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靳超英陶维加 编

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807512929

商品编码：29867216617

丛书名： 大学音乐鉴赏教程

开本：16开

出版时间：2010-09-01

• 版 次：1
• 页 数：326
• 字 数：
• 印刷时间：2008-11-1
• 开 本：16开
• 纸 张：胶版纸
• 印 次：1
• 包 装：平装

 

 

 

目录 序
前言
上篇
本篇导读
第-章 音乐艺术与音乐欣赏
第-节 音乐艺术
一、音乐艺术的性质
二、音乐艺术的类别
三、音乐艺术的要素
第二节 音乐欣赏
一、音乐活动的过程
二、音乐欣赏的过程
第二章 中国音乐概况
第-节 中国古代音乐（一）
一、歌舞音乐
二、声乐
三、器乐
四、音乐理论
第二节 中国古代音乐（二）
一、戏曲音乐
二、曲艺音乐
三、民间歌曲
四、乐器与器乐
五、乐律学
第三节 中国近现代时期的音乐
一、近代传统音乐的发展
二、西洋音乐的传入与学堂乐歌的兴起
三、五四新文化运动影响下专业音乐活动的兴起与发展
四、中国共产党领导下的革命音乐活动
五、解放区的音乐
六、国统区的音乐
第三章 西方音乐概述
第-节 古希腊和古罗马音乐
第二节 中世纪音乐
第三节 文艺复兴时期的音乐
第四节 巴洛克时期音乐
一、巴洛克时期的声乐音乐
二、巴洛克时期的器乐音乐
第五节 古典主义时期音乐
第六节 浪漫主义时期音乐
第七节 近现代时期音乐
一、印象主义音乐（Impressionism）
二、民族主义音乐（Nationalism）
三、新古典主义（Neo-Classical）
四、表现主义（Expressionism）
五、序列主义（Serialism）
六、其他音乐
下篇
本篇导读
第四章 声乐经典作品鉴赏
第-节 中外民歌
一、中国民歌
二、外国民歌
第二节 中外艺术歌曲
一、中国艺术歌曲
二、德奥艺术歌曲
第三节 中外大型声乐作品
一、中国大型声乐作品
二、外国大型声乐作品
第五章 器乐经典作品鉴赏
第-节 中国民族器乐作品
一、中国民族器乐的历史发展概况
二、民族器乐独奏曲及演奏家
三、民族器乐合奏曲
第二节 西方中小型器乐作品
一、前奏曲（Preltlde）
二、变奏曲（Variation）
三、幻想曲（Fantasia）
四、奏鸣曲（Sonata）
五、赋格（Fugtle）
六、随想曲（Capriccio）
七、即兴曲（Impromptu）
八、船歌（Barcarolle）
九、夜曲（Nocturne）
十、小夜曲（Serenacle）
十一、进行曲（March）
十二、狂想曲（Rhapsody）
十三、练习曲（Study）
十四、回旋曲（Ronclo）
十五、圆舞曲（Waltz）
十六、波洛奈兹（Polonaise）
第三节 中外大型管弦乐作品
一、序曲（Overture）
二、组曲（Suite）
三、协奏曲（Concerto）
四、交响诗（Symplionic Poem）
五、交响曲（Symphony）
六、中国管弦乐作品
第六章 综合音乐艺术经典作品鉴赏
第-节 中外歌剧
一、中国歌剧
二、外国歌剧
第二节 中外舞剧
一、中国舞剧
二、外国舞剧
第三节 音乐剧
一、概述
二、经典作品欣赏
第四节 中国戏曲音乐和说唱音乐
一、戏曲音乐
二、说唱音乐
附录一 乐理知识简介
附录二 音乐曲式简介
附录三 常见音乐体裁简介
主要参考书目
后记

 

在线试读部分章节 章 音乐艺术与音乐欣赏
节 音乐艺术
一、音乐艺术的性质
音乐作为一门艺术，与文学、美术、雕塑等艺术形式的根本区别，在于它是一门听觉的艺术。音乐通过在时间中展开的音响，以表演的方式来塑造形象和表现人们的思想感情，因而音乐也是时间的艺术、表演的艺术和情感的艺术。 ……  

 

内容推荐 本书编辑的理念：“怡情、增智、育德”，作为在普通高校开展公共音乐艺术课程教育的目的，本书所选用的音乐作品鉴赏分析等，将尽可能从更广的层面予以人文的诠释。因此，本书的信息量较大，涵盖了声乐、器乐、综合音乐艺术等门类的鉴赏内容，所选音乐作品皆为中外经典之作。在鉴赏之前，还安排了“中国音乐概述”与“西方音乐概述”两个章节。以便使学生对中、西方音乐的发展史有一个基本的了解。编辑这样较大容量的教材，力图让同学们在有限的时间内，对音乐欣赏方法，中国音乐与西方音乐发展的脉络，中外作曲家、演奏家和经典音乐作品有一个基本的了解和认识。因此，建议教师在授课时对同类体裁的作品应有所选择，余下的作品可作为课外补充欣赏，也为学生自学教材拓展了一个广阔的空间。 本书音乐作品介绍采用图文并茂的形式，每一部作品介绍之后还附有谱例。谱例采用简谱和五线谱两种记谱方式，供学生欣赏之余去学唱，并记住这些中外音乐名作的美妙旋律。本书每一章后还附有思考与拓展题。  

 

《西方音乐史精要：从巴洛克到二十世纪的流变》 内容提要： 本书旨在为音乐爱好者、初级音乐专业学生以及对西方音乐发展脉络感兴趣的读者，提供一部结构清晰、内容精炼的西方音乐史导论。我们避开了对冷僻流派和复杂理论的过度纠缠，聚焦于几个关键的历史时期、代表作曲家及其核心作品所体现的时代精神与音乐语言的演变。全书以时间为轴，系统梳理了自巴洛克时期早期兴起到二十世纪中叶现代主义浪潮前夕的音乐发展历程，重点剖析了风格的更迭、曲式的创新以及技术革新如何共同塑造了西方古典音乐的辉煌图景。 第一部分：巴洛克时代的辉煌与秩序（约1600-1750年） 本部分将深入探讨西方音乐史上一个充满活力与严谨的时代。巴洛克，意为“不规则的珍珠”，却在音乐中呈现出惊人的结构对称与情感的二元对立。 第一章：巴洛克早期：歌剧的诞生与通奏低音的奠基 我们将从意大利佛罗伦萨的“歌唱家集团”开始，探讨歌剧作为一种全新艺术形式的诞生背景——对古希腊悲剧的复兴渴望。重点分析蒙泰威尔第（Monteverdi）的《奥尔费奥》如何确立了宣叙调与咏叹调的基本格局。随后，我们将解析“通奏低音”（Basso Continuo）这一核心技法，它如同巴洛克音乐的骨架，支撑起复杂的织体。对赋格曲雏形和协奏曲精神的初步介绍，将为后续章节做好铺垫。 第二章：巴洛克盛期：宏伟与对位法的巅峰 本章聚焦于巴洛克风格的成熟与定型。我们将详细考察协奏曲体裁（Concerto Grosso与独奏协奏曲）的发展，分析维瓦尔第（Vivaldi）对快速/慢速/快速三乐章结构的确立及其对乐队色彩的运用。随后，笔锋转向对位法的集大成者——巴赫（J.S. Bach）。我们不仅会欣赏《平均律钢琴曲集》中对大小调体系的完美整合，更会解析其晚期作品如《音乐的奉献》中无与伦比的复调技巧，揭示其音乐背后的神学与数学的和谐。同时，亨德尔（Handel）的清唱剧，特别是《弥赛亚》的结构与戏剧性，将作为世俗与宗教音乐并重发展的例证被细致阐述。 第二部分：古典主义的理性与优雅（约1750-1820年） 受启蒙运动思想影响，音乐从巴洛克时期的繁复装饰转向了清晰、平衡与人性化的表达。古典主义是音乐形式结构趋于完善的黄金时代。 第三章：风格的转型：从洛可可到“敏感风格” 本章探讨了从巴洛克晚期向古典主义过渡的微妙变化。拉莫（Rameau）晚期的理论贡献与“敏感风格”（Empfindsamer Stil）中对细腻情感波动的捕捉，预示了对清晰旋律和规整结构的渴求。维也纳古典乐派的“三巨头”——海顿（Haydn）、莫扎特（Mozart）和贝多芬（Beethoven）的早期创作将作为这一时期风格建立的基础。 第四章：奏鸣曲式与交响曲的定型 奏鸣曲式（Sonata Form）是古典主义的标志性成就。本章将彻底剖析呈示部、展开部、再现部的功能性划分与戏剧冲突的构建。我们将通过海顿的“伦敦交响曲”系列，考察交响曲体裁从早期规模的扩大与乐章结构的固定。莫扎特的歌剧，如《费加罗的婚礼》，将作为音乐戏剧中角色塑造与器乐叙事完美结合的范例。 第五章：贝多芬：古典的终结与浪漫的序曲 贝多芬被视为连接古典与浪漫的桥梁。他的创作跨越了两个时代，其晚期作品（如第九交响曲）如何挑战并最终突破了既有的形式框架，引入了更强烈的个人意志表达、更宏大的叙事野心和更复杂的和声语言，将是本章的重点分析内容。 第三部分：浪漫主义的激情与个性化（约1820-1900年） 浪漫主义是对古典主义理性秩序的反叛，是对个人情感、想象力、自然崇拜以及民族精神的极致颂扬。音乐的“标题化”和表现力被推向了极致。 第六章：早期浪漫主义：抒情歌曲与钢琴的崛起 舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）以其对诗歌文本的深刻理解和钢琴伴奏的叙事作用，开创了浪漫主义人声音乐的新纪元。钢琴作为独奏乐器得到了空前的重视。肖邦（Chopin）对波兰民族舞曲的提炼，以及他独有的、如“天鹅绒般”的和声语言，将作为浪漫主义钢琴音乐的典范进行讨论。 第七章：宏大叙事与民族主义的兴起 大型器乐体裁在浪漫主义时期得到了拓展。柏辽兹（Berlioz）的“艺术思辨交响曲”和李斯特（Liszt）对“交响诗”（Tone Poem）的创造，展示了音乐如何脱离纯粹的抽象结构，直接描绘文学或绘画主题。同时，本章也将考察十九世纪中后期，如斯美塔那（Smetana）和德沃夏克（Dvořák）如何将本土民间音乐元素融入宏大交响作品中，形成鲜明的民族色彩。 第八章：晚期浪漫主义：对终极表现的追求 随着瓦格纳（Wagner）的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念的推行，歌剧进入了前所未有的境界。其对“主导动机”的运用和对调性边界的持续模糊，极大地拓宽了和声的可能性。马勒（Mahler）的交响曲以其巨大的编制、百科全书式的包容性和对生与死哲思的探问，标志着传统浪漫主义表达的顶点，也为二十世纪的音乐变革埋下了伏笔。 第四部分：二十世纪的多元探索（约1900-1950年） 进入新世纪，音乐的审美范式发生剧烈动摇。传统调性体系瓦解，作曲家们开始系统性地探索新的声音组织方式。 第九章：印象主义与调性的松动 德彪西（Debussy）的音乐如同一幅流动的印象派画作，侧重于音色、氛围的捕捉而非明确的结构逻辑。本章将分析他如何运用全音阶和五声音阶来消解传统的大小调功能性。 第十章：表现主义与十二音体系的诞生 面对瓦解的旧有秩序，勋伯格（Schoenberg）通过“十二音序列技术”试图建立一种新的、非等级化的组织原则。我们将解析其核心原理，并观察此技术如何引导出表达极端内心冲突的“表现主义”音乐风格。斯特拉文斯基（Stravinsky）在《春之祭》中对原始节奏的运用，则代表了对古典逻辑的另一种彻底的颠覆。 结语：从继承到断裂 本导论的总结部分将回顾巴洛克至二十世纪中期音乐发展的基本脉络：从对固定形式的精雕细琢，到对情感表达的极致解放，再到对声音本质的全新探索。读者将能清晰地认识到，每一种风格的出现，都是对前一时代局限性的回应与超越，最终汇聚成西方音乐无与伦比的丰富遗产。 本书特点： 结构清晰，脉络分明： 以清晰的时代划分和关键风格转折点为纲，确保读者能准确把握历史走向。 聚焦核心： 选取最具代表性的作曲家及其突破性作品进行深度剖析，避免信息过载。 侧重音乐语言： 解释“为什么”和“如何”实现风格转变，着重分析曲式、和声与配器技术的具体革新。 学术性与可读性的平衡： 语言严谨而不失生动，适合自学与课堂辅助使用。

评分☆☆☆☆☆

这本《正版大学音乐鉴赏教程》简直是为我这种对音乐一窍不通的小白量身定做的，我原本以为音乐鉴赏课会是枯燥乏味的理论灌输，结果完全出乎意料！ 老师推荐的教材，抱着试试看的心态翻开，没想到里面的讲解方式极其生动有趣。它不是那种高高在上的学院派说教，而是真正从我们日常接触的音乐入手，引导你去聆听、去感受。 比如，它如何剖析一首古典乐的小标题，如何对比不同时代作曲家的情感表达，都配有大量清晰的图表和易于理解的文字说明。 我特别喜欢它对于“旋律进行”和“和声色彩”的描述，那些原本晦涩的术语，通过作者的妙笔，竟然变得像在品尝一道美味佳肴。 即使我没有受过任何专业训练，也能大致分辨出巴洛克时期的严谨和浪漫主义时期的奔放。 每次上完课，我都忍不住想去多找几首教材里提到的曲子来听，那感觉就像是有人为你打开了一扇通往新世界的大门，里面的色彩和声音比我想象中要丰富得多。 课后复习时，那些知识点也容易被串联起来，而不是零散的记忆碎片。 强烈推荐给所有需要修音乐公共课的同学，绝对物超所值，让你真正爱上听音乐！

评分☆☆☆☆☆

对于一个学理工科的学生来说，音乐对我而言一直是一个相对遥远且神秘的领域。 我买这本书的目的，坦白地说，就是为了顺利通过考试，没指望能从中领悟到什么艺术真谛。 但这本书的“普适性”处理得极为高明，它没有用过多的术语来吓退非音乐专业的读者。 它的语言风格非常“接地气”，甚至带有一点点幽默感。 比如，在介绍歌剧选段时，作者会用一些非常贴近生活的比喻来解释人物的内心冲突，这比单纯分析“咏叹调”和“宣叙调”的功能要有效得多。 我发现自己竟然开始主动去寻找教材里提到的那些“听力材料”，这在以前是不可想象的。 这种从“被动接受知识”到“主动探索兴趣”的转变，完全归功于教材的引导方式。 此外，它对不同文化背景下的音乐现象进行了有趣的对比，比如东方五声音阶与西方七声音阶的差异，用简单的“听觉实验”就能让人明白其中的奥妙。 总之，它成功地将“高雅艺术”拉下了神坛，让普通人也能体会到音乐的魅力，非常适合我这种“门外汉”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，在于它提供了一种“批判性聆听”的方法论，而不仅仅是一堆曲目的介绍。 在对比分析不同时期的音乐作品时，作者总是会引导我们思考：在那个特定的历史和社会背景下，音乐家是如何回应时代呼唤的？ 这种将音乐置于社会文化大背景下的解读方式，使得音乐鉴赏不再是孤立的听觉活动，而变成了一扇观察人类文明发展的窗口。 我记得有一节专门讲二十世纪初的音乐革命，它没有简单地将勋伯格等人的创新描绘成“离经叛道”，而是详细解释了他们探索新音色的动机，以及听众当时产生的心理冲击。 这种平衡且深入的分析，避免了价值判断上的偏颇。 语言方面，这本书的行文流畅，用词精准，即使是描述抽象的音乐概念，也能做到清晰易懂，避免了学术写作中常见的晦涩难懂。 对于想要从“听众”升级为“鉴赏者”的人来说，这本书提供了必要的思维工具和方法论，它教会你的不是“听什么”，而是“如何去听”，这一点是它最宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当初选这本教材纯粹是因为这是学校推荐的“官方指定用书”，心里其实没抱太大期望，总觉得这种面向全国高校的教材，难免流于表面化和通用化。 然而，深入阅读后，我发现它的视野其实相当开阔，绝非那种只停留在介绍几首耳熟能详的“名曲”的层次。 这套教材的编排逻辑非常注重“体系构建”。 它不仅仅是音乐史的流水账，而是试图建立一个完整的听觉认知框架。 从最基础的乐器音色辨识，到复杂曲式的结构分析，它都给出了清晰的脉络。 尤其是在对二十世纪后的现代音乐处理上，许多其他教材避而不谈或者一带而过的内容，这本教程却给予了相当的篇幅和严肃的探讨。 我个人的偏好是爵士乐，这本书中对于不同爵士流派（如摇摆乐、比波普、冷爵士）的风格特征对比描述得非常精准，结合具体的例子，即使是初听者也能抓住其神韵所在。 这使得我不再是盲目地“觉得好听”，而是知道“为什么好听”，这种知识的深度和广度，远超我预期的公共选修课教材水平。 购买纸质版实体书的体验也很好，纸张质量适中，排版疏密有致，长时间阅读眼睛不易疲劳。

评分☆☆☆☆☆

我手里拿着的是最新版，感觉相较于我师兄当年用的版本，它在多媒体资源的整合上做得更出色了。 虽然我主要还是看书本内容，但配套的在线资源链接和二维码扫码就能直达的音频示例，极大地增强了学习的互动性。 让我印象深刻的是它对“音乐欣赏的视角转换”这一主题的讨论。 书中反复强调，欣赏音乐不需要事先掌握复杂的乐理知识，而是要学会带着“好奇心”和“共情能力”去倾听。 这与我过去在其他艺术类书籍中看到的，那种强调“技术分析”的论调截然不同。 这种以人为本的教学理念，让我在面对一些结构复杂的交响乐时，不再感到畏惧，而是尝试去捕捉其中的“情绪流动”和“故事线索”。 它的章节设计也很有条理，每一章的末尾都有一个“小结与延伸阅读”，让我清晰地知道哪些是核心知识点，哪些是可以作为兴趣拓展的。 这种结构化的学习路径，极大地提高了我的学习效率，真正做到了“学以致用”，即学完就能在日常听音乐时运用这些新的感知方式。