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这是一本适用于高等师范院校舞蹈教育专业师生或其他高校舞蹈专业师生使用的一本舞蹈美育专业教材。为了给高师舞蹈教育专业的教师及学生提供一本系统、科学、简明、实用的舞蹈美育教材，笔者在多年教学实践的基础上，参考**外几十种美学和美育教材以及大量科研成果，编写了这本《高师舞蹈美育教程》，以期对高师舞蹈教育专业人才的培养提供理论和实践的参考。

作者简介

孙慧佳，现任教于东北师范大学音乐学院舞蹈系，主讲舞蹈史论课程。舞蹈学博士，硕士研究生导师。2006年毕业于东北师范大学文学院硕士研究生，师从刘建军教授。2011年毕业于中国艺术研究院研究生院博士研究生，师从刘青弋教授。曾任吉林省艺术学院艺术研究所副所长、《吉林艺术学院学报》副主编。出版专著《舞蹈表演概论》《图说中国舞蹈》，在《舞蹈》《北京舞蹈学院学报》等刊物上发表论文多篇，承担多项省部级科研课题。博士论文《中国北方少数民族萨满舞蹈结构及功能研究》曾获中国艺术研究院研究生院"博士论文奖"。

纯粹的艺术之旅：探索古典音乐的黄金时代与现代流派 本书并非关于舞蹈教育或理论的教材，而是一部深入剖析古典音乐史、西方音乐流派演变及其核心美学思想的综合性著作。我们聚焦于音乐的结构、情感表达以及它如何与人类历史、哲学思潮紧密交织。全书以严谨的学术态度和生动的叙事方式，带领读者穿越巴洛克时期的精妙对位，抵达浪漫主义的磅礴叙事，最终探究二十世纪以来的音乐前沿探索。 第一部分：奠基与辉煌——西方音乐的早期结构（约公元1550-1820年） 本部分着重描绘了西方音乐从复调到单音旋律主导，再到古典主义时期结构严谨的范式确立。我们不会触及任何舞蹈的技巧或教程内容，而是将其视为一种独立的、纯粹的听觉艺术进行解析。 第一章：巴洛克的华彩与张力：从蒙特威尔第到巴赫 本章深入研究巴洛克时期音乐的核心特征——情感的“激动论”（Doctrine of Affections）与对位法的登峰造极。 对位艺术的解析： 详细剖析了巴赫《平均律钢琴曲集》中的赋格结构，分析其声部间的逻辑关系、主题的呈示、展开与再现。此处的讨论完全集中在听觉形式和声学原理，而非任何肢体表达。 协奏曲的诞生： 探讨维瓦尔第的《四季》如何通过音乐语言描绘自然景象，重点分析其快慢板的交替结构和乐队与独奏乐器的对话模式，强调其音乐的戏剧性对比。 歌剧的起源与发展： 考察早期歌剧如何从希腊悲剧的复兴理念中脱胎而出，分析美声唱法（Bel Canto）在巴洛克晚期达到的技巧高度，但所有分析都围绕声乐线条的音乐性、力度变化和装饰音的运用，不涉及舞台调度或身体动作。 第二章：古典主义的清晰与平衡：海顿、莫扎特与贝多芬的早期探索 古典主义时期是音乐结构逻辑的典范。本章的核心是形式的标准化与情感的内敛表达。 奏鸣曲式（Sonata Form）的解构： 细致拆解呈示部、发展部和再现部的功能，以莫扎特的钢琴奏鸣曲为例，展示主题如何在一个明确的框架内进行逻辑推演和冲突解决。我们关注的是音高、节奏和调性关系，而非任何外部参照。 交响曲的结构革命： 分析海顿如何将交响曲从早期的“四乐章”结构固定化，并探讨贝多芬如何在他早期作品中拓展奏鸣曲式的边界，为后来的浪漫主义埋下伏笔。这些分析完全聚焦于管弦乐配器中的声部组合和动态对比。 室内乐的精髓： 探讨弦乐四重奏作为“音乐的对话”的重要性，分析其声部间的平等性和织体的透明度。 第二部分：情感的洪流与民族的觉醒（约公元1820-1900年） 浪漫主义时期，音乐从追求客观的“美”转向表达主观的“真”。本部分将详细探讨这一时期音乐如何成为个人内心世界的宏大投射。 第三章：浪漫主义的诗意与英雄主义 本章聚焦于钢琴音乐的个人化倾向以及管弦乐叙事手法的成熟。 钢琴的抒情诗： 分析肖邦的夜曲和练习曲，如何将技巧性的练习转化为高度浓缩的情感表达。我们着重分析其和声的丰富性、踏板的运用（仅从音乐效果层面讨论）以及对传统曲式的发展。 德奥叙事曲的崛起： 深入研究舒曼和李斯特的艺术歌曲（Lieder）和钢琴叙事曲，探讨文学主题（如歌德或拜伦的诗歌）如何被转化为音符序列，以及音乐如何独立承载叙事功能。 贝多芬的遗产与瓦格纳的挑战： 探讨贝多芬晚期作品中蕴含的革命性精神，以及瓦格纳如何试图通过“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的概念，将音乐推向一个融合所有艺术形式的极端，并详细分析其主导动机（Leitmotif）系统的纯音乐逻辑。 第四章：民族主义与音乐地理学 本章探索十九世纪中后期，欧洲各国音乐家如何从德奥传统中汲取营养，并融入本土的民间音乐元素。 俄罗斯五人组的探索： 分析穆索尔斯基和林姆斯基-科萨科夫如何从俄罗斯民间调式和史诗中汲取灵感，构建具有强烈地域色彩的管弦乐作品，例如对特定音阶和节奏模式的偏好。 北欧的清冷与田园： 考察西贝柳斯和格里格等音乐家如何通过对自然意象的捕捉，确立独特的民族声乐风格，强调其配器中的色彩运用与和声语言的创新。 第三部分：跨越边界的实验与声音的未来（约公元1900年至今） 本部分探讨了在两次世界大战的背景下，音乐家如何系统性地打破了长达三百年的调性传统，探索全新的声音组织方式。 第五章：调性的终结与节奏的解放 印象主义与音色探索： 德彪西和拉威尔如何利用全音阶、五声音阶和复杂的和弦结构，创造出一种“暗示性”而非“确定性”的音乐氛围，其核心在于对音色的细微变化和管弦乐配器的创新。 无调性与十二音体系： 详细阐述勋伯格如何系统性地构建十二音技法，用以取代传统的大小调功能和声，这是一种纯粹的结构主义实验，其目的在于确保所有音高在序列中获得平等的地位。此处的讨论完全聚焦于音高组织，与任何身体表达无关。 原始主义与节奏的冲击： 分析斯特拉文斯基《春之祭》所带来的革命性影响，重点在于其多重节奏的叠加、不协和和弦的并置，以及对传统节拍规律的彻底颠覆。 第六章：战后声音的拓扑学与电子的介入 本章展望了二战后音乐的极度多元化和对声音本身的纯粹兴趣。 序列主义与随机性： 探讨布列兹等作曲家如何将十二音技法扩展到节奏、力度和时值等所有音乐要素上（全面序列化），以及约翰·凯奇如何通过概率和机遇（Chance Operation）来消解作曲家的主观意图，使音乐更接近环境声响的自然发生。 电子音乐的拓扑： 分析早期磁带音乐和后来的电子合成器在音乐创作中的角色，关注声音的物理特性、频谱分析和非传统音源的引入，将其视为一种全新的乐器学研究。 本书旨在提供一个纯粹的音乐审美和历史分析的视野，涵盖了从复调的严谨逻辑到现代声音实验的广阔疆域，完全避免了任何与舞蹈技法、教程步骤或特定体态训练相关的内容。读者将获得的，是对西方音乐结构、美学转变和技术创新的深刻理解。

评分☆☆☆☆☆

作为一位多年在舞蹈房里摸爬滚打的舞者，我深知理论知识的重要性，但更看重的是它能否真正指导实践。这套教程在“教学法”的设计上，显示出了上海地区深厚的艺术教育底蕴。它不是简单地罗列动作要领，而是非常细致地分析了不同年龄段和不同基础的学习者可能遇到的常见错误及矫正方法。例如，在讲解“转体稳定性”时，它不仅指出了要收紧核心，更进一步探讨了如何通过视觉焦点（spotting）的训练来克服眩晕感，这是一种非常系统且注重细节的指导。最让我佩服的是，书中对舞蹈的“审美判断”的培养也着墨甚多。它引导读者去思考，一个动作“美不美”，关键不在于动作本身是否标准，而在于它是否传达了清晰的情感意图。这种由内而外的训练，让学习者从一开始就建立起正确的审美标尺，避免了成为“动作机器”的风险，极大地提升了学习的深度和持久性。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我购买这本书最初的目的是想找一些“高阶”的编舞思路。我对舞蹈理论的兴趣更多地集中在后现代和当代舞的解构与重构上。这本书在这方面的探讨虽然不是主流，但却非常精妙。它通过对特定历史时期中，几位关键编舞家作品的深入剖析，揭示了他们是如何挑战既有范式的。书中对“非舞蹈性动作的引入与提炼”这一环节的讨论尤其深刻，它提供了一套分析框架，教我们如何审视日常生活中那些看似不经意的身体姿态，并将其转化为舞台语言的有效元素。我特别喜欢其中对“留白”艺术的解析，它不是教你做什么，而是教你“什么都不做”的力量。这种哲学层面的思考，让这本书超越了一般的技能训练手册，上升到了艺术思辨的高度。它鼓励我们质疑、探索，去打破既定的美学框架，对于希望在现有基础上有所突破的进阶学习者来说，无疑是一剂强心针。

评分☆☆☆☆☆

从装帧和整体设计来看，这本书也绝对称得上是一流的作品。纸张的质感非常舒适，在反复翻阅的过程中，页边的磨损也显得很有温度。更重要的是，它在学术严谨性与普及性之间找到了一个近乎完美的平衡点。你既能从中找到可以写进论文的理论支撑，也能找到可以立刻应用到课堂上的练习方法。例如，书中对于“身体感知与情绪关联的神经学基础”的介绍，虽然是硬核知识，但作者使用了非常流畅的叙事手法将其串联起来，让原本晦涩的科学概念变得通俗易懂，极大地拓宽了我们对舞蹈的认知边界。这本书不是那种读完一遍就束之高阁的工具书，它更像是一位经验丰富、学识渊博的导师，每一次重读都能带来新的领悟。对于任何一个严肃对待舞蹈艺术的人来说，它都应该被置于书架最显眼的位置，随时翻阅，温故知新。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上的很多教程总是把理论讲得枯燥乏味，恨不得把所有名词都塞给你，让人望而生畏。但拿到这本教材时，我惊喜地发现它在理论体系的构建上非常注重“应用性”。比如，在讲解音乐与动作的对应关系时，它没有停留在简单的节拍上，而是深入剖析了音乐的织体、力度变化如何影响肢体的张力与流动性。我记得其中有一章专门讲了“空间概念的动态化”，通过具体的练习场景描述，指导读者如何在有限的空间内创造出无限的视觉层次感。这对我排练一些小型作品时帮助极大，我不再是机械地完成动作，而是开始思考“我在空间中的位置与这段旋律的关系”。而且，这本书的排版设计也体现了极高的专业水准，图文的配合恰到好处，一些关键的动作分解图，线条清晰、角度精准，比很多视频教程还要直观。它成功地架起了一座桥梁，连接了冰冷的理论符号和鲜活的身体实践，让学习过程充满了探索的乐趣，而不是死记硬背的痛苦。

评分☆☆☆☆☆

这本《正版舞蹈教材 舞蹈美育教程 上海音乐舞蹈理论教程》真是让人眼前一亮，虽然我不是专业人士，但对舞蹈的热爱促使我翻开了它。刚接触舞蹈的时候，总觉得它离我很遥远，是舞台上那些光芒四射的舞者们独有的世界。这本书的开篇，并没有直接跳入复杂的技巧讲解，而是用一种非常温柔且富有启发性的方式，带领读者走进舞蹈的“精神世界”。它探讨了舞蹈作为一种人类表达形式的起源和演变，从远古的祭祀舞蹈到现代舞台艺术，那种穿越时空的叙事感，让我仿佛跟随作者的笔触，一同经历了舞蹈艺术的漫长旅程。特别是关于“身体意识”的构建，书中用生动的比喻和贴近生活的例子，阐释了如何通过呼吸、重心、空间感来重新认识自己的身体。这对于业余爱好者来说，简直是醍醐灌顶，让我明白舞蹈不仅仅是动作的堆砌，更是内在感受的外化。书中对于不同舞蹈流派的美学特征的比较分析也十分精彩，比如古典芭蕾的线条感与现代舞的自由精神之间的张力与和谐，作者的阐述深入浅出，既有理论深度，又不失阅读的愉悦感。