原版引进 环球经典名曲导读续集24 亨德尔 附DG经典唱片CD pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 世界图书出版公司

ISBN：9787519205454

商品编码：29867467522

丛书名： 哈内克论哈内克

开本：16开

出版时间：2016-04-01

 

编辑推荐 DG经典唱片，展现指挥家，演奏家精湛艺术，解读大师文本，对作品逐分逐秒分析，集音乐知识和背景介绍于一体。
经典聚积精神的财富，名曲抚慰心灵的世界，本碟为上海文艺音像出版社原版引进的“大剧院艺术课堂”《环球经典名曲导读》系列总汇。“环球经典名曲导读”系列如同一张聆听、体会、走近伟大音乐家的音乐地图。

 

 

目录 弥赛亚（选段）
交响乐
1．有伴奏宣叙调（男高音）安慰我的百姓
2．咏叹调（男高音）山谷都要填平
6．合唱他将洁净利未人
7．宣叙调（女低音）必有童女怀孕生子
8．咏叹调（女低音）报好消息给锡安的你
9．合唱报好消息给锡安的你
12．合唱因有一婴孩为我们而生
13．管乐（田园交响曲）
14．宣叙调（女高音）野地里有牧羊人
15．合唱在至高之处，荣耀归于上帝
18．二重唱（女低音、女高音）他像牧人牧养自己的羊群
24．合唱我们都如羊走迷
27．有伴奏宣叙调（男高音）辱骂伤破了他的心
28．咏叙调（男高音）有像这样的痛苦临到他的痛苦没有
35．合唱主发命令
38．咏叹调（男低音）外邦人为什么争闹
42．合唱哈利路亚
43．咏叹调（女高音）我知道我的救世主活着
51．合唱被杀的羔羊，用他的血赎救了我们
52．合唱阿门

 

 

内容推荐 1685年2月23日，亨德尔生于萨克森附近的哈雷，父是外科医生，母是路行德会牧师的女儿。父希望他成为律师，但是音乐的天赋和热情洽谈室他有不同的人生。17岁时他任教堂风琴师（后来被认为是当时的键盘演奏家之一），18岁去汉堡学写歌剧。他本可以在吕贝克成为风琴手，与他的前任布克斯特胡德的女儿结婚，但是他看了她一眼后就拒绝了。亨德尔一生未婚，认识他的人说他“除了他爱的女人，他不听任何人的。不过他的恋情往往持续很短”；也有人说他“言谈举止狂暴，粗野和专横，但并不恶意……在他生气和发牢骚的俏皮话中不乏天生的幽默和快乐”。
1701年，亨德尔去了意大利。在威尼斯、佛罗伦萨、罗马和其他大城市的4年间获取了很多经验，赢得在歌剧、清唱剧、康塔塔、协奏曲和奏鸣曲创作上的成功。1710年，他成为汉诺威宮廷乐团指挥，然而当他出访英国受到优厚礼遇后便决心移居英国。1712年，他定居伦敦，尽管他在那儿享受荣誉的同时也碰到不少困难，但是还是在英国度过了余生。
亨德尔在1737年52岁日寸中风，所幸康复，但67岁时双旨失明。1759年4月14日在伦敦去世，享年74岁。他被安葬在西敏寺。据研究亨德尔的专家温吞·丁说，作曲家死后，“这位娱乐王子，喜欢描绘感官享受的泛神论者和享乐主义者…成了令人瞩目的丰碑，其中不乏讽刺意味”。但是，随着亨德尔作品的复苏，又还给我们一位热情的作曲家的面貌了。

 

音乐殿堂的永恒回响：西方音乐史的瑰宝群像 本书简介 本书并非聚焦于某一位特定作曲家的作品解析，亦非仅仅围绕某一特定唱片公司的历史展开叙述。相反，它是一部宏大而精微的音乐文献集成，旨在勾勒出西方古典音乐自巴洛克早期至二十世纪中叶的辉煌图景，并探讨其在不同历史语境下的演变、风格特征及其核心美学价值。全书以时间线索为骨架，辅以专题深入剖析，力求为读者提供一个全面、立体且富有洞察力的音乐世界漫游指南。 第一篇：源起与奠基——中世纪晚期至巴洛克盛世（约1300-1750年） 本篇追溯了西方音乐的萌芽与早期发展，重点解析了复调音乐的诞生与成熟。从格里高利圣咏的单音传统，到奥尔加农（Organum）的初步合唱，再到诺特丹画派（如列奥南、佩罗坦）如何确立了清晰的节奏概念和多声部织体。 随后，视角转向文艺复兴时期。我们深入研究了教廷音乐（如帕莱斯特里那）的纯净与均衡，以及世俗音乐（如香颂、维拉内拉）中人文主义精神的渗透。文艺复兴的“和谐”理念，是为巴洛克戏剧性爆发积蓄的能量。 重头戏在于巴洛克时期。本书详细阐述了“巴洛克风格”的形成——即强烈的对比、装饰的繁复、情感的直接表达。重点探讨了歌剧这一全新体裁在佛罗伦萨的诞生及其在蒙特威尔第手中的早期确立。对协奏曲（Concerto Grosso）和奏鸣曲（Sonata）结构的剖析，着重展现了巴赫和维瓦尔第如何将对位法推向技术和情感的极致。对礼拜音乐，如清唱剧（Oratorio）的结构分析，侧重于其叙事功能和合唱的磅礴气势。 第二篇：古典主义的理性之光与浪漫主义的激情澎湃（约1750-1910年） 进入十八世纪中叶，音乐界迎来了一场深刻的“启蒙运动”。本书详细分析了从洛可可（Style Galant）向古典主义的过渡，阐释了奏鸣曲式（Sonata Form）作为一种逻辑严谨的戏剧结构，如何成为交响乐、协奏曲和小提琴奏鸣曲的核心骨架。 维也纳古典乐派的三巨头——海顿、莫扎特和贝多芬——的创作被置于详尽的比较分析之中。海顿被视为“交响乐之父”，其幽默感和结构创新得到了充分展现；莫扎特则以其无与伦比的旋律天赋和歌剧中的心理刻画能力（如《费加罗的婚礼》）被推崇备至；而贝多芬则被视为承前启后的桥梁，他的后期作品如何打破既有形式的桎梏，预示了浪漫主义的来临，成为理解音乐发展史上“英雄式”个体的关键范例。 十九世纪的浪漫主义浪潮，是个人情感和主观体验的全面解放。本书将这一时期划分为早期、中期和晚期三个阶段： 1. 早期浪漫主义（舒伯特、肖邦）： 重点关注艺术歌曲（Lied）的兴盛，人声与钢琴的亲密对话，以及肖邦对钢琴媒介的革命性探索。 2. 中期浪漫主义（舒曼、门德尔松、柏辽兹）： 探讨了“标题音乐”（Program Music）的崛起，交响诗的出现，以及文学与音乐的深度融合。 3. 晚期浪漫主义（李斯特、瓦格纳、布拉姆斯）： 李斯特的“交响诗”概念和瓦格纳“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的理论，标志着对传统界限的极端挑战。布拉姆斯的“绝对音乐”立场，则构成了对浪漫主义过度主观化的有力回应。 第三篇：世纪之交的探索与决裂（约1890-1945年） 本篇聚焦于十九世纪末至两次世界大战期间，音乐如何应对社会剧变和哲学思潮的冲击，导致了风格的空前多样化乃至“决裂”。 印象主义与象征主义： 德彪西和拉威尔如何借鉴印象派绘画和象征主义诗歌，通过色彩、模糊的轮廓和全新的和声语汇（如全音阶、五声音阶）来捕捉瞬间的氛围，而非宏大的叙事。 德奥晚期浪漫主义的扩张： 马勒和理查·施特劳斯如何将交响乐推向史无前例的长度和编制，探讨了他们作品中对生命、死亡和宇宙的终极追问。 现代主义的爆炸： 这是本书中分析最深入的部分之一。勋伯格及其追随者（贝尔格、魏恩贝格）如何从调性瓦解的边缘，一步步走向无调性（Atonality），最终确立了十二音体系（Dodecaphony）。本书清晰界定了十二音技法在结构和表达上的逻辑。同时，对俄国乐派的分析，重点关注斯特拉文斯基早期作品中原始主义的节奏冲击力，以及巴托克在民族音乐学田野调查基础上构建的独特现代风格。 第四篇：战后格局与二十世纪下半叶的多元发展 二战后的音乐进入了一个更加碎片化、实验性的阶段。 序列主义的深化与拓展： 探讨了第二维也纳乐派如何将十二音原则扩展至节奏、力度和音色，形成“总体序列音乐”（Total Serialism），以布列瑟为代表的激进探索。 机缘与偶然： 约翰·凯奇的“机遇音乐”哲学，对东方哲学（禅宗）的吸收，以及留声机技术在音乐创作中的应用，彻底颠覆了作曲家对作品控制权的传统观念。 电子音乐的兴起： 从早期的磁带音乐（Musique Concrète，香瑟）到后来的合成器技术，本书考察了电子技术如何为声音的物理特性本身提供了前所未有的表现力。 新民族主义与回归： 面对现代主义的疏离感，部分作曲家（如肖斯塔科维奇）如何在政治高压下，重新吸收民间音乐元素和古典传统，以更具社会责任感的方式进行创作。 结语：持续的对话 本书最终落脚于音乐史并非一条单一直线，而是一个充满张力和对话的复杂网络。每一代作曲家都是站在前人的肩膀上，既继承又反叛。理解一部音乐作品，不仅要剖析其技术结构，更要将其置于其所处的时代精神之中，方能真正领略西方音乐艺术超越时空的永恒魅力。本书旨在成为读者进入这个浩瀚殿堂的可靠向导。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计确实挺吸引人的，那种复古的字体搭配着典雅的配色，一下子就把人带回了那个古典音乐的黄金时代。我本来还担心内容会过于学术化，让人望而却步，但翻开第一页就发现，作者的笔触非常流畅，丝毫没有那种高高在上的说教感。相反，他更像是一个和你并肩坐在老式留声机旁的音乐发烧友，用最亲切的语言，把亨德尔这位音乐巨匠的生平娓娓道来。尤其让我印象深刻的是他对《弥赛亚》创作背景的描述，那种身处历史洪流中的挣扎与辉煌，被刻画得淋漓尽致。读完这部分，我不再是单纯地欣赏旋律，而是能感受到音符背后蕴含的巨大情感张力。我一直觉得，要真正理解一位作曲家，就得先了解他的时代，这本书在这方面做得相当到位，背景资料的梳理非常扎实，完全不是走过场的那种敷衍了事。这对于像我这样，虽然爱听古典乐，但专业知识相对薄弱的听众来说，简直是福音。它提供了一个绝佳的切入点，让你在享受音乐的同时，也能进行深层次的思考和共鸣。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是一个比较注重实践的读者，光有理论介绍对我吸引力有限，我更看重的是“听”的指导。这本书在这方面倒是给我带来了不少惊喜。它不仅仅是罗列作品名称，而是深入到具体的乐章分析，并且巧妙地穿插了对不同历史时期演奏风格的比较。比如，书中提到某个协奏曲在早期管弦乐队和现代大型交响乐团演绎上的细微差别，简直是醍醐灌顶。我立刻去翻出了我收藏的几张不同时期的录音来印证书中的观点，那种“原来如此”的豁然开朗感，是单纯听音乐难以获得的。更重要的是，作者似乎非常懂得听众的“痛点”，他会提前预判你可能在哪个地方会感到困惑，然后提前给出清晰的指引。这种结构上的精妙设计，让阅读过程充满了探索的乐趣，而不是枯燥的学习。我甚至觉得，这本书本身就是一张精心编排的音乐会导览手册，只不过媒介是文字而已，但其引导性丝毫不弱于现场的讲解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和整体质感，比起市面上很多轻飘飘的音乐普及读物，要厚重得多，很有收藏价值。我个人对书籍的触感比较挑剔，这本书的纸张选择和印刷质量都体现出一种对内容的尊重。当然，内容本身才是王道。亨德尔的作品浩如烟海，从歌剧到清唱剧，再到后期的器乐，跨度极大。我原本最熟悉的只是他那些脍炙人口的“金曲”，但通过这本书的梳理，我开始对那些相对“冷门”的作品产生了浓厚的兴趣。作者在介绍那些不那么流行的作品时，语气中流露出的那种“快来听听这个被埋没的瑰宝”的热情，极具感染力。我甚至因此重新审视了自己音乐库里一些被我忽略已久的作品。这不仅仅是一本介绍亨德尔的书，它更像是一份精心绘制的“音乐地图”，指引读者去发现更多未曾涉足的艺术宝藏。这种引导你去主动探索的驱动力，比被动接受知识要有价值得多。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在叙事手法上展现出的一种克制与激情并存的平衡感。它既有扎实的音乐史实作为根基，保证了内容的可信度，又没有陷入僵硬的学术论文的窠臼。在谈论亨德尔的创作巅峰期时，文字的节奏明显加快，充满了澎湃的力量感，仿佛能让人透过文字感受到巴洛克时期那种强烈的生命力和装饰性美学。然而，当涉及到作曲家个人生活中的低谷或争议时，作者的处理又显得极为审慎和富有同理心，没有丝毫的猎奇或过度渲染。这种成熟的叙事姿态，使得整本书读起来非常舒服，既能满足我对知识的渴求，又能在情感上获得滋养。它成功地将一位历史人物的复杂性，通过音乐成就这个核心脉络，立体地呈现在读者面前，而不是简单地将他脸谱化。对于严肃的音乐爱好者而言，这种深度和广度的结合，是判断一本书优劣的关键标准。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我购买这类书籍时，常常会担心附带的“周边”是否只是一个噱头。但这本书似乎在配套的材料上投入了巨大的心力，这一点非常值得称赞。它提供了一种跨媒介的沉浸式体验，让你在阅读理论的同时，能够立刻听到对应的声音样本，形成即时的反馈回路。这种多感官的刺激，极大地增强了学习的效率和乐趣。我能清晰地感受到，出版方和作者在策划之初，就已经将“阅读”与“聆听”这两个行为紧密地绑定在一起，而不是简单地将CD当作一个附属品。这种精心策划的联动效应，让原本可能有些抽象的音乐理论变得具象化、可触碰。可以说，它成功地架设起了一座沟通文字与旋律的桥梁，让读者在学习亨德尔的路上走得更加坚定而愉悦。这种整体性的、用户体验导向的设计理念，在同类出版物中是相当少见的。