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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806675953

商品编码：29867638342

丛书名： 通俗名曲大全

出版时间：2007-07-01

 

 

 

目录

A 喜庆乐曲

B 中国影视音乐[内地]

C 中国影视音乐[港台]

D 中国歌曲——情歌[内地]

E 中国歌曲——情歌[港台]

F 中国歌曲——颂歌

G 中国歌剧、舞剧选曲

H 中国戏曲、民歌

I 中国儿童歌曲

J 中国器乐曲

K 古典音乐

舞曲

小夜曲、摇篮曲

古典小品

交响乐

……

 

 

 

 

 

内容简介

这是**内地出版的第 I 本专为器乐演奏用的五线谱版大曲集，收集了古今中外的名曲868首，包括：中外影视音乐，中外流行歌曲，世界各国民歌、交响乐、芭蕾、歌剧、音乐剧、舞曲、器乐小品、儿童歌曲等等，每曲标和弦，可供专业、业余乐手及各类中、小型乐队使用。 过去乐队的演出基本上在剧场。改革开放二十多年来，庆典、休闲、娱乐、商业性的演出大为增多，演出的场所多为宾馆、酒店、歌舞厅、商场等。单从演出的时间、地点，场次的数量来看，庆典、休闲、娱乐、商业性的演出已大大超出剧场演出。 本书所提供的信息是较丰富的，这些中外文乐曲名、影视剧名、作曲者、演唱者、国家、地区等资料的查询颇费时力，但在看到完成后的本曲谱集犹如一本小辞曲时心中也颇感欣慰。

作者简介

周宏德，1967年毕业于上海音乐学院小提琴专业，1979—1993年任上海乐团首席，1993—1999年任上海歌剧院交响乐团首席。上海音乐家协会理事、中国音乐家协会会员。

 

 

好的，这里为您撰写一份图书简介，该书的名称为《音乐的奥秘：探索古典与现代的和声结构》，内容将着重于音乐理论的深度分析、和声演变史以及作曲技法，完全不涉及您提到的“正版音乐理论教材”、“通俗名曲大全”、“五线谱识谱”和“乐理教程”中的基础入门或流行曲目分析内容。 --- 《音乐的奥秘：探索古典与现代的和声结构》 一卷跨越时空的和声史诗，一次深入骨髓的音乐结构探秘 在浩瀚的音乐海洋中，旋律与节奏或许是引人入胜的表象，但真正支撑起宏伟音乐殿堂的，是深邃而精妙的和声结构。本书《音乐的奥秘：探索古典与现代的和声结构》并非一本面向初学者的基础乐理手册，也无意于收录任何流行金曲的简易分析。它是一部面向严肃音乐学习者、作曲家、音乐史学家以及所有渴望超越表层、触及音乐灵魂的听众的深度专著。本书旨在揭示西方音乐自巴洛克时代肇始，历经古典、浪漫主义，直至二十世纪后半叶乃至当代的和声语言的演变脉络、内在逻辑及其哲学根基。 第一部分：调性系统的奠基与成熟——从巴赫到贝多芬的结构逻辑 本部分将彻底摒弃对基础音阶、三和弦构成的冗余介绍，直接切入调性体系（Tonality）建立的复杂机制。 第一章：巴洛克时期对位法的和声驱动力 我们考察巴赫的复调音乐，重点分析其功能和声（Functional Harmony）的内在驱动力。内容包括：如何通过精密的对位线条（Counterpoint）自然生成和声进行，而非简单地将和弦堆砌。深入剖析协和与不协和音程在巴洛克织体中的作用，特别关注其解决（Resolution）的规范与突破。我们将详细分析卡农（Canon）与赋格（Fugue）中，不同声部之间如何在严格的规则下，构建出既独立又相互依存的复杂和声场域。重点探讨调性中心的确立、主导和弦的“牵引力”以及二级和弦（Secondary Dominants）的应用范式。 第二章：古典主义的清晰与平衡：奏鸣曲式的和声骨架 古典主义时期，和声结构服务于宏大的曲式结构。本章聚焦于奏鸣曲式（Sonata Form）的“和声戏剧”。我们将解析呈示部（Exposition）中部属调性（Relative Keys）的建立与转移，以及对比主题之间如何通过和声语言差异来区分个性。深入探讨发展部（Development）中，和声是如何通过快速的转调（Modulation）和非功能性和弦（如运用增六和弦、减七和弦）来营造紧张感的。我们还将分析海顿和莫扎特对半终止式（Half Cadence）的巧妙运用，以此来操纵听众的预期。 第三章：浪漫主义的和声扩张与边缘探索 浪漫主义是功能和声走向极限的时代。本章不再满足于“属到主”的简单描述，而是探究作曲家们如何系统性地“拉伸”和“模糊”调性边界。我们将详尽分析瓦格纳的“特里斯坦和弦”（Tristan Chord）的结构本质，以及它如何成为对传统调性规范的重大挑战。同时，探讨李斯特、舒曼等人对色彩和弦（Chromatic Harmony）的偏爱，例如九和弦、十一和弦的广泛应用，以及它们在营造情绪氛围中的不可替代性。 第二部分：调性崩溃与全新系统的构建——二十世纪的和声革命 进入二十世纪，音乐的“重力中心”开始瓦解，作曲家们寻求新的组织原则。本部分将深入探讨这些颠覆性的理论与实践。 第四章：印象主义的“色彩”和声与非功能性并置 德彪西和拉威尔的和声语言代表着对德奥传统功能和声的优雅背离。本章专注于音高集合（Pitch Collections）的运用，特别是全音阶（Whole-Tone Scale）和五声音阶（Pentatonic Scale）在和声构建中的作用。重点分析和弦的“并置”（Juxtaposition），即和弦之间功能联系的弱化，转而强调和弦本身的音响质感与色彩对比。我们将解析“平行和声进行”（Parallel Motion）如何打破传统的导音解决机制。 第五章：序列主义与十二音技法的结构纪律 本章是本书理论深度的高峰。我们不再讨论十二音体系（Twelve-Tone Technique）的入门操作，而是深入研究奥斯卡·施恩伯格（Arnold Schoenberg）的序列组织原则。详述音列（Tone Row）的各种变换形式（Prime, Retrograde, Inversion, Retrograde Inversion）在实际作品中的结构应用。更重要的是，分析韦伯恩（Anton Webern）如何将序列原则扩展到节奏、力度和音色层面，形成真正的总体序列主义（Total Serialism），探讨这种高度结构化的创作方式对听觉感知的影响。 第六章：无调性音乐中的非欧几里得几何 在彻底摆脱中心调性的世界里，和声的组织依赖于新的数学模型。本章聚焦于亨利·杜提耶（Henri Dutilleux）等作曲家如何构建非功能性的和声场域（Harmonic Fields）。我们会分析音高类集合理论（Pitch Class Set Theory），特别是艾伦·福特（Allen Forte）如何将无调性音乐的结构清晰化，通过分析集合复核（Set Complex）、类群（Class Set）等概念，来揭示看似随机的音响背后隐藏的严谨结构逻辑。 第三部分：后调性与跨界融合的和声前沿 本书的最后一部分将目光投向当代，探讨和声在不同音乐领域中的交叉与重构。 第七章：极简主义的迭代与时间性 极简主义（Minimalism）的和声是对传统线性发展的反动。我们研究菲利普·格拉斯（Philip Glass）和史蒂夫·莱奇（Steve Reich）如何通过相位化过程（Phasing Process）和持续和弦（Sustained Chords）来创造和声的“漂移”和“运动”。重点分析重复的单元如何通过微小的节奏差异，在长时间内产生出极其复杂、但根基稳固的听觉模式。 第八章：爵士和声学的复杂性与当代应用 本书将爵士乐视为后浪漫主义和声发展的重要分支。深入分析比波普（Bebop）时期对延伸和弦（Extended Chords，如9th, 11th, 13th）的制度化应用，特别是增五和弦、降九和弦在即兴演奏中的功能性替代。探讨调式调性（Modal Harmony），如迈尔斯·戴维斯《Kind of Blue》中的和声哲学，以及它如何为当代电影配乐和新古典主义作曲提供了全新的和声语汇。 --- 本书特点： 深度分析，拒绝浅尝辄止： 每一章均配有详细的乐谱分析范例，源自作曲大师的原始作品手稿或精确的编辑版本。 理论与实践并重： 讲解和声概念时，同步阐述其在具体作曲技巧中的实现路径。 覆盖范围广阔： 涵盖从巴洛克对位到二十一世纪序列音乐、极简主义的完整和声发展史。 本书是为那些已经掌握基础乐理，渴望理解音乐的“为什么”而不是仅仅知道“是什么”的深度学习者量身打造的指南。阅读本书，您将获得洞悉任何复杂音乐作品和声结构的能力。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书的时候，心里是抱着将信将疑的态度，毕竟“通俗名曲大全”这个名字听起来有点像那种随便拼凑的曲谱集。我最怕的就是那种为了凑数，把很多早已烂大街的、演奏价值不高的曲子塞进来。然而，这本书的选曲眼光让我刮目相看。它真的做到了“通俗”与“经典”的平衡。它里面收录的曲目，有些是我在小学音乐课上学过，但长大后就再也没碰过的民歌，那些旋律的魅力在重新接触时，又一次被唤醒了。更棒的是，对于那些耳熟能详的流行金曲，它提供的五线谱版本处理得非常精妙。很多简化版的谱子会把伴奏处理得过于单薄，听起来干瘪瘪的，但这本书的编排，即便只弹奏主旋律，也能听出原曲那种饱满的层次感，这绝对是下过大功夫的。我试着对照着原唱去弹奏了几首，发现即便是最简单的旋律线，也捕捉到了原作者想要表达的那种微妙的情绪起伏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版，简直是为“老花眼”用户量身定做的。我个人视力不太好，很多市面上常见的乐谱，字体小得像蚂蚁爬，五线谱上的音符和符点挤在一起，稍微弹错一个音，就得找半天。这本书的开本相对较大，而且纸张质量很好，不是那种一反光就什么都看不清的铜版纸。最让我欣赏的是它的空白处理。谱例和文字注释之间的留白做得非常恰当，不会让人感到信息过载。理论部分虽然内容很硬核，但它总是会用一些手绘风格的插图来辅助说明，比如用一个钟摆来解释节拍的均匀性，或者用一个简单的几何图形来比喻和弦的构成，这些非文字的辅助，极大地降低了理解的门槛。感觉设计这本册子的人，真的站在一个长期跟乐谱打交道的演奏者的角度去思考了实用性。

评分☆☆☆☆☆

我之前学识谱，总是在“音高”和“时值”之间反复拉扯，搞得自己很混乱。这本书在讲解五线谱识谱的时候，采取了一种非常独特的“双轨制”教学法。它不是简单地告诉你C在哪里，F在哪里，而是把“读谱”过程分解成两个平行的练习：一个专注于识别音高在五线谱上的具体位置，另一个则是完全脱离音高，只练习对节奏和时值的快速判断。这种分离式的训练，让我终于能摆脱那种“看到一个音符，先在脑子里找一下钢琴上的对应键位”的慢速思维。经过一段时间的练习，我发现自己看谱的速度真的有提升，尤其是那些快速的十六分音符组，不再是需要逐个去数了，而是能直接看到一个“图形块”，然后本能地反应出它的节奏型。这种从“翻译”到“直接理解”的转变，是这本书对我最大的帮助。

评分☆☆☆☆☆

对于一个自学者来说，最怕的就是“知识点孤立”。学了和声，不知道怎么应用到指法上；练了视奏，却发现自己对曲子的情感表达依然苍白无力。这本书最巧妙的地方，是将“乐理知识”、“名曲赏析”和“实践操作”无缝地编织在一起。它不是割裂的三个部分，而是融会贯通的。比如，在讲解某个特定调式进行时，它会立刻引用到教材中收录的一首小品曲目，告诉你：“看，这就是我们在刚才那个小节里学到的那个技巧的应用。”这种即学即用的设计，极大地增强了学习的连贯性和动力。我不需要在学完一堆枯燥的规则后，再自己费劲巴拉地从浩瀚的曲库里去搜寻验证的例子。它直接把验证的答案放在了你的手边，这种高效的学习闭环，对于想扎实提升自己音乐素养的爱好者来说，绝对是物超所值的投入。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得相当朴实，拿到手里沉甸甸的，感觉内容肯定很扎实。我本来以为它会像市面上很多那种花里胡哨的“速成宝典”一样，里面充斥着大量我根本看不懂的术语和晦涩难懂的图表，但翻开之后才发现，它更像一位循循善诱的老师。尤其是关于和声学的那一部分，作者似乎很清楚初学者在面对那些复杂的平行五度、导音进行时会产生的恐惧感。他没有直接丢出一个公式让你死记硬背，而是通过一系列非常贴近我们日常听到的流行音乐片段作为例子，循序渐进地剖析原理。比如，他会用一首耳熟能详的经典老歌，把一个复杂的转调过程拆解成几个小步骤，让你在不知不觉中就理解了为什么这个转调听起来会那么舒服，而不是生硬的突兀。对于我这种只懂弹琴、对背后的“为什么”感到好奇的人来说，这种讲解方式简直是福音。我甚至感觉，这不是一本教材，更像是一本音乐“拆解”手册，让我终于能透过旋律的表象，看到支撑它的骨架。