正版中国音乐学院附中 中国民族音乐必修课教材 民族器乐附CD pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807518242

商品编码：29867444217

丛书名： 民族器乐-附CD-ROM一张

 

 

 

 

目录 前言 第I章 概述 第I节 历史沿革 一、上古(先秦) 二、中古(秦汉.隋.唐) 三、近古(宋.元.明.清) 四、近现代 五、当代 第二节 民族乐器的分类 一、古代“八音”分类法 二、乐器演奏方式分类法 三、“霍—萨”分类法 第三节 民族器乐的艺术特征 一、音乐来源 二、音乐结构和发展手法 第二章 独奏乐 第I节 气鸣乐器 一、孔管乐器 二、簧管乐器 三、嘴管乐器和气哨乐器 第二节 膜鸣乐器 一、双皮膜鸣乐器 二、单皮膜鸣乐器 第三节 体鸣乐器 一、金属体鸣乐器 二、竹木体鸣乐器 三、其他体鸣乐器 第四节 弦鸣乐器 一、拨弦乐器 二、击弦乐器 三、拉弦乐器 第三章 合奏乐 第I节 民间合奏乐 一、弦索乐 二、丝竹乐 三、鼓吹乐 四、吹打乐 五、锣鼓乐 第二节 民族管弦乐合奏 附录一：谱例索引 附录二：主要参考文献

 

 

 

《文化部21世纪艺术教育大系师范教材?中国音乐学院附中"中国民族音乐"必修课教材?高等职业教育艺术选修教材:民族器乐》共分为概述、独奏乐、合奏乐三章，主要内容包括：历史沿革、民族乐器的分类、民族器乐的艺术特征等。

编辑推荐

《文化部21世纪艺术教育大系师范教材?中国音乐学院附中"中国民族音乐"必修课教材?高等职业教育艺术选修教材:民族器乐》为中国音乐学院附中必修的"中国民族音乐"课程，也是"文化部21世纪艺术教育大系示范教材"，亦可作为我国中等艺术院校开设该课程的重要可选教材，还能为广大音乐爱好者涉足我国民族音乐提供一条途径。教材内容与授课方式紧密相连，现代多媒体技术与传统音响结合。《文化部21世纪艺术教育大系师范教材?中国音乐学院附中"中国民族音乐"必修课教材?高等职业教育艺术选修教材:民族器乐》由上海音乐出版社出版。  

 

 

 

好的，根据您的要求，这是一份详细的图书简介，主题为“世界音乐之旅：从巴赫到爵士乐的跨文化探索”，内容完全不涉及您提供的中国音乐学院附中教材。 --- 世界音乐之旅：从巴赫到爵士乐的跨文化探索 跨越世纪与地域的宏大叙事 《世界音乐之旅：从巴赫到爵士乐的跨文化探索》 是一部旨在为音乐爱好者、学生以及专业人士提供全面而深入的西方及非西方音乐体系脉络的综合性著作。本书并非孤立地考察某一音乐流派，而是试图构建一座宏观的桥梁，连接起古典音乐的严谨结构与现代音乐的自由精神，同时将东方与西方的音乐智慧进行对话。 本书的结构精心设计，力求清晰地引导读者穿越数个世纪的音乐演变历程，深入理解不同文化背景下音乐的生成逻辑、美学追求与社会功能。我们着重于音乐背后的“为什么”——是什么样的历史条件、哲学思潮和技术革新促成了特定音乐风格的诞生与繁荣。 第一部分：西方音乐的奠基与辉煌（中世纪至浪漫主义） 本部分将带读者回到西方音乐的源头，详细剖析西方艺术音乐的演进史。 1. 中世纪与文艺复兴：信仰与人性的张力 我们首先考察格里高利圣咏的单音音乐体系，探讨其在教会仪式中的核心作用，以及早期记谱法的出现如何为复杂音乐的记录奠定基础。随后，我们将进入复调音乐的黎明，聚焦于巴黎圣母院乐派及其对位技巧的初步探索。 文艺复兴时期是“人”的价值回归的时代。本书将深入分析奥兰多·迪·拉索和乔斯坎·德普雷等大师的作品，探讨音乐如何从纯粹的宗教服务转向对文本情感的细腻描绘。牧歌（Madrigal）的兴盛标志着世俗音乐地位的提升。我们特别设置了一章，解析对位法（Counterpoint）的早期原理，即如何通过不同声部的独立进行却保持整体和谐的严谨技术。 2. 巴洛克：情感的戏剧化与结构的精妙 巴洛克时期是音乐史上结构创新与情感表达的黄金时代。我们会详尽分析巴赫（Johann Sebastian Bach）的音乐遗产，不仅仅停留在《平均律钢琴曲集》的指法训练上，更在于他如何将对位技巧推向了前所未有的复杂性与逻辑性高峰。我们对比分析了亨德尔的清唱剧和维瓦尔第的协奏曲，阐释巴洛克音乐的“狂热”美学——即对强烈情感（Affekts）的系统性表达。 对于歌剧这一新兴体裁，本书追溯了其在佛罗伦萨的起源，解析了宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）的功用划分，以及蒙特威尔第如何赋予戏剧以音乐的灵魂。 3. 古典主义：清晰、平衡与形式的胜利 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向了清晰、对称与理性。本部分重点剖析奏鸣曲式（Sonata Form）作为古典主义音乐“建筑蓝图”的构建过程。 海顿被誉为“交响曲之父”，我们研究他如何将早期交响乐的零散结构塑造成四乐章的典范。莫扎特的作品则展现了旋律的完美平衡与戏剧张力的自然流淌。随后，我们将聚焦于贝多芬，探讨他如何从古典主义的框架中挣脱，通过扩展曲式、强化对立冲突，为浪漫主义的爆发铺平道路。 4. 浪漫主义：个体、民族与超验的追求 浪漫主义音乐是情感的泛滥与个体内心的深刻投射。本章分析了舒伯特艺术歌曲（Lied）如何将诗歌与音乐完美融合，营造出“清晨的幻觉”。 我们深入探讨了李斯特的交响诗如何打破传统体裁的束缚，以及瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，特别强调了主导动机（Leitmotif）在叙事中的关键作用。同时，本书也关注了民族主义音乐的崛起，例如德沃夏克如何将波西米亚的民间旋律融入宏大的交响结构之中，展现了音乐在全球化前夕对“本土性”的捍卫。 第二部分：跨越界限的现代与当代音乐 进入20世纪，音乐的疆界被彻底打破，对“和声”、“节奏”和“音色”的定义被重新书写。 1. 印象主义与表现主义的色彩革命 德彪西与拉威尔的印象主义音乐，代表着对传统调性束缚的反叛。本书详细解析了他们对全音阶、五声音阶以及和声色彩（Tone Color Harmony）的运用，旨在捕捉光影和瞬间的感受，而非明确的叙事。 紧接着，我们进入维也纳第二学派的激进探索。勋伯格开创的十二音体系（Twelve-Tone Technique）被视为对数百年西方音乐传统的一次彻底决裂。我们将清晰阐述序列主义（Serialism）的原理，并对比魏本的精细化处理，理解作曲家们在失去传统调性“锚点”后如何构建新的听觉秩序。 2. 节奏的解放与实验音乐的诞生 20世纪初，斯特拉文斯基的《春之祭》以其多节奏性（Polyrhythm）和不协和和声引发的轰动，标志着节奏作为独立表现手段的崛起。 本书随后将目光投向了战后极端的音乐实验。我们探讨了皮埃尔·布列兹领导的序列主义如何扩展到音色和力度控制，以及极简主义（Minimalism）的兴起，重点分析菲利普·格拉斯和史蒂夫·莱奇如何通过简约的材料和重复的结构，引导听众进入冥想式的听觉体验。 第三部分：全球对话：爵士乐与非西方音乐的映照 本书的独特之处在于，它并未将西方艺术音乐视为音乐的终点，而是将其置于一个更广阔的全球音乐图景中进行考察。 1. 爵士乐的诞生与演变：美国的即兴交响 爵士乐被视为美国独特的文化熔炉的产物。本章追溯了布鲁斯（Blues）的根源——其独特的蓝调音阶和呼应结构——以及它如何与欧洲的军乐队音乐融合，催生出新奥尔良爵士。 随后，我们将追踪摇摆乐（Swing）的大规模化，对比比波普（Bebop）时期查理·帕克和迪兹·吉莱斯皮对节奏和和声复杂度的提升。对于冷爵士、融合爵士以及自由爵士的讨论，旨在揭示爵士乐在吸收现代和前卫音乐元素时所展现的惊人适应性与即兴创造力。我们特别分析了和弦替代和即兴创作的内在逻辑。 2. 东方音乐的哲学与技术维度（对比视角） 为了提供更全面的视角，本书精选了几个具有代表性的非西方音乐体系进行介绍，强调其哲学基础与西方体系的根本差异。 印度古典音乐（Hindustani Music）：重点讲解拉格（Raga，旋律框架）和塔拉（Tala，节奏周期）的复杂结构，以及即兴演奏在其中占据的核心地位，与西方基于预先固定乐谱的创作模式形成鲜明对比。 中国传统音乐（以特定乐器组为例）：探讨五声调式（Pentatonic Scale）在器乐中的应用，以及如古琴音乐中强调的“气韵”与“减字谱”所体现的对时间流逝的独特感知。 非洲鼓乐的复节奏：分析西非鼓乐中多重节奏层同时进行的模式，揭示其社会功能与舞蹈的紧密联系。 结语：倾听未来的和声 本书最终将回归到“音乐性”的本质探讨。我们总结了从严格的复调到无调性，再到电子合成的整个音乐演变链条，探讨技术进步（如录音技术、合成器）如何持续地重塑我们聆听与创作音乐的方式。 《世界音乐之旅》旨在培养读者一种批判性、跨文化的聆听能力，使听众不仅能欣赏一首巴赫的赋格曲或一段Miles Davis的独奏，更能理解它们在人类历史长河中占据的独特坐标与发出的时代之声。本书是深入理解人类声音艺术的必备指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的细节处理，体现了出版方深厚的行业洞察力。例如，在某些需要大量标记指法或弓法变化的地方，作者采用了不同深浅的灰色来区分主要指法和次要的修正指法，这种细微的色彩差异，极大地减轻了阅读压力。此外，书页的边缘留白设计得非常人性化，预留了足够的空间供学习者在空白处做笔记、写下心得体会或者标记难点，这对于一本“活的”教材来说是必不可少的。我个人的习惯是在书页上批注自己的理解，这本书提供的“画布”恰到好处，既不显得空旷，也不会让人觉得拥挤。这种对“互动性”的预留，让这本书不仅仅是一本静态的知识载体，更成了一本与读者共同成长的学习伙伴。

评分☆☆☆☆☆

从纸张的触感到墨水的味道，这本书都散发着一种“匠人精神”。油墨的印刷均匀度极高，即便是那些需要精细辨认的符号，也清晰锐利，绝无模糊的现象。在边角的装订处，我特意检查了一下，线装结合胶装的处理方式，保证了书本可以完全平摊在桌面上，这一点对于乐谱的阅读至关重要，避免了因书本合拢而遮挡住关键音符的尴尬。而且，这本书的重量和尺寸控制得相当出色，虽然内容丰富，但整体感觉并不“笨重”，非常适合日常携带去琴房练习。这种对物理属性的考量，往往体现了出版方对最终用户体验的重视程度，他们显然是深入理解了音乐学习者在实际操作中会遇到的各种不便，并做了周到的应对。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计非常吸引人，色彩搭配得恰到好处，那种古典韵味和现代气息的融合，让人一看就知道里面蕴含着深厚的文化底蕴。我印象最深的是封面上那几笔潇洒的写意山水，配上隶书体的书名，简直就是一件艺术品。拿到手里的时候，厚重感十足，让人对即将翻开的内容充满了期待。那种纸张的质感，摸上去光滑又不失韧性，即便是经常翻阅，也不会轻易损坏，看得出装帧上是用心了的。特别是那个附赠的CD，外包装也设计得别具匠心，和主书的风格保持了一致的协调性，没有那种廉价的塑料感，而是用了更环保、更有质感的材料，这对于注重细节的读者来说，简直是加分项。光是这份仪式感，就让人觉得物有所值，仿佛握住的不是一本教材，而是一把开启传统音乐宝库的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版布局，可以说是教科书级别的典范。我特意对比了好几本其他音乐教材，这本书在视觉引导上做得尤为出色。每一章节的标题字体粗细、间距都拿捏得非常精准，不会让人在阅读时感到拥挤或跳跃。更值得称赞的是，书中的乐谱部分，五线谱与简谱的对照清晰明了，即使是初学者，也能迅速找到自己熟悉的标记方式，大大降低了学习门槛。大量的图示和乐器结构分解图，线条细腻，比例准确，对于理解器乐的构造和演奏姿势至关重要。这些配图的质量之高，已经超越了一般教材的范畴，更像是专业图集的水准。而且，在关键的技术难点解析处，作者巧妙地使用了阴影和高光处理，让原本抽象的技法描述变得具象化，这点对于自学者来说，简直是福音，能有效避免在练习中走弯路。

评分☆☆☆☆☆

这本书的整体设计理念，透着一股对“传承”的敬畏之心。它不像某些教材那样，为了追求新颖而过度“现代化”，反而选择了最朴实、最能沉淀人心的风格。我特别欣赏它在章节过渡页面的处理上，偶尔会穿插一些古代文人的题跋或者对某个流派历史的简短介绍，这些“留白”恰到好处地让读者的大脑得到了短暂的喘息和文化背景的补充。这使得学习过程不再是枯燥的“技术训练”，而更像是一场穿越时空的对话。书本的开本选择也极为合理，既方便携带和在琴边翻阅，又不至于在摊开时因版面过小而遗漏细节。每次合上它，都能感受到一种心神安定的感觉，这大概是优秀教材独有的魔力吧，它让你愿意主动去亲近它，而不是被动地应付它。