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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552309515

商品编码：29867452005

丛书名： 芭蕾让我遇见你

本书内容以图文集的形式展现了朱妍在中央芭蕾舞团二十年的演员经历。在书中我们看到的不仅是芭蕾舞者典雅优美的舞姿，也是一位芭蕾明星从一个初露头角到光彩熠熠的20年舞台生涯的缩影。

作为中央芭蕾舞团的首席女演员，在入团20年之际以图文集的形式回顾自己演员生涯，对于中央芭蕾舞团和中国芭蕾均具有价值。

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《流动的诗篇：西方古典芭蕾艺术的千年演进与当代实践》 本书聚焦于西方古典芭蕾艺术的宏大叙事，从其起源的宫廷雅乐，到浪漫主义的巅峰，再到二十世纪现代化的冲击与重塑，旨在提供一个全面而深入的艺术史与技术剖析。 --- 第一部分：古典的源头——文艺复兴与巴洛克的奠基 第一章：意大利的萌芽与法国的定型 (15-17世纪) 本章追溯芭蕾艺术的哲学根源，探讨它如何从意大利文艺复兴时期的宫廷宴饮娱乐活动中脱胎而出。重点分析了美第奇家族对艺术赞助的作用，以及凯瑟琳·德·美第奇将“宫廷芭蕾”（Ballet de Cour）引入法国宫廷的历史意义。 核心概念： 从社交仪式到舞台艺术的转变。 关键人物： 巴尔托洛梅·阿戈（Balthasar de Beaujoyeulx）及其作品《王后喜剧芭蕾》。 技术初探： 此时的动作多基于宫廷礼仪，强调队列和图案的几何美感，脚尖技术尚未出现。 第二章：路易十四与“太阳王”的遗产 (17世纪) 详尽阐述了法国国王路易十四对芭蕾发展起到的决定性作用。他不仅是热情的舞者，更是现代芭蕾学院体系的创建者。 里程碑事件： 1661年成立皇家舞蹈学院（Académie Royale de Danse），这是世界上第一所官方舞蹈教育机构。 技术标准化： 分析了皮埃尔·博尚（Pierre Beauchamp）对“五种基本脚位”的规范化过程，这是古典技术体系的基石。 剧目特色： 讨论了此时的芭蕾多与歌剧相结合，形成“歌舞剧”（Tragédie en Musique）的结构。 第三章：18世纪的理性与情感交织 (启蒙时代) 随着启蒙运动的兴起，芭蕾艺术开始追求更强的叙事性和情感表达，摆脱了纯粹的宫廷装饰性。 关键革新者： 让-乔治·诺维尔（Jean-Georges Noverre）及其里程碑式的著作《论舞蹈与芭蕾》（Lettres sur la danse et sur les ballets）。诺维尔倡导“情节芭蕾”（Ballet d'action），要求动作服务于戏剧主题，而非仅仅是炫技。 服装改革： 探讨了服装设计如何从沉重的宫廷服饰向更轻便、更适合运动的样式过渡，为日后的技术发展铺平道路。 --- 第二部分：浪漫主义的黄金时代与技术飞跃 (19世纪) 第四章：从古典主义到浪漫主义的审美转向 本章聚焦于19世纪早期欧洲社会思潮的变化，以及这种变化如何体现在芭蕾美学上——从对理性秩序的赞美转向对超自然、异域风情和脆弱情感的迷恋。 主题聚焦： 幽灵、仙女、异国情调、对死亡与永恒爱情的歌颂。 音乐合作： 分析了受贝多芬和早期浪漫主义音乐影响，芭蕾音乐开始独立发展，强调旋律性和抒情性。 第五章：足尖艺术的诞生与确立 这是古典芭蕾技术史上最革命性的篇章。详细考察了足尖（Pointe Work）的出现、发展及其对女性舞者形象的重塑。 技术演变： 从早期足尖的短暂支撑（如在《仙女》中）到后来的完全以足尖完成的完整段落。 经典解析： 深入剖析了菲利波·塔里奥尼（Filippo Taglioni）为女儿玛丽·塔里奥尼编排的《仙女》（La Sylphide, 1832）对女性“轻盈”形象的极致表达。 第六章：巴黎大歌剧院的鼎盛与古典芭蕾的程式化 本章转向法国芭蕾的成熟阶段，分析了“大双人舞”（Grand Pas de Deux）的固定结构，以及它如何成为古典芭蕾技术展示的最高范式。 结构分析： 细致解构了“介绍-男独舞-女独舞-结尾”的经典结构。 着装规范： 研究了浪漫主义芭蕾舞裙（Romantic Tutu）的特点及其对舞者线条的强调。 第七章：俄罗斯的继承与“彼季帕的帝国” 探讨了芭蕾艺术的中心如何从巴黎转移到圣彼得堡的帝国剧院。 大师驾临： 重点分析了马里乌斯·彼季帕（Marius Petipa）的艺术贡献，他将浪漫主义的抒情性与法国的精湛技术相结合，奠定了古典芭蕾的严谨结构。 全本芭蕾的里程碑： 详细解析了《睡美人》、《胡桃夹子》和《天鹅湖》的结构、角色设计和技术要求，这些作品定义了我们今天所理解的“古典芭蕾”。 --- 第三部分：20世纪的革命与多元发展 (现代冲击) 第八章：俄罗斯学派的全球扩张 聚焦于20世纪初的艺术革命，特别是谢尔盖·佳吉列夫的“俄罗斯芭蕾”（Ballets Russes）如何冲击了西方僵化的古典框架。 多学科融合： 讨论了佳吉列夫如何整合了新古典音乐（斯特拉文斯基）、现代派绘画（毕加索、巴克斯特）和革新的编舞（福金、尼金斯基）。 技术解构： 分析了尼金斯基作品《牧神午后》如何故意扭曲古典线条，强调地面的、本能的动作，引发了巨大的争议和艺术革新。 第九章：古典技术在现代语境下的重塑 研究了古典学院派技术如何被不同的编舞家吸收、改造，以适应新的时代精神。 乔治·巴兰钦的贡献： 深入剖析了巴兰钦（George Balanchine）的“新古典主义”——“音乐至上”的哲学，以及他如何剥离传统叙事，专注于节奏、速度和纯粹的身体运动，创造了独特的美国芭蕾风格。 技术继承与创新： 讨论了现代编舞家如何在保持“开、绷、直、立”的基本要求下，融入更宽的胯部、更复杂的重心转移和更强的地面联系。 第十章：全球化背景下的当代芭蕾教育与实践 本章展望了当代芭蕾教育的趋势，以及不同学派（如法式、俄式、丹麦式）如何在全球范围内交流与融合。 身体意识： 探讨了当代训练中对生物力学、普拉提、亚历山大技巧等辅助方法的使用，以提升舞者的持久性和避免伤害。 审美多元化： 讨论了当代舞台上对性别角色、身体形态的更宽容态度，以及古典美学如何与实验性作品共存的现状。 --- 结论：永恒的对话 本书最后总结了古典芭蕾作为一种复杂艺术形式的特质：它既是严格的、技术驱动的纪律体系，又是不断吸收时代精神、进行自我批判和革新的流动态艺术。理解其历史，是理解其未来发展的关键。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是让我打开了新世界的大门！我以前对舞蹈一直抱着一种“只可远观”的态度，觉得那太高深、太遥远，不是我这种“四肢不协调”的人能企及的。但是这本书的编排方式，那种由浅入深的引导，让我感到了一种前所未有的亲切感。它不是那种高高在上的理论说教，更像是一位耐心极好的老师，手把手地教你如何认识自己的身体，如何去感受力量和线条的连接。我尤其喜欢它对基础动作的分解描述，每一个端口的调整，每一次呼吸的配合，都写得清清楚楚，配上那些精美的插图，我甚至可以自己在家里跟着比划。最让我惊喜的是，它并没有一味地强调“完美”，而是更多地鼓励你去探索和理解动作背后的美学意义。读完第一章，我就觉得自己对“站立”这个动作有了全新的理解，那种挺拔和稳定感，真的不是随便站直了就能达到的。这本书的价值，在于它真正地降低了艺术的门槛，让普通人也能窥见专业训练的精妙之处，激发了我想去尝试的冲动。

评分☆☆☆☆☆

简直是一本舞蹈史诗级的解构之作！我过去翻阅过不少舞蹈理论书籍，大多晦涩难懂，充满了术语，读起来像是在啃硬骨头。但这本书的处理方式简直是教科书级别的范本——它把复杂的古典美学，用现代人最容易接受的方式重新包装和诠释了。内容覆盖的广度和深度都超出了我的预期，它不仅仅是教你“怎么做”，更重要的是让你明白“为什么这么做”。比如，它详细剖析了不同流派在身体重心转移上的细微差别，并用非常形象的比喻来解释那些抽象的物理概念，让我这个非科班出身的人也能迅速领会其中的奥妙。我特别赞赏作者在介绍技术细节时，那种近乎偏执的严谨性，每一个细节的处理都关乎最终呈现出的优雅感。这本书的文字张力很强，读起来有一种流动的韵律感，仿佛文字本身就在为你演示那个完美的延伸。对于任何想要深入了解舞蹈精髓的人来说，这绝对是案头必备的参考书，它的知识密度高到需要我反复阅读才能消化吸收。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和印刷质量完全体现了“正版”应有的水准，拿到手里就有一种沉甸甸的质感，这对于需要经常翻阅和对照的教材来说至关重要。我关注的重点在于它的实用性。市面上很多教材，理论内容很丰富，但实操性却很弱，学生拿着书本对着镜子练习时，常常会因为描述过于笼统而感到迷茫。但这本书的厉害之处在于，它似乎能预判到读者在练习中可能遇到的所有困难点，并提前给出解决方案。比如，在讲解手臂的“圆形轨迹”时，它不仅画出了起止点，还细致地说明了在哪个关节处应该施力，哪个肌肉群需要放松，这种层层递进的指导，极大地减少了我在练习中走弯路的几率。我个人感觉，这本书的编写者对学员的心理和生理状态有着深刻的洞察力，使得阅读体验从“被动接受知识”变成了“主动参与训练”的过程。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期关注艺术教育的观察者，我必须说，这本书在建立学习者自信心方面做得非常出色。它用一种非常温暖、鼓励性的语调贯穿始终，没有那种居高临下的评判感。我看到许多初学者常常因为身体的僵硬或柔韧性不足而气馁，但这本书巧妙地将这些“不足”转化为“提升空间”。它会告诉你，柔韧性不是天生的，而是通过科学的方法循序渐进地“开发”出来的。书中对于拉伸和预备训练的介绍非常详尽且科学，强调安全第一，这对于避免运动损伤至关重要。此外，书中穿插的一些关于舞蹈家心路历程的小故事，也为冰冷的技巧训练注入了人文关怀。它教会我的不仅仅是肢体动作，更是一种面对挑战、持之以恒的艺术态度。读完这些篇章，我感觉自己对艺术学习的敬畏感没有减少，反而增加了一种“我也能做到”的积极信念。

评分☆☆☆☆☆

从专业编辑的角度来看，这本书的逻辑架构堪称一绝。它没有采取简单的章节递进，而是采用了螺旋式上升的结构，即在讲解更高级概念时，会回溯并加深对基础概念的理解，确保知识体系的稳固性。我注意到，作者在术语的引入上非常克制且精准，每一个专业词汇的出现都伴随着清晰的定义和语境解释，避免了读者在查阅字典和翻阅解释之间来回奔波的疲劳感。尤其是关于“空间感”和“舞台调度”这部分内容的阐述，简直是精妙绝伦，它跳脱出了单纯的个体技术训练，将个体融入到群体的视觉美学中去思考。这本书的排版布局也充分考虑了阅读的舒适度，大段的文字被巧妙地划分，配以适度的留白，使得长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。总而言之，它不愧是出自专业出版社的重量级作品，是集学术严谨性、艺术感染力与实用指导性于一身的典范之作。