新音乐作品分析教程下 彭志敏著 音乐基础理论书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540434069

商品编码：29867705265

丛书名： 现代作曲技法丛书新音乐作品分析教程(下)

开本：32开

出版时间：2004-10-01

 

作者简介 彭志敏，教授，武汉音乐学院副院长，中国·东方交响乐团团长。 彭志敏教授是享受国务院特殊津贴专家；湖北省有突出贡献的中青年专家；湖北省新世纪高层次人才工程入选人员。中国音乐家协会会员；中国音协理论委员会委员；中国青年音乐家协会副主席；《音乐创作》季刊编 目录 绪论
第-章 勋伯格的《钢琴小品六首》Op.19——关于调性的“模糊、游移、隐退、淡化”和“自由无调性”
第二章 勋伯格的《钢琴组曲》Op.25——关于“十二音现象”和“十二音体系”
第三章 亨德米特的复调钢琴曲集《调性游戏》——关于“泛音音阶”与“音序调性”
第四章 梅西安《二十次朝觐耶稣》第六乐章——关于主题结构的“象征性”与音高发展的“角色化”
第五章 考威尔探索发明时期的钢琴独奏作品——关于“音丛和弦”与“拨弦钢琴”
第六章 约翰·凯奇的预配钢琴作品——关于“音高结构”、“节奏结构”和“预配钢琴”
第七章 乔治·克拉姆的《大宇宙》第-卷——关于“扩声钢琴”和“演奏作曲法”
第八章 布列兹的《结构第-号》——关于“整体序列主义”及其预制与程序
第九章 里盖蒂的《钢琴练习曲》第-卷第-首——关于“新里盖蒂主义”及其“复合律动”与“时间新观念”
第十章 哈特克的钢琴套曲系列《向后现代致敬》——关于音乐“风格、语言和方法”的“综合、融合与整合”
第十一章 依萨伊《a小调无伴奏独奏小提琴奏鸣曲》Op.27 No.2——关于“世纪末情结”和“末日经主题”
第十二章 克然涅克《无伴奏獗大提琴组曲》Op.84第-乐章——关于“单一序列形式变奏”和“动机音型法”
第十三章 瓦雷兹的无伴奏长笛独奏《密度21.5》关于音高核心及其“空间发散”与组织逻辑
第十四章 贝里奥的双簧管独奏Sequenza VII——关于“单一媒体写作”和“音域音列控制”
第十五章 斯托克豪森的单簧管独奏《友谊》——关于“音型的音区变奏”与“新标准音乐”
第十六章 贝尔格的两首《闭上我的双眼》——关于“德奥艺术歌曲”和“元始序列歌曲”
第十七章 斯特拉文斯基《一个士兵的故事》——关于“新戏剧音乐”、“新室内音乐”和“新音乐风格”
第十八章 巴托克的《第三弦乐四重奏》——关于“秘密的标题性内容”和“隐秘的标题性音乐”
第十九章 萧斯塔科维奇的《第八弦乐四重奏》等——关于“音名动机”、“象征主题”或“特性集合”
第二十章 克拉姆的《四个月亮之夜》第-乐章——关于新室内乐中的人声和打击乐器以及音色的分离与单声室内乐
第二十一章 罗忠镕的《琴韵》——关于“材料拼贴”、“中国风格”和“十二音的五声化”
第二十二章 斯特拉文斯基Movements第四乐章——关于音高序列的“自然循环”与“移位循环”
第二十三章 潘达雷斯基《广岛殉难者的挽歌》——关于弦乐新音响
第二十四章 威伯恩的《帕萨卡里亚》Op.1——关于20世纪新音乐创作中一个值得注意的现象
第二十五章 勋伯格的《色彩》Op.16 NO.3——关于“音色旋律”和“微音高运动”
第二十六章 勋伯格的《乐队变奏曲》Op.3——关于十二音序列音乐的配器、织体和音色处理原则
第二十七章 威伯恩的《小交响曲》Op.21——关于“浓缩的音高”、“独奏的合奏”与“流动的音色”
第二十八章 贝尔格的歌剧《露露·间奏曲》——关于“序列派生”、“镜像对称”与“形式的内容依据”
第二十九章 贝尔格的《小提琴协奏曲》——关于“自由十二音”及其对风格和表现的适应性
第三十章 贝里奥《交响曲》第二乐章《啊！金》——关于新人声、新唱法以及语言、语义和语音的关系
主要参考著作  

 

 

 

内容推荐 音乐史上的二十世纪，是一个大破大立、探索创新的世纪，也是一个离经叛道、五彩纷呈的世纪。其中，代表着二十世纪各时期专业音乐发展前沿的先锋队，也就是被泛称作“现代派”（the Modemism）或“先锋派”（the AVant Garde）的作曲家们，以及他们所创作的现代音乐（the Modemmusc）或新音乐（New mll—sic）作品，还有他们所发明的和新音乐创作密切相关的新兴作曲技术，更是在史册上留下了浓墨重彩的遗痕，给人们提出了众多有待思考和解决的问题。回眸既往，正像人们所看到的那样，二十世纪的新音乐家们大都在“为创新而疯狂地奋斗”；其间，“新的流派和新的运动以惊人的速度（大约每五年一次的周期）涌现出来”；种种听所未听的音响、从未见过的谱式、用所未用的方法、有所未有的现象和行为、从没听过的理论或口号等，在百年上下竞相沓来，层出不穷；形形色色的主义、纷繁复杂的体系、个性迥然的技术、离奇古怪的事件和创举等，在音乐生活中争奇斗艳，各领风骚。上述种种，一方面在无形而深刻地影响着人们的思想，改变着人们的观念，拓展着音乐的内涵和外延空间；另一方面，它们的超前式发展或跨越式挺进，又使新音乐与其受众间的距离在不断加大，使人们感到的问题愈来愈多，进而成为人们和它们相互贴近的客观障碍（乃至对立）。因此，对二十世纪的新音乐有所解释，且这种解释是技术的而不是描述的，是系统的而不是孤立的，是透视的而不是浅表的，是可供专业教学的而不是一般阅读的，就像我们在百年之前对待所引入的西方传统作曲技术那样，便成了继往开来的当务之急，也成了我们编写这套丛书的主要动因之一。
20世纪的新音乐作品及其分析，是一件复杂而系统的事情。对于20世纪新音乐及其作品的认识，对相应分析方法的掌握，都不可能一蹴而就、唾手而得；所涉及的问题和所要涉及的方面，也决不限于上述诸点。需要和任务都摆在人们的面前，困难和鸿沟也都不可避免。要跨越它们而实现目标的途径只有一条，那就是——脚踏实地并实事求是地参与新音乐作品分析的实践过程。  

 

好的，这是一份基于您提供的书名信息，但内容完全不涉及《新音乐作品分析教程下 彭志敏著 音乐基础理论书籍》的图书简介。 --- 音乐的织体与结构：二十世纪音乐语汇的探索与实践 作者： [此处可填写另一位学者的名字，例如：林海峰] 出版社： [此处可填写另一家出版社，例如：学苑出版社] 出版时间： [例如：2023年10月] 内容概述 本书旨在为音乐学、作曲与指挥、音乐教育等领域的学习者与研究者提供一套深入、系统且富有洞察力的音乐分析工具，重点聚焦于19世纪末至21世纪初西方音乐语汇的演变、革新与实践。我们摒弃传统的调性框架，转而探索在宏大历史背景下，作曲家如何解构、重塑甚至彻底颠覆既有的音乐结构，以应对日益复杂和多元的社会文化思潮。 全书分为四个主要部分，层层递进，从宏观的历史脉络到微观的技术细节，力求构建一个完整而立体的分析体系。 第一部分：从晚期浪漫主义到印象主义的边界消融 本部分首先回顾了晚期瓦格纳主义如何催生了对传统功能和声的怀疑与超越。我们详细分析了德彪西、拉威尔等人的作品中，调性中心是如何被“色彩和弦”（如九和弦、十一和弦的自由使用）与非功能性平行移动所取代。 重点关注： 1. 音高资源的新组织： 探讨全音阶、五声音阶以及八度内音高的模进运用，如何营造出“朦胧”或“瞬间捕捉”的听觉效果。 2. 节奏与韵律的解放： 分析复节奏、自由节拍以及循环节奏在印象派音乐中的作用，以及它们如何打破德彪西时代对固定节拍的依赖。 3. 配器法的革新： 重点剖析色彩性配器——木管乐器和打击乐器的精妙运用，如何使乐器本身成为声音的载体，而非仅仅是和声的支撑。例如，对《牧神午后前奏曲》中长笛和双簧管交织的织体分析。 第二部分：表现主义的心理深度与十二音体系的诞生 进入20世纪第一个十年，音乐的重心从外部的印象转向内在的心理冲突。本部分深入探讨了勋伯格、贝尔格和魏本伯格在寻求新的“组织原则”过程中的挣扎与突破。 重点内容包括： 1. 无调性（Atonality）的逻辑基础： 分析早期表现主义作品（如《月之被缚》）中，如何通过强烈的动机对比和极端的不协和音程来表达焦虑与心理压抑。我们详细阐述了“固定音程组”在早期无调性写作中的作用。 2. 十二音技法（Dodecaphony）的结构化： 详尽解析了十二音体系的矩阵构建、转位、逆行、逆行转位操作。不同于仅停留在规则罗列，本书着重分析了如何将十二音体系应用于复调织体和曲式结构中，而非仅仅作为音高限制。 3. 新古典主义的回响： 在分析了表现主义的极端之后，本部分也探讨了斯特拉文斯基的“新古典主义”倾向，分析其如何借鉴巴洛克和古典时期的形式（如赋格、奏鸣曲式），但填充以非传统、高度切分和强劲的节奏语言。 第三部分：二战后的实验浪潮与声音景观的重构 第二次世界大战后，作曲的焦点从“写什么”转向“如何制造声音”。这一阶段的音乐探索极大地拓宽了“音乐”的定义。 核心分析对象： 1. 序列音乐（Serialism）的深化： 重点分析了布列兹和施托克豪森对“总体序列化”的尝试，即不仅对音高，还对时值、力度、音色进行预先组织。通过对特定作品的片段分析，展示结构如何从数学模型中“涌现”。 2. 电子音乐与具体音乐（Musique Concrète）： 本章着重分析了录音技术对音乐创作的颠覆性影响。探讨了如何将日常声音（噪音、环境声）纳入音乐框架，并分析了早期磁带音乐的剪辑与层叠技术，以及对音乐时间感的彻底重塑。 3. 机遇音乐（Aleatoric Music）与不确定性： 详细分析了约翰·凯奇的哲学思想如何转化为创作方法，特别是“机遇”在作品的演奏版本和结构中扮演的角色。探讨了开放性记谱法（如图示记谱）的阅读与诠释。 第四部分：极简主义、后现代语境与当代和声的回归 本书的最后一部分聚焦于对前卫思潮的反思与整合。 1. 极简主义（Minimalism）的循环与过程： 分析莱利、赖希等人在重复、渐变和相位差技术上的贡献。探讨其如何通过简单的、可预测的过程，在听者心中产生复杂而令人沉醉的听觉体验。这部分强调了过程本身即是音乐的结构。 2. 新浪漫主义与后现代的融合： 探讨20世纪末至今，作曲家如何重新拥抱“美感”、“旋律”与“和声”，但这些元素往往被置于高度解构的语境中。分析后现代语境下，作曲家如何自如地在风格间穿梭，以及对历史母题的挪用（Pastiche）与批判性引用。 3. 泛调性（Pan-tonality）与音集理论（Set Theory）的应用： 介绍了音集理论在分析无调性音乐中的实用工具，以及如何用以描述和构造音高集合。同时，探讨了当代作曲家如何构建基于特定音高集合的“泛调性”景观，而非回到传统的大小调体系。 本书的特色 本书的显著特点在于其高度的实践性和分析工具的实用性。每章均配有大量的乐谱节选分析，并辅以听力导览，鼓励读者将理论与实际听觉体验相结合。它不是一本简单的“主义”罗列，而是力求揭示在每一个结构性变革背后，作曲家所面对的技术困境与哲学选择。它为读者提供了一套严谨的“解码器”，以理解那些看似晦涩难懂的现代音乐作品，并从中发现其内在的逻辑之美与强大的表现力。

评分☆☆☆☆☆

这本《新音乐作品分析教程下》的作者彭志敏先生，无疑为我们这些在音乐理论的海洋中摸索的求知者们，提供了一座坚实的灯塔。尽管我手头没有这本书的具体内容，但仅从其“音乐基础理论书籍”的定位和“下”的卷数来看，便能推断出它承载了多么深厚的学术重量。通常来说，下册的教材往往意味着对前册基础知识的进一步深化和拓展，必然会涉及到那些让初学者望而生畏，却又是专业人士必须攻克的难关——比如复杂的对位法、多声部织体分析，甚至是二十世纪及以后出现的无调性、序列主义等前沿音乐思潮的梳理。我期望这本书能用清晰、逻辑严密的结构，将那些看似抽象晦涩的理论概念，通过精妙的乐例加以阐释。毕竟，理论学习的痛苦往往不在于记住公式，而在于如何将冰冷的符号与鲜活的音乐情感联系起来。一个优秀的教程，应当是连接理论与实践的桥梁，能够引导读者不仅仅停留在“是什么”，更能深入探究“为什么”，最终达到“如何运用”的境界。我期待作者的叙述风格是那种既严谨又不失温度的，能让人在啃读复杂乐理时，不至于感到枯燥乏味，而是如同参与一场精彩的音乐侦探游戏，层层剥茧，最终豁然开朗。

评分☆☆☆☆☆

阅读一本被誉为“基础理论”的著作，其价值往往体现在它如何构建起一个稳固的知识体系框架，而非仅仅罗列孤立的知识点。我猜想，彭志敏先生的这部《下》卷，一定是在为我们搭建一个更为宏大的分析视角。或许，它不再纠缠于简单的和弦进行或调式转换，而是开始探讨宏观的曲式结构、乐思的演变逻辑，乃至特定作曲家群体的风格指征。一个成熟的音乐分析，绝非仅仅是标注出某处是降E大调或某个和弦是增六和弦那样简单。它需要洞察作曲家如何利用动机的片段在整个乐章中进行铺陈、发展、冲突与和解。我非常看重教材中案例选择的代表性和深度。如果作者能巧妙地选取一些跨越不同时期、风格迥异的经典作品作为分析蓝本，并用一种近乎手术刀般精准的笔法进行解剖，那么这本书的实用价值将无可估量。希望它能教会我们如何“听懂”音乐背后的“意图”，而不是仅仅“识别”音乐表面的标记，从而提升我们对复杂艺术作品的审美鉴赏力。

评分☆☆☆☆☆

对于任何一门需要长期投入心力的学问，教材的编排方式和语言的精确性是决定学习体验的关键因素。我个人对那些试图用过于口语化或过度简化的方式来“稀释”专业难度的书籍持保留态度。音乐理论，尤其是涉及到高阶分析的领域，需要一种近乎数学般的精确性来确保其表述的无歧义性。《新音乐作品分析教程下》如果真如其名，那么它必定继承并强化了这种严谨的学术态度。我设想，这本书的排版一定清晰有序，图表和乐谱示例的引用规范且标注明确。更重要的是，作者在解释概念时，应该提供多层次的理解路径：对于基础概念，要确保定义无懈可击；对于新兴或复杂的分析方法，则应辅以历史背景和理论依据，避免让读者陷入“知其然不知其所以然”的困境。期待它能够提供一种清晰的思维导图，将那些看似散乱的分析技巧组织成一个连贯的、可操作的分析流程，使学习者能够带着明确的方法论，自信地面对任何新的音乐文本。

评分☆☆☆☆☆

要成为一部优秀的“教程”，它必须拥有超越传统教科书的生命力，能够激发学习者的内在驱动力。仅仅罗列知识点是无法培养出真正具备分析能力的音乐人才的。我推测，这部下册教材，很可能在教学法上有所创新，它可能不仅仅是“告诉”我们如何分析，更重要的是“引导”我们自己去发现问题、解决问题。或许，书中设计了大量的“思考题”或“拓展练习”，这些练习不应是简单的填空题，而应是开放性的、要求学生进行批判性思考的议题。例如，要求学生对比两位不同作曲家对同一主题的处理，或者要求他们尝试用一种非传统的理论视角去解读一段被传统理论束缚的乐章。这种高阶的互动性，是将知识内化为能力的必经之路。我希望这本书能够成为一个思维的“催化剂”，促使读者跳出既定的框架，以一种更为灵活和创造性的方式去面对和理解当代乃至未来的音乐语言。

评分☆☆☆☆☆

从一个长期与音乐理论打交道的学习者角度来看，一本优秀的教材的“下”册，往往意味着它开始涉及那些具有前瞻性的内容，即探讨“正在发生”的音乐实践。如果这本书仅停留在对古典主义或浪漫主义的成熟体系进行复盘，那么它的创新性就会打折扣。我更期待彭志敏先生在这部作品中，能够将分析的触角延伸到20世纪中叶至今的复杂音乐领域——比如对十二音体系的深入解析、对复调化进程的当代观察，乃至于对电子音乐、空间音乐等新型音乐形式的理论介入可能性。这类内容的价值在于，它帮助我们打破了对“经典”的迷信，让我们认识到音乐理论本身就是一个不断演进的学科。如果作者能以一种既尊重传统分析的严谨性，又勇于探讨新现象的开放态度来撰写这些前沿章节，那么这本书无疑将超越一本单纯的“教程”，而成为一部指引未来音乐理解方向的“指南针”。它必须教会我们如何“解码”那些尚未被完全定论的、充满实验精神的音乐语言。