中国风钢琴四手联弹曲集3 钢琴教材 钢琴曲谱 音乐书籍 教程书中国风 入门 王磊编著 钢琴曲籍 音乐 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552313093

商品编码：29867219670

丛书名： 中国风钢琴四手联弹曲集3

开本：16开

出版时间：2017-08-01

目录

1 清江画廊

2 满江红

3 台.湾谣

4 河灯

5 龙城飞将

6 我们走任大路上

7 篝火晚会

8 咱们屯里的人

9 谁言寸草心

10 小木偶

11 凤阳花鼓

12 踩花山

巨牛图书专营店

好的，以下是为您创作的图书简介，聚焦于其他音乐学习主题，完全不涉及您提供的“中国风钢琴四手联弹曲集3”的内容： --- 《古典音乐大师的技法精粹：巴赫到德彪西的钢琴演奏哲学》 导言：跨越时空的对话与技艺的传承 音乐，是人类情感最精妙的载体之一。对于钢琴演奏者而言，掌握技巧固然重要，但真正深刻的理解，来源于对历史脉络的洞察和对作曲家创作意图的挖掘。本书并非一本单纯的曲目集或入门教程，而是一部深度剖析西方古典钢琴音乐发展史中关键技术流派与演奏哲学的专著。我们旨在引导读者超越指法层面的机械模仿，进入到声响设计、织体处理以及历史语境理解的更高维度。 本书的核心价值在于，它将浩瀚的钢琴音乐史浓缩为一系列可供实践和思考的“技法模块”，从巴赫的对位精妙，到浪漫主义的激情叙事，再到印象主义的色彩实验，为严肃的钢琴学习者提供一套系统化、可操作的深入研究框架。 第一部分：巴赫的织体与结构——逻辑之美与手指的独立性 本部分聚焦于巴洛克时期键盘音乐的精髓，尤其侧重于约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的作品。我们不局限于《平均律键盘曲集》的表面练习，而是深入探讨巴赫复调音乐的内在逻辑——如何通过对位法建立起清晰的声部线条，以及如何在复杂的织体中保持每个声部的独立性和歌唱性。 和声的几何学： 分析巴赫赋格曲中的主题呈示、展开、中段处理以及再现部策略。重点讲解如何通过“听觉定位”来确保低音声部、中声部和高声部之间的平衡与穿透力。 手指的“独立军团”： 探讨巴赫对指法提出的独特挑战。我们将详细解析如何训练手指的非连贯性触键（Non-legato touch），这对于清晰地划分声部至关重要。不同于浪漫派的“连奏”观念，巴赫要求的是一种清晰、有颗粒感的“呼吸感”。 速度与韵律的辩证关系： 讨论巴赫作品中“运动感”的来源，并非完全依赖于速度，而是依赖于精准的节奏划分和对乐句的结构性处理。我们提供了一套针对性练习，旨在帮助演奏者在保持结构清晰的前提下，实现流畅而有活力的演奏。 第二部分：古典主义的清晰与平衡——海顿、莫扎特与贝多芬的建筑美学 古典主义时期，音乐结构进入了以奏鸣曲式为核心的严谨阶段。本部分强调清晰的结构、均衡的音量对比以及对“自然”人声旋律的模仿。 结构可视化： 如何通过对呈示部、发展部和再现部的明确划分，赋予演奏以清晰的叙事逻辑。我们将通过分析莫扎特奏鸣曲的乐章布局，展示如何通过触键的细微变化来标识主题的“登场”与“退场”。 触键的“透明度”： 探讨古典钢琴触键的特点——要求音色纯净、颗粒分明，避免不必要的模糊感。重点训练对踏板的克制使用，强调“指下发声”的能力。 贝多芬的张力构建： 深入研究贝多芬如何突破古典的框架，在结构内部注入强大的戏剧性。这涉及到对力度记号（sforzando, crescendo）的精确执行，以及如何将发展部的冲突感有效地推向高潮。我们将分析他晚期作品中，对音域跨度和和声色彩的创新性运用。 第三部分：浪漫主义的抒情与激情——肖邦、李斯特的触键革命 浪漫主义是钢琴演奏技法爆发式发展的时代，它要求演奏者将个人情感融入到音乐的每一个细节中，对键盘的控制达到了前所未有的精细程度。 “歌唱性”的极致追求： 重点分析肖邦的“Cantabile”理念。这不仅是关于旋律线的连贯，更是关于如何让钢琴的每一个音符都仿佛拥有呼吸。本书将介绍如何通过指尖的重量转移和“内在的支撑感”来实现这种“歌唱性”。 李斯特的“管弦乐队化”： 探讨李斯特如何将钢琴的性能推向极限，模仿大型管弦乐队的音响效果。我们将详细解析如何处理宽广的琶音、快速的八度交替以及复杂的和弦铺陈，同时保持声音的连贯性和戏剧张力。这要求对琴键的深度和速度进行极其复杂的动态控制。 踏板的“色彩晕染”： 区别于古典主义的克制，浪漫主义的踏板使用成为创造声响氛围的关键工具。我们提供了一套系统训练，教授如何在保持和声清晰的同时，利用延迟踏板和半踏板技术，创造出如梦似幻的“音色晕染”效果。 第四部分：印象主义的声音探索——德彪西与拉威尔的色彩与氛围 进入20世纪，钢琴音乐的焦点从结构和叙事转向了对光影、水波和抽象感觉的捕捉。德彪西和拉威尔的作品要求演奏者彻底改变以往的演奏习惯。 “非功能性”的和声与音色： 德彪西的作品挑战了传统的和声逻辑。演奏者需要学会接受和声的“并置”而非“解决”，并着重于音色的质感。我们将分析如何利用全音阶、五声音阶和复杂的九和弦，来营造出“朦胧”或“透明”的音响效果。 “指尖的重量”与“声音的悬浮”： 如何在演奏中实现“轻盈”和“沉重”的矛盾统一？本书详细阐述了德彪西对键盘深度的要求——既要有足够的重量来唤醒琴弦的共鸣，又要在声音达到顶峰时，保持一种不着痕迹的消散感，仿佛声音悬浮在空气中。 节奏的“游移性”： 印象派的节奏往往是松散、流动且难以捉摸的。我们将探讨如何通过微小的速度弹性（Tempo Rubato的非传统运用）和精准的重音分布，来模拟自然界中非周期性的律动，而非僵硬的节拍器控制。 结语：技术服务于审美——成为音乐的“翻译官” 本书的最终目标是帮助学习者认识到，所有技术和风格的差异，归根结底都是为了更好地服务于作曲家的原始审美意图。掌握了不同历史时期的技法精髓，演奏者才能真正成为一位跨越时空的音乐“翻译官”，用当代的指尖，忠实而富有生命力地呈现出这些不朽的作品。这是一本为有志于深刻理解和演奏西方钢琴文献的进阶学习者和专业人士而准备的工具书。

评分☆☆☆☆☆

作为一名多年的钢琴老师，我接触过市场上形形色色的教材和曲集，但能将“中国风”的精髓与四手联弹这种合作形式结合得如此自然和谐的，实属罕见。这本教材的编排逻辑非常清晰，它不仅仅是把独奏曲简单地分成了上下两部，而是真正思考了如何让两个钢琴发出的声音共同构建起一个完整的东方意境。例如，在处理一些具有五声音阶特色的乐段时，编者没有生硬地使用大跨度的和弦堆砌，而是通过声部的巧妙交织，模拟出了古筝拨弦或琵琶扫弦的那种空灵感和颗粒性。这对于提升学生的音乐感受力和合作能力是非常有益的。此外，曲目难度跨度把握得也很到位，从入门级的清新小品到需要精细打磨的中等难度作品都有涉及，确保了不同水平的组合都能找到适合自己的挑战。我特别喜欢其中几首配器细节上的用心，比如低音部的持续音处理，像极了远处的鼓点烘托，给整个演奏增添了厚度和深度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初买这本曲集，很大一部分原因是冲着“入门”这个标签去的，因为我们家两个孩子刚开始接触四手联弹，需要一些难度适中、容易出效果的作品来建立信心。这本《中国风钢琴四手联弹曲集3》在这方面做得非常出色。曲谱的排版清晰易读，符号标注明确，对于初学者来说，即使是复杂的节奏型，通过四手联弹的模式，也更容易被分解和理解。最让我惊喜的是，很多曲子虽然简单，但听起来却“高级感”十足，毫不敷衍。比如有一首描绘月夜的曲子，它巧妙地利用了简单的分解和弦和延长音，营造出一种宁静悠远的氛围，孩子们第一次合奏出来时，那种“我们竟然能弹奏出这么美的音乐”的成就感是无价的。这种成功的体验能极大地激发他们继续学习钢琴的热情，远比枯燥的练习曲有效得多。强烈推荐给有亲子合作或初学者组合的家庭。

评分☆☆☆☆☆

我对手指的灵活度和准确性一直比较头疼，尤其是涉及一些快速的琶音和复杂的交错指法时，总是感觉力不从心。抱着试试看的心态买了这本《中国风钢琴四手联弹曲集3》，没想到它在技术训练方面也藏了不少“小心机”。很多曲子的技术难点并非是那种教科书式的、枯燥的音阶练习，而是将技术融入到富有民族特色的旋律走向中。比如，为了模仿竹笛的悠扬高音，高声部会设计一些非常快速的、跳跃式的十六分音符跑动，这极大地锻炼了我们手指的独立性和反应速度。更妙的是，四手联弹的特性使得我可以更专注于自己的声部，因为另一个人会负责稳定节奏或构建和声背景，这种“掩护”让我在练习一些平时不敢轻易尝试的复杂技巧时，有了更大的心理缓冲。总的来说，它用优美的旋律包裹了严谨的技巧训练，让“练琴”的过程不再是煎熬，而是变成了一种享受探索的过程，我的手指灵活度在这段时间内有了肉眼可见的进步。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选曲简直是太棒了！我一直很想找一些既有传统韵味又不失现代感的钢琴曲来练习，这本《中国风钢琴四手联弹曲集3》完全满足了我的需求。比如其中有一首改编自某江南水乡小调的曲子，原曲的婉约和悠长被巧妙地融入到了四手联弹的编排中，高音区和低音区的对话充满了画面感，仿佛真的能看到小桥流水人家。更值得称赞的是，王磊老师的编配功力非常深厚，即便是对于我们业余学习者来说，虽然有一些技巧上的挑战，但整体上节奏感和旋律的流畅性都处理得恰到好处，不会让人觉得过于晦涩难懂。四手联弹本身就需要极高的默契度，而这些曲目设计得非常注重两位演奏者之间的互动，你来我往，配合起来乐趣无穷。我们小组排练了好几次，每一次都有新的发现，比如某个和弦的色彩变化，或者某个乐句的力度对比，都让我们的演奏效果提升了一个层次。绝对是值得反复品味和挑战的曲集，非常推荐给所有热爱中国风音乐的钢琴爱好者们！

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，优秀的音乐作品不应只停留在古典或浪漫主义的框架内，将民族音乐元素融入现代钢琴演奏，是拓宽视野的重要途径。这本曲集的选材和处理方式，展现出一种非常成熟且富有远见的态度。它没有局限于那些老套的民歌改编，而是明显加入了更多当代编曲的思维，使得音乐听起来既“中国”又“现代”。例如，某首曲子中对于节奏的运用，明显受到了爵士乐中切分音的影响，但整体和声结构仍然稳固在传统五声框架内，这种融合带来了非常新鲜的听觉体验。作为听众，我发现自己被深深吸引，它不再是那种“为了民族而民族”的堆砌，而是真正实现了不同音乐语境的对话。这种高水平的艺术处理，无疑能提升学习者的音乐审美层次，让他们在掌握演奏技巧的同时，也能培养出对跨文化音乐的鉴赏能力，是非常值得收藏和深入研究的一本高品质曲集。