律动乐器 钢琴名作演奏探索作品6 音乐 正版图书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 钢琴曲
• 古典音乐
• 乐谱
• 律动乐器
• 音乐教材
• 名曲
• 演奏
• 探索
• 音乐书籍
• 正版书籍

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552310047

商品编码：29867226668

丛书名： 钢琴名作演奏探索6

基本信息

图书名称：	钢琴名作演奏探索6 作品
作 者：	南希·巴克斯
定价：	31.00
ISBN号：	9787552310047
出版社：	上海音乐出版社
开本：	16
装帧：
出版日期：	2016-9-1
印刷日期：	2016-9-1

编辑推荐

内容介绍

《钢琴名作演奏探索》套装版引自美国阿尔弗莱德公司，共分为六个级别，每级别分别包括“技巧”和“作品”分册。本套图书既是钢琴演奏技巧的讲解，又是钢琴经典作品的分析。浅显易懂，图文并茂。通过本套图书的学习，不仅可以获得演奏技巧的提高，更可以对“钢琴艺术”有更深的了解。

作者介绍

Nancy Bachus毕业于伊斯曼音乐学校，是首批纽约城和白宫”合奏音乐会“的演奏家之一。   辽宁师范大学音乐学院副教授 美国恩波利亚州立大学音乐学院客座教授

《音符的织锦：古典音乐的时代回响与风格演变》 导言：穿越时空的听觉之旅 本书旨在为广大的音乐爱好者和专业学习者提供一份详尽而深入的指南，探索西方古典音乐发展历程中那些至关重要的里程碑、核心风格的内在逻辑，以及塑造了我们今日音乐审美的关键人物和作品。我们不将音乐视为孤立的艺术形式，而是将其置于其诞生的社会、文化和哲学背景之下，探究每一次风格的更迭如何映射着人类思想的飞跃与变迁。本书的结构将围绕时间轴和主题风格展开，力求在宏观的叙事中保持对细节的精准把握。 第一部分：巴洛克之光——秩序、情感与宏伟 (约1600-1750) 巴洛克时期是音乐史上一个充满戏剧性和结构严谨的时代。本部分将首先剖析巴洛克音乐的对位法（Counterpoint）的精髓，分析其如何通过复杂的声部交织，构建出结构宏伟的音乐殿堂。 1. 巴赫与赋格的宇宙： 深入解析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的创作技法，特别是《平均律钢琴曲集》和《音乐的奉献》中的赋格结构。探讨巴赫如何将数学的精确性与深刻的宗教情感融为一体，以及他如何奠定西方和声学的基础。我们还将考察他的管风琴作品中对音色和呼吸感的极致运用。 2. 歌剧的诞生与发展： 考察意大利佛罗伦萨的“新艺术同好会”如何催生了歌剧这一结合了戏剧、音乐和舞台艺术的新形式。重点分析蒙特威尔第的早期作品，探讨主导旋律（Monody）的出现如何解放了人声表达，以及随后的那不勒斯乐派如何确立了咏叹调（Aria）的规范。 3. 协奏曲的成熟： 分析维瓦尔第的《四季》等作品如何确立了快-慢-快的协奏曲结构。探讨协奏曲中“独奏者与乐队”（Tutti）之间的对话和张力是如何在巴洛克时期被精心设计的。 4. 亨德尔的戏剧张力： 聚焦于乔治·弗雷德里克·亨德尔的清唱剧，尤其是《弥赛亚》，分析其在群声合唱（Chorus）运用上的巨大成就，以及他如何将民族性的戏剧元素融入到宏大的音乐叙事中。 第二部分：古典主义的理性之美——清晰、平衡与普世性 (约1730-1820) 古典主义时期是对巴洛克繁复装饰的反思，追求清晰的线条、平衡的结构和易于理解的旋律。本部分重点分析“奏鸣曲式”的建立及其对后世音乐的深远影响。 1. 奏鸣曲式的解构： 详细阐释奏鸣曲式（呈示部、发展部、再现部）的内在逻辑，分析其如何成为古典时期交响曲、奏鸣曲和四重奏的骨架。通过海顿晚期作品的范例，观察这一形式如何从早期实验走向成熟的典范。 2. 交响曲的奠基者： 深入研究“交响曲之父”约瑟夫·海顿的贡献。分析他如何将四乐章结构规范化，并赋予管弦乐队前所未有的角色区分，使之成为一个有机的整体。 3. 莫扎特的完美平衡： 探讨沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特在歌剧和协奏曲领域达到的巅峰。分析其旋律的流畅性、和声的精妙，以及他如何将人物内心复杂的心理活动融入到音乐的清晰结构之中。重点解析《费加罗的婚礼》和《安魂曲》中的创新之处。 4. 贝多芬的桥梁作用： 将路德维希·凡·贝多芬视为古典主义向浪漫主义过渡的关键人物。分析其早期作品如何遵循海顿和莫扎特的规范，而中期和晚期的作品（如《英雄交响曲》和晚期弦乐四重奏）如何通过动机的延伸、情感的极端化，开始突破既有形式的束缚，预示着浪漫主义的来临。 第三部分：浪漫主义的激情与个性——主观情感的爆发 (约1815-1910) 浪漫主义时期是个人情感和主观体验被提升到最高地位的时代。音乐不再仅仅是结构的游戏，而是对无限、自然、死亡和超凡事物的哲学沉思。 1. 艺术歌曲（Lied）的兴盛： 聚焦于舒伯特和舒曼，分析钢琴伴奏如何从单纯的伴奏提升为与歌者对话的伙伴，共同诠释诗歌的内涵。探讨“循环曲式”在歌曲套曲中的应用，如《冬之旅》。 2. 钢琴的黄金时代： 考察肖邦和李斯特如何彻底解放了钢琴的表现力。分析肖邦对波兰民间音乐的吸收、对小型体裁（如夜曲、圆舞曲）的精致化处理，以及李斯特在“交响诗”和炫技演奏上对钢琴音色和音域的拓展。 3. 交响诗的叙事革命： 探讨李斯特如何开创“标题音乐”（Program Music）的新纪元，通过单一乐章的管弦乐作品讲述文学或绘画故事。分析其“主导动机”（Leading Motive）的使用，为后来的瓦格纳歌剧奠定了基础。 4. 德奥晚期浪漫主义的磅礴： 深入布拉姆斯对古典传统的继承与发展，分析其内在的“绝对音乐”倾向；对比瓦格纳对歌剧的彻底改革，特别是“主导动机”的系统性运用和“无穷旋律”的构建，以及其在和声上对半音阶的极端探索。 第四部分：跨越边界——民族主义、印象主义与二十世纪的黎明 (约1850-1945) 随着民族意识的觉醒和对德奥正统的挑战，音乐开始向多元化发展。 1. 东欧的色彩： 考察德沃夏克、穆索尔斯基等作曲家如何从本国民间音乐和民族史诗中汲取灵感，创造出具有独特地域色彩的作品，反抗德奥音乐的中心地位。 2. 印象主义的瞬间捕捉： 重点分析德彪西和拉威尔如何受到印象派绘画的影响，追求音色、模糊的轮廓和瞬间的氛围感。探讨他们如何运用全音阶、五声音阶和复杂的和声色彩来“描绘”光影和水波。 3. 新古典主义与原始主义： 分析斯特拉文斯基在《春之祭》中对原始节奏的解放，如何震撼了当时的听众；以及后来的作曲家如何回归古典的清晰结构，但运用现代和声语言进行创作的新古典主义倾向。 4. 调性的瓦解： 简要介绍勋伯格的“无调性”探索，以及十二音体系（Dodecaphony）的出现，标志着西方音乐在近四百年历史中对“中心音”依赖的最终断裂，为后来的实验音乐铺平了道路。 结语：持续的对话 本书的最终目的，是培养读者一种“主动聆听”的能力，理解音乐是如何在历史的洪流中被创造、被接受、并不断自我革新的。通过对这些伟大作品及其创作背景的深入了解，听众将能够欣赏到音乐结构中的智慧、情感中的真挚，以及不同时代艺术精神的独特光芒。

评分☆☆☆☆☆

从一个资深业余学习者的角度来看，这本书的选曲广度令人印象深刻。它并没有局限于某个特定的时期或流派，而是跨越了多个重要的音乐发展阶段，提供了一个宏观而又深入的演奏视角。这种多元化的接触，极大地拓宽了我对钢琴音乐整体面貌的理解。我发现自己以前忽略的一些作曲家的作品，在书中有独到的演奏解析，让我重新燃起了学习它们的兴趣。而且，这本书在介绍每一组作品时，都会附带一个简短而精炼的历史背景介绍，这对于理解作品的创作动机和时代精神是至关重要的。这种“历史—理论—实践”三位一体的教学方式，让学习过程不再是孤立的，而是与整个音乐文化历史产生了深刻的连接。它像一个多功能的工具箱，不仅有锤子（技术），还有尺子（结构），更有指南针（历史方向感），让你的演奏之路走得更扎实，更有方向感。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来以为这又是一本中规中矩的钢琴演奏教材，但这本书的出现彻底颠覆了我的看法。它的结构设计非常人性化，知识点的递进完全符合一个学习者由浅入深的认知过程。翻开其中一章，我发现它对不同时期音乐风格的探讨极其到位，不是空泛的理论堆砌，而是紧密结合具体的作品片段进行分析，这对于提升演奏的准确性和风格把握能力至关重要。举个例子，书中对巴洛克时期复调音乐的处理建议，简直是醍醐灌顶，让我明白了织体层次感的重要性，这比我过去几年听的讲座都来得实在。而且，这本书的排版布局也十分考究，墨白相间，留白得当，阅读起来毫无压力，让人能长时间沉浸其中。它更像是一位经验丰富的导师，在你身边低语，引导你如何去雕琢每一个音符，如何去构建宏大的音乐结构。对于那些渴望将演奏提升到“艺术再现”层次的进阶学习者来说，这本书绝对是案头必备的“圣经”之一。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它对“音乐性”的强调，这往往是技术流教材所欠缺的灵魂。它不是简单地罗列技术动作，而是反复探讨如何让冰冷的音符“活”起来。书中关于踏板运用和触键深度的讨论，简直是教科书级别的解析，它告诉你，同样的力度标记下，不同乐句应该如何根据和声的走向来微妙地调整你的脚和手指的动作。我尝试按照书中的建议修改了几处自己长期以来固守的演奏习惯，效果立竿见影，原本平淡的段落突然间充满了歌唱性和呼吸感。这感觉就像是，你之前只是在描摹一幅画的轮廓，而这本书让你学会了如何用色彩和光影来赋予它生命。它鼓励我们去做一个有思想的演奏者，而不是一台精密的播放器。这份对音乐本质的深刻洞察，才是这本书真正值钱的地方。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，这本书的装帧质量简直可以算得上是艺术品了。打开它，你能感受到出版方在细节上投入的巨大心血。纸张的质感厚实而富有韧性，即使用力按压也不易损坏，这对于经常翻阅和练习的乐谱来说太重要了。更不用说那些印刷的精度了，即便是最细微的力度记号和速度变化标记，都清晰可辨，完全没有传统乐谱容易出现的墨迹模糊问题。这种高标准的物理呈现，无疑为学习体验增添了许多仪式感。我常常会花上几分钟，只是单纯地欣赏一下书页上那些精美的五线谱和标题字体设计。它让学习过程不再是简单的“任务”，而变成了一种享受，一种对美的追求。很多时候，我们低估了物理载体对学习效率和心情的影响，而这本书完美地证明了，好的载体能够激发人更强烈的学习欲望和对音乐的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱集简直是为所有热爱钢琴艺术的人量身定做的瑰宝！我一拿到手就忍不住翻阅起来，首先映入眼帘的是那种精致的装帧和清晰的印刷质量，让人爱不释手。里面的曲目选择非常独到，不像市面上很多教材那样拘泥于传统的练习曲，而是巧妙地将古典名作的精髓与现代演奏技巧融会贯通。光是看着那些经过精心编排的乐句，我的指尖就已经开始蠢蠢欲动，仿佛能听到乐音在指尖流淌的画面。特别是对于那些试图深入理解和再现大师原作情感深度的演奏者来说，这本书提供的注释和指法建议简直是如虎添翼。它不仅仅是让你学会“弹奏”音符，更是引导你去“理解”作曲家在创作时的心境和时代的背景。我尤其欣赏它在一些技术难点上的处理方式，不是生硬地给出指法，而是循序渐进地剖析难点，让学习过程充满了探索的乐趣，而不是枯燥的重复劳动。这本书的价值，在于它搭建了一座从知识到艺术的桥梁，让人在每一次的练习中都能感受到音乐的律动与生命的活力。