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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807517719

商品编码：29867463648

丛书名： 古典吉他名作演奏指导(附光盘古典主义时期17

开本：8开

出版时间：2011-08-01

目录 古典主义时期(1750—1820)第-部分 古典主义时期社会、政治、文化背景及音乐的特征 古典主义时期的音乐 社会、政治背景 启蒙运动的影响 新古典主义 在雕刻上的表现 在建筑上的表现 早期的工业革命 工业革命对音乐生活的影响 古典主义时期的音乐观 古典主义时期音乐特性 前古典(Pre-Classic)时期 古典主义盛期(High Classic) 音乐的语言特性 织体 旋律 节奏 调式 和声 古典主义时期的装饰音 古典主义时期歌剧与宗教音乐 歌剧的改革 喜歌剧的诞生 宗教音乐 约翰·弗雷德里希·弗朗兹·布格缪勒 (Friefrich Bugmuller，1806—1874) 古典主义时期的主要音乐体裁 奏鸣曲式 室内乐 古典主义时期的小步舞曲 交响乐的诞生 独奏协奏曲 3位伟大的维也纳古典乐派音乐家 弗朗茨·约瑟夫·海顿(Franz Joseph Haydn，1732—1809) 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart，1756—1791) 路德维希·范·贝多芬(Ludwig Van Beethoven，1770—1827) 古典主义时期的吉他音乐 六弦吉他的出现 西班牙，吉他的圣地 西班牙的民间音乐—弗拉门科(Flamenco) 吉他中的车尔尼：卡尔卡西(Matteo Carcassi，1792—1853) 一一 吉他中的贝多芬：费尔南多·索尔(Fernando Sor，1778—1839)第二部分 10位伟大的古典主义时期作曲家的影响 第-黄金时期 西班牙 费尔南多·索尔(Fernando Sor，1778—1839) 索尔的作品风格 迪奥尼西奥·阿瓜多·加西亚(Dionisio Aguado Garcia，1784—1849) 阿瓜多的吉他技巧 阿瓜多与索尔的友谊 意大利 莫洛·朱里亚尼(Maur0 Giuliani，1781—1829) 费尔迪南多·卡路里(Ferdinando Carulli，1770—1841) 马迪奥·卡尔卡西(Matteo Carcassi，1792—1853) 尼科罗·帕格尼尼(Niccol6 Paganini，1782—1840) 法兰西斯科·莫里诺(1768—1847) 德国 卡尔(Leonhard von Call，1768—1815) 约瑟夫·库夫纳(Joseph Kuffner，1776—1856) 奥地利 安东·迪亚贝里(Anton Diabelli，1781—1858)第三部分 古典吉他制作家 古典吉他制作家 斯陶芬(Staufer) 拉柯特(Lacote) 帕诺尔摩 托雷斯(Tortes) 埃尔南德斯(Hernandez) 豪斯(Hauser) 米格尔·罗德里格斯(Miguel Rodriguez) 拉米雷斯(Ramirez) 埃斯特索·孔德(Esteso Conde) 弗莱塔(Fleta) 布谢(Bouchet)

编辑推荐

边看书，边听音乐，恍若隔世。犹如在一幅幅黑白照片和古城镇之间穿梭，在沧海桑田间进行着轮回，这便是上海音乐出版社的精品图书《古典吉他名作演奏指导》。该套书共分5册：《萌芽时期到文艺复兴时期》、《巴罗克时期》、《古典主义时期》、《浪漫主义时期》、《近现代时期》，共计收录了56位伟大作曲家的200余首吉他作品，并由国外演奏家示范演奏，图文并茂，尽沧桑而略显意趣。

这既是一套难得的吉他发展史料和名曲工具书，也是一部由技艺精湛的演奏家之手所描绘的音乐画作。书中在分析不同时期吉他作品时，言简意赅的讲述了社会政治、文化背景对于音乐风格的影响和音乐特征，以及乐器的沿革；同时还分析了作曲家艺术情趣、取向和音乐风格特点等。为我们的学习、研究、演奏，提供了丰富的知识内容和立体的艺术想象空间，不再有“言之无物”的空洞表象，和一堆无意义的音符堆砌。

对于使用者的建议：

1、             首先，这套书是言简意赅的音乐史工具书，因为是以“古典吉他”为导向，所以部分史料并未逐一涉及，但这对于研究吉他已经提供了足够的信息。

2、             第二，对照曲谱进行音乐欣赏。建议以每一本书为一个阶段，边对照作品，边欣赏CD作品。以《浪漫主义时期》为例，可先阅读文字资料，之后根据不同的时期背景选取乐曲进行欣赏，并寻找音乐特征。

3、             第三，进行演奏实践。相信对于很多吉他爱好者来说，看到本书的第-个愿望，就是马上可以演奏其中的乐曲。也许CD的示范演奏，可以提供一些乐曲的基本信息，帮助我们了解作品，同时还可以不加分析的进行模仿演奏。但事实上，对一个固定时期的作品进行全面的分析，包括那个时代的音乐特征、装饰音的表现方法、声部的分离与组合，然后再演奏，会是一个多么了不起的事情。当然这都在每首乐曲中，进行了详尽的描述和体现。

4、             第四，对教师而言，这是一套激发学生学习兴趣和练琴的教材。如果学生厌倦了音乐史课堂上的说教，那么就去听CD吧，让学生们选择自己喜欢的乐曲，然后对照学习进度，罗列出学习该曲的阶段计划，并监督实施，直到完成乐曲。

5、如果你对于日渐上涨的“世界名琴”的昂贵价格有所异议，建议仔细参考第-册《萌芽到文艺复兴时期》的附录部分。其中一项收录了“世界主要古典吉他制造商”，您可以登录他们的网站，或直接同他们联系。

《世说新语》：“阮光禄在剡，曾有好车，借者无不皆给。有人葬母，意欲借而不敢言。阮后闻之，叹曰：吾有车而使人不敢借，何以车为？遂焚之。”《古典吉他名作演奏指导》，无论从其思想性、学术性，还是知识性、艺术性的层面上看，是为好书，令见者无不跃跃欲试，若无借者，若无读者，若无使用者，何为好书？不如焚之。

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    闵元禔编著的《古典吉他名作演奏指导(附光盘古典主义时期1750年-1820年)》总结了古典吉他音乐的历史以及古典主义时期1750年-1820年古典吉他音乐与当时社会的相互影响和作用。本书第-部分都探究了音乐与文学、美术、科学、社会以及政治事件之间的关系。第二部分着重介绍了10位伟大的古典主义时期作曲家的影响，第三部分介绍了古典吉他制作家，并独具匠心地采用了综合艺术的方式，为每一位古典吉他教师、学生以及音乐爱好者呈献了一份不可多得的音乐财富

 

目录 古典主义时期(1750—1820)第I部分 古典主义时期社会、政治、文化背景及音乐的特征 古典主义时期的音乐 社会、政治背景 启蒙运动的影响 新古典主义 在雕刻上的表现 在建筑上的表现 早期的工业革命 工业革命对音乐生活的影响 古典主义时期的音乐观 古典主义时期音乐特性 前古典(Pre-Classic)时期 古典主义盛期(High Classic) 音乐的语言特性 织体 旋律 节奏 调式 和声 古典主义时期的装饰音 古典主义时期歌剧与宗教音乐 歌剧的改革 喜歌剧的诞生 宗教音乐 约翰·弗雷德里希·弗朗兹·布格缪勒 (Friefrich Bugmuller，1806—1874) 古典主义时期的主要音乐体裁 奏鸣曲式 室内乐 古典主义时期的小步舞曲 交响乐的诞生 独奏协奏曲 3位伟大的维也纳古典乐派音乐家 弗朗茨·约瑟夫·海顿(Franz Joseph Haydn，1732—1809) 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart，1756—1791) 路德维希·范·贝多芬(Ludwig Van Beethoven，1770—1827) 古典主义时期的吉他音乐 六弦吉他的出现 西班牙，吉他的圣地 西班牙的民间音乐—弗拉门科(Flamenco) 吉他中的车尔尼：卡尔卡西(Matteo Carcassi，1792—1853) 一一 吉他中的贝多芬：费尔南多·索尔(Fernando Sor，1778—1839)第二部分 10位伟大的古典主义时期作曲家的影响 第I黄金时期 西班牙 费尔南多·索尔(Fernando Sor，1778—1839) 索尔的作品风格 迪奥尼西奥·阿瓜多·加西亚(Dionisio Aguado Garcia，1784—1849) 阿瓜多的吉他技巧 阿瓜多与索尔的友谊 意大利 莫洛·朱里亚尼(Maur0 Giuliani，1781—1829) 费尔迪南多·卡路里(Ferdinando Carulli，1770—1841) 马迪奥·卡尔卡西(Matteo Carcassi，1792—1853) 尼科罗·帕格尼尼(Niccol6 Paganini，1782—1840) 法兰西斯科·莫里诺(Francesco Molino，1768—1847) 德国 卡尔(Leonhard von Call，1768—1815) 约瑟夫·库夫纳(Joseph Kuffner，1776—1856) 奥地利 安东·迪亚贝里(Anton Diabelli，1781—1858)第三部分 古典吉他制作家 古典吉他制作家 斯陶芬(Staufer) 拉柯特(Lacote) 帕诺尔摩(Panormo) 托雷斯(Tortes) 埃尔南德斯(Hernandez) 豪斯(Hauser) 米格尔·罗德里格斯(Miguel Rodriguez) 拉米雷斯(Ramirez) 埃斯特索·孔德(Esteso Conde) 弗莱塔(Fleta) 布谢(Bouchet) 

 

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吉他演奏的黄金年代：巴洛克至浪漫主义的音乐之旅 本书旨在为吉他学习者和爱好者提供一份横跨巴洛克、古典主义、浪漫主义以及十九世纪中叶的吉他音乐发展史与演奏技法精粹。我们不着眼于特定时期的特定教材或曲目分析，而是将目光投向整个吉他艺术的演变脉络，探索不同风格对演奏者提出的独特要求与挑战。 第一部分：巴洛克遗韵与早期吉他（Cavaquinho的时代） 巴洛克时期，虽然鲁特琴（Lute）占据主导地位，但四至五根弦的“Cavaquinho”（早期的吉他前身）已在西班牙和葡萄牙的民间音乐中扎根。本书将回顾这一时期吉他音乐的初步形态，重点不在于具体曲目的技巧分析，而是探讨其在和声与对位处理上的初步尝试。 核心内容概述： 早期乐器形制与音色： 探讨五角弦吉他的结构特点，以及它如何影响了早期的指法设计。 织体特征： 梳理巴洛克时期常见的对位手法（如模仿、赋格的简化形式）如何在仅有五根弦的乐器上得以体现。 演奏风格的模糊地带： 讨论早期音乐记谱的不确定性，以及演奏者在演绎这些作品时，如何参考鲁特琴和维奥尔琴的演奏实践来重构音色和力度变化。我们着重于理解“风格性”的演奏，而非特定技巧的刻板模仿。 第二部分：古典主义的结构与清晰度（从Sor到 Giuliani的过渡） 古典主义是吉他历史上的一个关键转折点，作曲家们开始将传统键盘和室内乐的结构严谨性引入到吉他创作中。本书将侧重于分析这一时期音乐中蕴含的“清晰度”和“平衡感”要求，而非详细讲解某一特定教材中已有的练习。 核心内容概述： 奏鸣曲式与回旋曲式在吉他上的体现： 分析古典主义作品中如何运用主题的呈示、发展与再现，以及这如何要求演奏者具备精细的乐句划分能力。 音色控制的革命： 探讨如何通过右手指甲和指肉的精确使用，达到古典主义所推崇的“清晰的线条感”和“均匀的音量控制”。这涉及对手指触弦角度的深入理解，以确保每一个音符都具备明确的轮廓。 和声的逻辑性： 考察古典主义和声进行中的功能性，以及演奏者如何通过对和声重心的把握，引导听众的注意力，避免乐曲听起来零散或过于装饰化。 第三部分：浪漫主义的抒情性与炫技（Tárrega时代的前夜） 浪漫主义时期，吉他获得了前所未有的关注，乐器制造工艺的进步（如加固琴箱、更强的张力）催生了更广阔的音域和更丰满的音色。本书关注的是这种新音色对演奏艺术提出的“抒情”要求。 核心内容概述： 歌唱性的旋律线条（Cantabile）： 探讨如何通过长时值音符的保持、精妙的揉弦（如果适用，或指持续按弦的重量感）以及极其细微的渐强渐弱，来赋予旋律以人声般的特质。这并非针对某个练习曲的机械练习，而是对“歌唱性”这一美学概念的实践探讨。 织体层次的建立： 浪漫主义作品往往旋律与伴奏（分解和弦或和弦式推进）交织复杂。本书将分析如何确立主旋律的“浮现性”，使其从复杂的背景中脱颖而出，同时保持伴奏的稳定支撑。 节奏的弹性与自由度： 讨论浪漫主义音乐中对“自由速度”（Tempo Rubato）的运用，以及如何在不破坏整体结构的前提下，为乐句注入情感上的起伏与呼吸感。 第四部分：十九世纪中叶的演奏法探讨 十九世纪是吉他技术体系形成的关键时期。本书将超越特定曲目的教学，聚焦于那些为后世奠定基础的关键演奏技法思想的源头。 核心内容概述： 左手按弦的效率与清晰度： 探讨早期大师们如何处理复杂的指法转换、横按（Barre）的应用效率，以及如何通过对琴颈角度的调整来优化按弦力度，以适应快速的音阶和琶音。 音阶与琶音的“目的性”训练： 强调技术训练不应是孤立的，而是要服务于音乐表达。例如，在进行音阶练习时，应始终思考该音阶在特定作品中是用于营造辉煌感、还是用于平滑过渡。 踏板、延音与指甲的哲学： 讨论在没有现代延音踏板的时代，演奏者如何利用左手按弦时机的精确控制，结合右手的触弦变化，来模拟更丰富的音色衔接与衰减效果。 本书的宗旨是提供一个宏观的、着眼于风格与哲学的指导框架，帮助学习者理解不同历史时期吉他音乐背后的审美追求，从而使练习和演奏超越单纯的“弹奏音符”，进入到对吉他艺术史的深度对话之中。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的选曲真是太有品味了！我尤其欣赏它对早期古典主义时期那些吉他独奏作品的挖掘和呈现。很多曲子我以前在其他教材里根本没见过，拿到这本书的时候简直像发现了新大陆。编者显然是下了很大功夫做了深入研究，不仅仅是把曲谱摆出来，更重要的是在演奏指导部分，对指法、音色处理、甚至连揉弦的力度和时机都给出了非常细致的建议。比如，在处理某段巴洛克风格的对位时，书里特别强调了两个声部之间清晰的层次感，这对于我这种刚开始接触巴洛克和古典过渡期作品的人来说，简直是醍醐灌顶。书中的排版清晰明了，谱号和指位标记都非常准确，即使是复杂的琶音段落，也能让人一目了然。我感觉这不仅仅是一本练习曲集，更像是一堂量身定制的私教课，让我对那个特定历史阶段的吉他艺术有了更深层次的理解和体验。每次练习完，都觉得自己的技术和音乐性都有了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

我必须要赞扬一下这本书的“历史教程”部分，这绝对是它区别于市面上其他纯曲谱或技巧练习册的最大亮点。作者并没有仅仅停留在“这是哪个作曲家的作品”这种肤浅的介绍上，而是深入探讨了18世纪中后期吉他在欧洲的社会地位、乐器的形制演变，以及不同地区演奏风格的差异。比如，书中对卡尔·索尔和费尔南多·索尔之前那一代吉他大师的比较分析，非常到位。它解释了为什么早期的吉他作品对左手按弦的力度和右手拨弦的轻柔度有如此高的要求，这直接关系到当时乐器音量和音质的特点。这种背景知识的补充，极大地丰富了我的音乐视野，让我明白每一次弹奏都不是孤立的，而是与那个时代的音乐审美紧密相连的。读完这些文字，我再去看那些看似简单的练习曲时，心里就多了一份对历史的敬畏感和更准确的音乐想象力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范！它不是按照作曲家或者年代随便堆砌曲子，而是建立了一个清晰的学习路径。从最基础的单音旋律训练开始，循序渐进地引入多声部写作的挑战，然后逐步过渡到需要更高技巧的奏鸣曲式片段。我特别喜欢它对特定技巧的“模块化”训练。例如，在介绍完一个特定的连奏技巧后，紧接着就会安排几首专门用来强化这个技巧的短小练习曲，确保学习者能够快速将理论知识转化为实际演奏能力。这种结构设计让我的练习效率大大提高，不再像以前那样盲目地从头练到尾。每次完成一个模块的学习，我都能明显感觉到自己的手指更协调、对乐谱的理解更深入。对于需要系统提升古典吉他基本功的人来说，这套渐进式的设计是无价之宝。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始有点担心“演奏指导”会不会过于枯燥和学术化，但事实证明我的担忧完全是多余的。这本书的指导语言既专业又富有启发性，绝不是那种干巴巴的术语堆砌。作者在讲解如何处理快速的音阶跑动时，用了一个非常形象的比喻，将手指的动作比作水流的冲刷，强调的是流畅性和均匀性，而不是蛮力。这种生活化的描述一下子就让我找到了感觉。更让我惊喜的是，对于一些被传统教材忽略的“音乐性表达”的问题，比如如何处理休止符带来的呼吸感，书里也给出了独到的见解。它教你如何“听见”沉默，这在追求完美技巧的练习中是极其重要的平衡点。这让我的演奏不再只是准确地弹奏出音符，而是开始真正地“讲述”音乐。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经接触古典吉他多年、寻求突破的进阶学习者，我发现这本书的价值远超出了它作为一本教材的定位。它提供了一种全新的、更具批判性的视角来看待古典主义时期的吉他文献。书中对一些“著名”练习曲的指法选择和指位转换提出了与主流教学法不同的建议，这促使我不断地审视自己过去沿用多年的习惯，并进行有意识的调整和优化。这种鼓励独立思考、不盲目服从的教学态度非常吸引我。它像一面镜子，让我看到了自己演奏中那些潜藏的、不符合历史语境的“现代”陋习。最终，它帮助我找到了一个更贴合乐曲原貌的、更具时代感的音色基调。这本书绝对是那种需要反复研读、每次都会有新发现的深度学习资料。