正版中国民族戏曲教材 川剧经典唱段100首 川剧经典教程书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539640730

商品编码：29867451433

丛书名： 川剧经典唱段100首

出版时间：2013-01-01

 

目录

前言
高腔【端正好】类
满天星斗照琉璃
忽听得雁声天际
尼山攻书有三春
弥天横祸凭空起
时来风雨不稍停
你问咱因甚欢庆
红日东升照山野
五丈秋原
回家乡
一声原谅他出口
离逻些心茫茫
天塌地陷
天昏昏野茫茫
红楼啊，红楼
生生死死长相随
江水哪有泪水长
请君江湖听歌郎
鬼使神差
高腔【新水令】类
高腔【香罗带】类
高腔【江头桂】类
高腔【红衲袄】类
高腔【梭梭岗】类
胡琴【西皮】类
胡琴【二黄】类
弹戏【甜皮】类
弹戏【苦皮】类
昆腔类
灯戏类
附录一简化川剧高腔曲牌的初步设想
附录二锣鼓符号说明
附录三参考书目

  本书收录了满天星斗照琉璃；忽听得雁声天际；尼山攻书有三春；弥天横祸凭空起；时来风雨不稍停；你问咱因甚欢庆等川剧经典唱段100首。

《二十世纪中国戏曲史论纲要》 内容提要： 本书旨在对二十世纪中国戏曲发展的复杂历程进行一次系统、深入的梳理与阐释。它并非一部单纯的剧目汇编或人物传记，而是一部侧重于宏观脉络梳理、理论建构与文化语境分析的学术著作。全书以时间为轴，以地域流派为经，深入探讨了在社会剧变、技术革新与中西文化激烈碰撞的背景下，中国戏曲这一古老艺术形态如何自我革新、如何应对挑战，并最终在现代语境中找到新的生命力。 第一编：晚清遗响与近代转型（1900-1927） 本编聚焦于辛亥革命前后戏曲界所经历的剧烈震荡。首先，对传统戏班的组织结构、商业运营模式在近代社会冲击下的瓦解与重塑进行了细致考察。重点分析了“新剧”的兴起，特别是话剧（现代话剧）对传统戏曲在叙事结构、舞台调度乃至演员训练体系上带来的冲击与借鉴。 改良运动的曲折： 详细剖析了以“文明戏”为代表的改良尝试，剖析其在内容上试图融入政治说教，在形式上吸收西剧元素的努力，及其最终因其“不中不西”的尴尬境地而走向衰落的原因。 京剧的鼎盛与定型： 在政治动荡中，京剧艺术如何通过对传统腔调的提炼、对武功和文场的精细化管理，完成了自身艺术体系的最后定型，并成为影响全国戏曲的中心范式。对“四大名旦”的艺术成就，不仅从唱腔技巧上进行梳理，更着重分析了她们在性别表演（Gender Performance）理论视角下的突破性意义。 地方声腔的觉醒： 这一时期，被京剧光芒掩盖下的地方戏（如昆曲的挣扎、川剧、粤剧等的地方性发展）开始寻求自我定位。本编通过对南方戏曲改良社团的案例研究，探讨了地方戏在保留核心声腔特质的同时，如何试图通过演出现代剧目来争取生存空间。 第二编：国家构建与艺术规范化（1928-1949） 抗战前后及解放前夕，国家意识的提升对戏曲艺术提出了新的要求。本编着重考察了国家权力机构（如国民政府的文化部门）对戏曲艺术的管理与规范化尝试。 戏曲理论的建立： 梳理了以余太 ঊর্ধ্বতন、周贻白等为代表的学者对中国戏曲进行系统性分类、美学原则界定和历史分期的努力。这些理论尝试为后续的艺术发展奠定了基础，但也带来了过度强调“正统”的倾向。 国术与戏曲的交融： 详细分析了国共两党在文化宣传中对戏曲的利用，特别是对武戏和历史正剧的推崇。抗战时期，戏曲艺人的“下乡巡演”不仅是艺术传播，更是民族精神动员的重要组成部分。 民间艺术的生命力： 尽管上层建筑力图规范，但民间戏曲的生命力依然旺盛。本编通过对江浙一带花部乱弹的兴衰、以及西南地区方言戏曲在地域文化支撑下的独特发展，揭示了戏曲艺术在不同阶层和地域中的多元生存状态。 第三编：社会主义改造与戏曲的“新生”（1949-1976） 新中国成立后，戏曲艺术迎来了国家力量主导下的全面重塑。本编将重点放在“戏曲改革”的宏大叙事之下，对具体实践进行批判性审视。 剧本的“移植”与“创作”： 深入分析了如何将民间流传的“老本子”进行“净化”和“革命化”，以及如何根据新的政治议程，组织编剧团队创作“新编历史剧”和“现代戏”。重点探讨了这一过程中，传统程式化表演与现实主义表演思潮的激烈碰撞。 流派的整合与统一： 考察了国家如何通过举办全国性戏曲观摩演出，系统地发掘、整理并推广了各剧种的代表性表演艺术家及其技艺。这一过程在保存艺术精华的同时，也带来了对地方性、非主流技艺的抑制。 样板戏的兴起与审美定型： 专门辟章分析了京剧革命现代样板戏（如《红灯记》《智取威虎山》）的艺术构成、音乐创作模式（融合西方交响乐元素）以及它们在舞台美学上形成的强大示范效应，这种示范如何深刻影响了后续几代戏曲观众的审美取向。 第四编：探索与回归的十年（1977-2000） 文革结束后，戏曲界进入了漫长而复杂的“拨乱反正”与“现代化转型”阶段。 “抢救”与“复兴”： 探讨了对文革期间被禁演的传统剧目（如“禁戏”）的恢复演出，以及对濒危剧种的普查和抢救工作。这一阶段的特征是主动向传统中汲取营养，以弥补意识形态主导下留下的艺术真空。 戏曲的学院化与学术化： 重点分析了高等戏曲教育体系的重建，以及在新的学术思潮影响下，戏曲理论研究开始关注女性视角、非主流文化、以及与跨文化戏剧研究的结合。 市场经济冲击下的生态变迁： 随着市场经济的深入，戏曲的生存环境发生了根本变化。本编考察了剧团体制的转轨、观众群体的老龄化现象，以及部分戏曲团体如何通过“触电”（电视和录像技术的应用）来拓展传播渠道，探讨了传统戏曲在这一世纪之交所面临的生存困境与前瞻性探索。 本书特色： 本书资料翔实，兼顾宏观理论建构与微观个案分析。作者力求跳出单一剧种的藩篱，将戏曲视为一个整体的文化现象，放在中国社会、政治、美学变迁的坐标系中进行考察。对于研究中国近现代艺术史、文化史、社会史的读者，本书提供了全面而深刻的理论框架与丰富的史料支撑。它不是一本简单的“教材”，而是对一个世纪艺术灵魂拷问的历史记录。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太用心了，那种老式的油墨印刷质感，拿到手里沉甸甸的，仿佛能闻到旧书店里特有的那种纸张的微酸味道。封面选用的川剧脸谱图案，色彩饱和度把握得恰到好处，既有传统艺术的厚重感，又不失现代审美的冲击力。内页的纸张选择也很有讲究，偏米黄色的道林纸，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳，这对于我们这些需要反复研读的戏曲爱好者来说简直是福音。排版布局上，正文与注释、板式说明之间的留白处理得非常得体，使得原本密集的唱腔符号和文字说明读起来清晰而不拥挤。尤其是那些关键的唱段谱式图，清晰度极高，即便是初学者对照着学唱，也能准确捕捉到每一个细节的起承转合。看得出来，出版方在实体制作上投入了巨大的心血，这绝不是那种敷衍了事的教材可以比拟的，它本身就是一件值得收藏的艺术品。翻开扉页，那句简短的序言，寥寥数语，却道尽了川剧百年的风雨兼程，让人在开始学习技艺之前，先对这门艺术肃然起敬。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在理论深度上的铺陈。它没有仅仅停留在简单的“教你唱”的层面，而是深入挖掘了川剧的声腔体系和流派特征。比如，在介绍某个经典桥段的“哭腔”处理时，作者不仅仅给出了工尺谱，还详细对比了不同名家演绎时的微妙差异，甚至提到了气候、情绪对发声位置的影响，这一点对于追求“神似”的戏迷和票友来说，价值无法估量。书中对川剧“四梁八柱”的结构分析得鞭辟入里，将唱、念、做、打的相互关系阐释得层次分明，让人茅塞顿开。我以前总觉得川剧的唱腔变化多端，难以捉摸，但通过这本书的系统梳理，我开始理解到那些看似随性的变化背后，其实蕴含着极其严谨的规范和成熟的审美体系。这种由表及里的讲解方式，极大地提升了学习者的艺术鉴赏能力，让我们不再是盲目模仿，而是带着理解去演绎，这才是真正意义上的传承。

评分☆☆☆☆☆

作为一名常年在舞台上摸爬滚打的业余爱好者，我最看重的还是教材的实用性和可操作性。这本书在这方面做得相当出色。每一个经典唱段的选取，都精准地抓住了不同行当的代表性曲牌和标志性腔调。例如，武生和正旦的唱段在用气和韵味上的区别，书中都通过特定的标记符号做了清晰的区分，这比单纯听录音要直观得多。更让我惊喜的是，书中收录了许多关于身段和手势的辅助说明，虽然是文字描述，但却非常精准，比如“探身提袖”、“卧鱼收靠”等动作要领，配合着唱词的位置，能让人立刻在脑中构建出完整的舞台画面。我试着根据书中的提示练习了一段花旦的“亮相”，发现那种节奏点的把握比我过去自己瞎琢磨要准确快速得多。这套教材，就像是站在一位经验丰富的老先生身旁，手把手地指导你如何将声音与形体完美融合，真正做到了理论指导实践。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上很多戏曲教材往往因为年代久远，使用的语言风格过于陈旧，使得现代年轻的学习者望而却步，但这本书的语言风格处理得非常到位。它在保持专业术语的准确性的同时，大量运用了现代的、富有画面感的语言来解释复杂的唱腔技巧。读起来感觉很“亲切”，没有那种高高在上的说教感，更像是一位和蔼的师长在耐心传授毕生所学。比如，对于一些高难度技巧的描述，作者会用一些非常形象的比喻，让人一下子就能抓住问题的核心。这种沟通效率的提升，对于碎片化学习的今天尤为重要。我身边不少刚接触川剧的朋友，以前总抱怨找不到一本能“读进去”的书，但自从有了这本教材，他们学习的热情明显高涨了，这说明它的文字魅力是跨越年龄层的，成功地架起了一座传统艺术与当代学习者之间的桥梁。

评分☆☆☆☆☆

这本书在资料的完整性和稀缺性上，简直是无与伦比的宝藏。我过去为了寻找某些特定段落的权威性谱式，不得不翻阅大量的、分散在不同文集中的资料，耗费了大量精力。而这本《经典唱段100首》，显然是经过了极其严谨和广泛的文献考证后汇编而成的，它仿佛是一部浓缩的川剧精华百科全书。收录的这“100首”，每一首都堪称是川剧舞台上流传最广、艺术价值最高的代表作，几乎涵盖了川剧声腔艺术发展的各个重要阶段和主要流派的精髓。对于一个希望系统构建自己川剧曲库的爱好者来说，这本书省去了太多弯路。它不仅是学习工具，更是一份珍贵的历史文献，记录着川剧艺术的黄金时代，这种系统性和权威性，让它在众多戏曲出版物中脱颖而出，成为案头必备的参考书。