律动乐器 正版 约翰 汤普森现代钢琴教程2约翰·汤普森现代钢琴教程 钢琴书音乐书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552310320

商品编码：29867218285

丛书名： 约翰汤普森现代钢琴教程(2原版引进)

开本：8开

出版时间：2016-10-01

目录： 前言
1.拇指位于第二指（黑键）下《在阿尔卑斯山上》
2.轻歌剧《倚在远方的岩石上》
3.第二指越过拇指《越过我的大拇指了》
4.约·塞·巴赫《小步舞曲》
5.半音进行《在村旁》
6.常用的拍子记号及其起源《乡村庭园》
7.芭蕾《时辰之舞》
8.手腕断奏《圣诞歌》
9.持续的长踏板《遥远的钟声》斯特雷布格
10.踏板与琶音组《练习曲》杜弗诺伊
11.只用左手弹《比尔的山羊》
12.连续的踏板《在教堂》
13.车尔尼《快速的游戏》
14.长踏板和连续踏板《带我回弗吉尼故乡》
15.拇指在第三指下《梦幻》
16.第三指越过拇指《淘气包》
17.肖邦《A大调前奏曲》
18.主题变奏《星光圆舞曲》
19.大调式与小调式
《北极之旅》（C大调、a小调）
20.第四指越过拇指《飞行员》
21.平稳、流畅的手指连奏
《捉迷藏》（g小调）
22.速度变化《吉普赛营地》（e小调）
23.大歌剧《小步舞曲》
选自歌剧《唐·璜》
24.玛祖卡《小波兰舞曲》（a小调）
25.持续音《野兔和猎狗》
26.手的伸展《我们出发了》斯特雷布格
27.臂力击键《黑眼睛》（c小调）
终止和弦
28.和弦分析《练习曲》
属七和弦
29.贝多芬《浪漫曲》选自《第五奏鸣曲》
30.二二拍子《幽默曲》
31.李斯特《爱之梦》第三首
32.情绪对比《斯拉夫小狂想曲》（d小调）
33.清唱剧《哈利路亚合唱》
选自《弥赛亚》
34.塔兰泰拉舞曲《蹦蹦跳跳穿过森林》
琶音转动的触键
35.琶音《练习曲》
36.琶音变奏《只会射击的士兵》
37.弹奏旋律《深深的河》
38.双手交叉《飞蛾》（小谐谑曲）
39.三连音《乔纳森爷爷》
40.比才《哈巴涅拉》
选自歌剧《卡门》（d小调、D大调）
41.断奏《蜜蜂和苜蓿》
42.三连音的分解和弦《试飞》
43.颤音《练习》
《夜莺和布谷乌》
44.跳音和颤音
《两把吉它》俄罗斯吉普赛歌曲（d小调）
45.记号tr——《鸟之歌》
46.奥芬巴赫《船歌》
选自歌剧《霍夫曼的故事》
47.海顿《吉普赛回旋曲》主题
48.转动的触键《矮人进行曲》
49.歌唱性的音调《维也纳旋律》
50.转动的触键《诙谐曲》
音阶指法表大调和小调
小调的三种形式——自然、旋律、和声
音乐术语和表情记号
技巧训练
升级证书

内容提要： 约翰·汤普森*的这本《约翰·汤普森现代钢琴教程（2原版引进）》为一年级小学生设计。其目的在于为钢琴学习打下一个正确、完整的基础，使学生在对音乐理解的基础上感受、思考和弹奏。本书主要的学习内容有：拇指从掌下穿过和手在拇指上越过，加线，踏板，大调及关系小调、同名小调的音阶，手的伸展，终止式，琶音，属七和弦的谱例及和弦分析，颤音，不同的触键等课程。

弦歌不辍：一部探索世界音乐文化的深度旅程 书籍名称： 弦歌不辍：一部探索世界音乐文化的深度旅程 作者： [此处留空或用一个富有文化气息的笔名，例如：林风、青石] 出版社： [此处留空或用一个文学气息浓厚的虚构社名，例如：翰墨轩、澄源文集] ISBN： [此处留空或填写一个与钢琴教程无关的虚构ISBN] --- 内容简介： 《弦歌不辍：一部探索世界音乐文化的深度旅程》并非一部教授具体演奏技巧的教材，而是一部带领读者深入剖析人类音乐遗产广袤图景的文化史诗。本书的笔触专注于音乐在不同文明、不同时代所扮演的角色、其内涵的哲学意义，以及它如何作为一种跨越语言的交流媒介，构建起人类精神世界的独特版图。 本书共分为六个宏大的篇章，每一章都致力于揭开一个特定文化群体的音乐面纱，探究其独有的音韵逻辑与社会功能。我们旨在超越简单的曲目罗列，而是尝试理解“何以如此奏响”背后的深层文化驱动力。 第一章：远古的共鸣与神圣的音律——东方智慧的音乐图腾 本章聚焦于东亚传统音乐体系的根基。我们将从中国古代“礼乐制度”的构建入手，探讨五音（宫、商、角、徵、羽）如何与宇宙观、道德伦理紧密结合，而非仅仅是音高序列。重点解析古琴（七弦琴）的“减字谱”系统，这种独特的记录方式本身就是一种冥想和哲学实践的体现，其追求的“大音希声”境界，与西方对宏大叙事的偏好形成鲜明对比。 随后，笔锋转向日本的雅乐（Gagaku），追溯其自奈良时代继承自唐朝宫廷音乐的演变轨迹，以及“能剧”和“歌舞伎”中音乐元素的象征性运用。我们还将考察韩国的“正乐”与“散调”，解析其复杂节奏结构中蕴含的民间生命力与文人雅致的张力。本章的核心在于理解：在这些文化中，音乐往往是“秩序”与“和谐”的物质体现。 第二章：地中海的咏叹与信仰的交织——欧洲早期音乐的母体 这一章节将时间线拉回至中世纪的欧洲。我们不再关注后世的复调艺术，而是深入探讨单音音乐（Monophony）的权力与纯粹。格里高利圣咏（Gregorian Chant）的兴起，是如何在基督教化进程中，成为统一西方精神信仰的听觉工具。我们将剖析其“自由节奏”的本质，以及修道院如何成为早期音乐理论与记谱法的孵化器。 此外，本章也将探讨世俗音乐的萌芽，即游吟诗人（Troubadours/Trouvères）的歌谣。这些音乐如何承载了宫廷爱情（Courtly Love）的理想，以及吟游诗人在社会阶层流动中扮演的文化桥梁角色。我们将辨析早期教会音乐与世俗歌谣在功能和情感表达上的本质区别。 第三章：巴洛克的回响与理性之光——结构与激情的辩证法 跨越文艺复兴的边界，本章聚焦于巴洛克时期（约1600-1750年）音乐的复杂性与装饰性。我们着重分析“数字低音”（Basso Continuo）这一革命性概念，它如何为音乐带来了统一的和声框架，并赋予即兴演奏者极大的结构自由。 重点分析的议题包括：歌剧作为一种“综合艺术”的诞生，它如何融合戏剧、诗歌与音乐来达到情感的极致渲染；赋格（Fugue）的逻辑结构，如何体现了17世纪对数学与宇宙和谐的理性追求；以及协奏曲（Concerto）中，独奏乐器与乐队之间戏剧性的对话与抗衡。本章强调巴洛克音乐的“动觉性”——它不仅要被聆听，更要被感知到其内在的机械运作之美。 第四章：异域的鼓点与灵魂的呼唤——非洲音乐的律动中心 本书的重要转折点在于深入非洲大陆的音乐传统。本章的核心是“节奏的多重性”与“音乐的社会功能”。我们将探讨西非鼓乐（如杜姆杜姆鼓、杰姆贝鼓）中复杂的复节奏（Polyrhythm）是如何通过“呼应”（Call and Response）结构，成为社区沟通、仪式庆典乃至历史传承的主要载体。 我们深入分析了“万物有灵论”在音乐中的体现，即音乐不是孤立的艺术品，而是与舞蹈、宗教实践和日常生活无缝对接的“行动”。此外，本章还会追溯非洲音乐对美国爵士乐和蓝调的深远影响，解析其“蓝调音阶”和即兴精神的文化根源。 第五章：拉丁美洲的色彩与混血的旋律——跨文化张力的和声 本章致力于探索拉丁美洲音乐的熔炉特性。西班牙殖民遗产、原住民的古老旋律、以及非洲奴隶带来的节奏，共同熔铸了探戈、桑巴、波萨诺瓦等标志性音乐形式。 我们将详细解读探戈的“切分音”与“忧郁的精准性”，分析其如何在布宜诺斯艾利斯港口贫民窟中，成为阶层之间复杂情感（爱、失落、宿命）的代言者。在巴西的案例中，我们探究桑巴如何从里约的贫民区走入嘉年华的中心，成为一种融合了狂喜与政治隐喻的文化表达。本章旨在揭示：拉丁美洲音乐的魅力，恰恰在于其不稳定的、不断融合的身份认同。 第六章：电子时代的消解与重构——科技对音乐本体的冲击 最终章将视野投向当代。我们不再关注传统乐器的使用，而是考察20世纪后半叶以来，电子合成器、采样技术和数字音频工作站（DAW）如何彻底颠覆了音乐的制作、传播与消费模式。 本章分析了“噪音”如何被纳入音乐的范畴，以及极简主义（Minimalism）与重复结构对听众注意力的重新训练。我们会探讨电子舞曲（EDM）背后的社区构建逻辑，以及互联网如何导致音乐风格的碎片化与全球性交叉感染。核心讨论是：当音乐的“物理实体”被消除后，其“精神价值”和“社会效用”是否发生了根本性的改变？ --- 本书特点： 跨学科视野： 融合了人类学、社会学、宗教学与音乐史学，提供多维度的解读。 深度文本分析： 专注于对特定音乐形式背后的文化语境、意识形态的深入挖掘，而非停留在技术层面。 避免音乐范式的局限： 刻意避开对欧洲古典音乐体系（如奏鸣曲式、严格和声学）的过度依赖，以更平等的视角审视全球音乐遗产。 丰富的历史案例： 穿插介绍具体的历史人物、重要的音乐手稿发现，以及音乐如何介入重大历史事件的叙事。 读者对象： 本书适合所有对人类文明史、跨文化交流、艺术哲学有浓厚兴趣的读者，尤其是希望拓宽音乐视野、理解不同文化“如何听世界”的音乐爱好者、艺术史学生以及文化研究者。它将挑战您既有的听觉习惯，引导您进入一个声音的无垠宇宙。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是直击人心，那种带着复古感的米白色和沉稳的深红色搭配在一起，立刻就让人联想到那些在老式音乐厅里，灯光聚焦在钢琴上的庄严瞬间。我刚拿到手的时候，首先被它印刷的质感吸引住了——纸张厚实，拿在手里有种实实在在的分量感，不像有些教材拿到手轻飘飘的，让人觉得内容也同样轻薄。虽然我还没完全深入到里面的每一个音符和指法练习中，但光是翻阅前几页的那些乐理基础概念的图示和文字排版，就觉得编者是用心良苦的。尤其是关于音符时值和拍号的解释部分，他们没有采用那种枯燥的理论灌输，而是用了一些非常形象的比喻，让初学者也能很快抓住核心。我记得有一处讲到切分音时，用了“节奏的小小舞蹈”来形容，一下子就让原本有些抽象的概念变得生动起来，这对我这种理论功底薄弱的人来说，简直是福音。我目前最期待的，是尽快开始练习书里收录的那些小品，希望能真正感受到指尖下流淌出美妙旋律的那种成就感，相信这套教材在建立扎实基础方面绝对不会让人失望。

评分☆☆☆☆☆

从一个对音乐有强烈热情但缺乏系统训练的人的角度来看，这本教材在“可读性”和“实用性”之间找到了一个近乎完美的平衡点。它没有像一些过于学术化的乐理书那样，用密密麻麻的德语或意大利学术语把人吓跑。相反，它的语言是清晰、直接且充满鼓励性的。我尤其喜欢它在讲解指法转换时，配上的那些细致的手型图示。那些图示非常直观，能够清楚地看到手指是如何“拱起”和“落下”的，这对于纠正我长期以来形成的那些不规范的“扁平手型”大有裨益。我试着按照书上的建议调整了几个小节的练习，效果立竿见影，原本觉得僵硬的音阶立刻流畅了不少，感觉手指不再是互相打架的，而是开始协作跳舞了。这种即时反馈的体验，极大地提升了我的学习积极性。这本书就像一位耐心且眼光独到的导师，时刻在你身边指导你，让你每跨出一步都走在正确的轨道上。

评分☆☆☆☆☆

我家里已经堆了不少钢琴教材，但这一本无疑是我目前翻阅频率最高的。它不仅仅是一本“教程”，更像是一本可以长期陪伴学习者成长的“工具书”。不同于那些为了迎合最新潮流而不断改版、内容碎片化的教材，它展现出一种难能可贵的稳定性和深度。当我尝试去弹奏书里那些看似简单的练习曲时，我能感受到里面蕴含着对钢琴演奏核心技术——如均匀的音色、清晰的颗粒感——的精妙设计。我注意到，很多练习曲的旋律都非常优美，它们不是那种为了练习而生硬拼凑的音符串，而是真正具有音乐性的片段，这让我在练习枯燥的技巧时，心里也不会感到乏味。这种将“技术训练”巧妙融入“音乐欣赏”之中的编排方式，是高级教材的标志。我确信，即使我将来水平提高了，这本书也不会被我丢弃，它会成为我定期回顾基础、检验演奏状态的“试金石”。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我买这本教材纯粹是冲着它的名气去的，毕竟“约翰·汤普森”这个名字在钢琴教育界的分量，不亚于一份金字招牌。但我更关心的是，在时代快速更迭的今天，这些经典的教材是否还能跟得上现代教学的审美和需求。让我感到惊喜的是，虽然核心的经典内容被保留了下来，但在细节处理上，它加入了许多现代化的考量。比如，在一些需要双手配合的练习中，教材会非常清晰地标明左右手重音和触键力度，甚至连踏板的运用都给出了明确的建议，这对于自学者来说至关重要。我以前总是在“要不要踩踏板”这个问题上纠结，现在教材直接给出了“初级建议”和“进阶建议”，让我可以根据自己的熟练程度灵活调整。此外，书中穿插的一些关于音乐史和作曲家背景的小插曲，虽然篇幅不长，但极大地丰富了学习的维度，不再是单纯的“练琴机器”，而是带着对音乐家精神的理解去弹奏。这种全方位的熏陶，是那种只关注指法练习的教材所无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这套教材的编排逻辑简直是教科书级别的优秀，它仿佛是为我这种“半路出家”的成年学习者量身定做的。我之前尝试过几套别的教材，往往是前半部分讲得过于简单，等我以为自己会了，猛地插入一大段超乎我理解范围的复杂技巧，结果就是挫败感爆棚，书也束之高阁了。但“约翰·汤普森”系列给我的感觉是循序渐进得近乎“温柔”。它不是那种急于求成的“速成班”教材，而是扎扎实实地，每一步都让你踩稳了再往上走。比如，它对和弦的引入和分解的讲解，处理得极其细腻，先是用最简单的三和弦，然后通过和声进行的小变化，自然而然地过渡到更复杂的色彩和声。我尤其欣赏它在曲目选择上的独到眼光，那些曲子虽然初听起来可能不那么“炫技”，但它们对锻炼手指的独立性和触键的均匀度有着奇效。我甚至怀疑，很多专业老师私底下都会用这套书来帮助那些基础不牢的学员打底子，因为它避免了太多花哨的技巧干扰，回归了音乐学习最本质的——听觉和手感的统一。