正版环球经典名曲导读续集39 普罗科菲耶夫作品分析 原版引进 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 中国书籍出版社

ISBN：9787506836760

商品编码：29867456140

丛书名： 合唱与指挥艺术研究

开本：16开

出版时间：2014-09-01

目录

D大调一交响曲“古典”
1.一乐章快板
2.第二乐章小广板
3.第三乐章加伏特舞曲一不太快
4.第四乐章终曲一很活泼
罗密欧与朱丽叶(芭蕾舞剧选曲作品64)
一幕－一场
7.王子的指令一行板
第二场
10.少女朱丽叶一急板
12.假面舞会一似进行曲的中板
13.骑士之舞一沉重的快板
15.茂丘里奥一欢快的快板
19.阳台场景一小广板
20.罗密欧的变奏一充满爱意的小快板
21.罗密欧与朱丽叶的爱之舞一行板
第二幕－第三场
24.五对恋人之舞一活泼的
第五场
33.提巴尔特与茂丘里奥打斗一快速的
35.罗密欧决心为茂丘里奥之死报仇一中板
36.第二幕结尾一激烈的慢板
第三幕－第八场
晨曲一欢快的行板
第六幕－第九场
51.朱丽叶的葬礼一丧葬的慢板
52.朱丽叶之死一慢板

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DG经典唱片，展现世界指挥家，演奏家精湛艺术，解读大师文本，对作品逐分逐秒分析，集音乐知识和背景介绍于一体。
经典聚积精神的财富，名曲抚慰心灵的世界，本碟为上海文艺音像出版社原版引进的“大剧院艺术课堂”《环球经典名曲导读》系列总汇。“环球经典名曲导读”系列如同一张聆听、体会、走近伟大音乐家的音乐地图。

乐海拾遗：西方音乐史上的重要篇章 本书聚焦于19世纪末至20世纪中叶的西方音乐领域，选取了数位对古典音乐发展产生深远影响的作曲家及其代表作进行深入剖析。它旨在为音乐爱好者、专业学习者以及对西方艺术史感兴趣的读者提供一个清晰、系统的梳理，探究音乐语言在时代变迁中的演变轨迹。 第一部分：浪漫主义的余晖与民族乐派的兴起（19世纪末） 本部分首先回顾了浪漫主义晚期的辉煌，重点探讨了理查德·施特劳斯（Richard Strauss）的交响诗创作。通过分析《查拉图斯特拉如是说》和《英雄一生》，我们将详细解读他如何运用晚期瓦格纳式的和声语言，结合哲学思辨，将传统的交响诗形式推向新的极限。重点研究了其管弦乐配器的大胆创新，尤其是在音色层次的构建上，如何描绘宏大叙事与内心挣扎。 紧接着，我们将目光投向了日益兴起的民族乐派。不同于德奥地区的“普世性”追求，斯堪的纳维亚半岛和东欧的作曲家开始从本土的民间音乐、神话传说中汲取灵感。 让·西贝柳斯（Jean Sibelius）的早期作品，如《芬兰颂》和《萨拉米娅》，是探究的重点。我们分析了他如何将芬兰广袤的自然风光和民族精神融入到其独特的调性框架之中，探讨其对“冰冷”而有力的音乐语言的塑造过程。同时，也将简要对比芬兰的民族主义与捷克的德沃夏克（Antonín Dvořák）及斯美塔那（Bedřich Smetana）在民族音乐元素运用上的异同。 第二部分：印象主义的色彩与现代主义的曙光（20世纪初） 进入20世纪，音乐的重心开始向法国转移。克劳德·德彪西（Claude Debussy）的音乐被视为古典传统向现代主义过渡的关键桥梁。本章将详细解析德彪西的钢琴作品《前奏曲集》和管弦乐《海》，着重研究他如何使用全音阶、五声音阶和非功能性和声，以达到一种模糊、流动、聚焦于瞬间“印象”的听觉效果。我们讨论了这种音乐美学与当时绘画领域印象主义思潮之间的深刻关联。 紧随其后的是莫里斯·拉威尔（Maurice Ravel）。虽然常被归类于印象主义，但拉威尔作品中更清晰的结构感和对传统技法的精湛掌握，使其具有独特的地位。通过分析《波列罗》的单主题不断发展技巧和配器魔力，以及他的协奏曲，我们将探讨拉威尔如何继承古典主义的严谨，同时融入新奇的节奏和异域情调。 第三部分：新古典主义与原始主义的冲击（1910-1930年代） 20世纪的头二十年是音乐语言剧烈变革的时期。本部分将深入研究伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）在这一时期的创作历程。 原始主义的巅峰： 我们将详细剖析《春之祭》。这不是一次简单的音乐风格介绍，而是对音乐节奏学、多重调性（Polytonality）和和声冲突的细致拆解。作品中令人震惊的节奏暴力和对原始本能的探索，如何彻底颠覆了19世纪以来对“美”的定义，以及它在巴黎首演时引起的巨大争议。 新古典主义的转向： 随后，我们将考察斯特拉文斯基对巴赫和莫扎特等早期大师风格的回归——即新古典主义。分析其《普尔钦奈拉组曲》和《D大调交响曲》，探讨他如何剥离浪漫主义的主观情感外衣，追求清晰、客观、具有“雕塑感”的音乐结构。 与此同时，我们将探讨在奥地利，阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）及其追随者阿尔班·贝尔格（Alban Berg）所进行的另一条激进道路——无调性音乐和十二音体系的创立。本节将解释十二音作曲法（Serialism）的基本原理，并分析贝尔格歌剧《沃采克》中，如何在高度结构化的无调性框架下，依然保持强烈的戏剧张力和人性深度。 第四部分：战后音乐的多元探索（20世纪中叶） 二战结束后，音乐界进入了一个前所未有的实验阶段。 序列主义的深化： 在法国，皮埃尔·布列兹（Pierre Boulez）将勋伯格的十二音体系扩展到所有音乐元素（力度、时值等），发展出总体序列主义（Total Serialism）。本章将介绍其早期钢琴作品（如《第二钢琴奏鸣曲》）的复杂结构和对传统听觉习惯的挑战。 机遇与偶然性： 极具颠覆性的是约翰·凯奇（John Cage）对音乐哲学的重塑。本章将重点阐述他关于“机遇音乐”（Aleatoric Music）的理念，并通过分析《4’33”》，探讨音乐与噪音、意图与聆听之间的界限是如何被模糊和重新定义的。这不仅仅是关于沉默的作品，更是对听者主动性与音乐本体论的一次深刻哲学探讨。 电子音乐的诞生： 介绍早期电子音乐实验，尤其是在科隆和巴黎的研究中心，如何运用磁带、振荡器等技术，开辟了全新的音响世界。 结论：传统的消解与未来的展望 全书的尾声将总结20世纪的音乐发展趋势：从对传统调性系统的解放，到对结构、节奏、音色乃至音乐哲学本身的重新思考。本书避免了对单一作曲家风格的简单罗列，而是力求将每位作曲家的创新置于其所处的历史、哲学与艺术背景中进行考察，展现出西方音乐如何不断地自我革新，最终为21世纪的音乐创作奠定了多元化的基础。通过对这些关键转折点的梳理，读者将能更全面地理解现代古典音乐的复杂性与魅力所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的侧重点似乎更倾向于探讨音乐作品背后的文化土壤与时代精神的相互作用。作者的高明之处在于，他没有将音乐创作孤立地视为一种纯粹的技巧展示，而是将其置于特定的社会、政治和哲学思潮之中进行审视。例如，对于某些宏大叙事作品的剖析，我们能清晰地看到作者如何将当时的社会氛围、艺术思潮，乃至作曲家个人的生命哲学，巧妙地编织进对乐曲结构和配器选择的解读之中。这种跨学科的融合视角，极大地丰富了我们对“经典”的理解——它不再是静止的、供人膜拜的偶像，而是一个有血有肉、与时代紧密相连的动态文本。读完后，我对那些曾经觉得“晦涩难懂”的篇章，都有了焕然一新的体悟，感觉自己触摸到了作品真正的“灵魂”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面采用了沉稳的深蓝色调，配上烫金的书名和作者信息，散发出一种低调而奢华的古典美感。纸张的质地也相当考究，触感温润，翻页时几乎没有恼人的静电声，这种细节上的用心，对于一个沉浸式阅读体验的追求者来说，无疑是加分的项。内页的排版布局清晰明了，字体大小适中，行距也处理得恰到好处，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。尤其值得称赞的是，在引用的乐谱片段旁，作者精心设计了一些留白，这为读者在阅读过程中进行批注或对照参考提供了极大的便利，看得出出版方在提升阅读体验上是下了真功夫的，这绝不仅仅是一本简单的知识载体，更像是一件可以被珍藏的艺术品，让人忍不住想在书桌上多看几眼，细细品味它的每一处设计巧思。

评分☆☆☆☆☆

初次翻阅时，我立刻被作者那严谨又不失灵动的叙事风格所吸引。他仿佛是一位经验丰富、学识渊博的音乐向导，不仅仅是罗列枯燥的结构分析，而是将复杂的音乐语言转化为生动的故事场景。行文中大量穿插的个人田野调查和与音乐家的一手访谈资料，极大地增强了文本的鲜活性和可信度。读到某些章节时，我甚至能想象出作曲家在特定历史背景下，如何将内心的挣扎与宏大的交响织体巧妙融合的过程，那份穿越时空的共鸣感是如此强烈。作者对于和声的解析深入浅出，即便是对古典乐理论不太精通的爱好者，也能通过他富有画面感的描述，捕捉到音乐最核心的情感张力，这对于拓宽普通听众的欣赏层次，起到了非常积极的引导作用。

评分☆☆☆☆☆

这本书的理论深度和广度，绝对不是市面上那些泛泛而谈的音乐普及读物所能比拟的。它显然是建立在扎实的音乐学研究基础之上的，对曲目的背景考证细致入微，对不同版本的录音对比分析也体现了极高的专业水准。我特别欣赏作者在处理那些极具争议性的乐章时所采取的平衡立场，他没有简单地站队，而是提供了多维度的解读框架，鼓励读者自己去形成判断，这种尊重听众独立思考的态度，在学术类书籍中实属难得。每一次深入阅读，都感觉像是在进行一次高强度的智力攀登，虽然需要集中注意力，但征服知识难点的成就感，让人欲罢不能，对于想要在某一领域进行系统性学习的进阶爱好者来说，这简直是教科书级别的参考资料。

评分☆☆☆☆☆

与其他同类书籍相比，这本书的“可操作性”和“实践指导意义”做得尤为出色。它不仅仅停留在理论分析层面，更像是一本带着你进入录音室的实战指南。作者在分析技巧时，会非常具体地指出特定段落中，演奏家需要如何处理呼吸、如何控制弓弦的力度，甚至是不同乐器声部之间的微妙平衡关系。这种“化繁为简、深入骨髓”的讲解方式，对于正在学习演奏或指挥的专业人士来说，具有极高的参考价值。它提供了一种清晰的思维路径，指导学习者如何将抽象的理论转化为舞台上的具体实践，让那些高不可攀的音乐大师们的演奏技巧，有了一个可模仿、可学习的清晰范例。可以说，这本书是连接理论研究与实际音乐表现之间的一座坚实桥梁。