声乐--全国高等院校老师教育专业音乐教材 声乐基础教程 歌唱书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806679104

商品编码：29867452146

丛书名： 声乐

编写说明
第I部分 声乐基础理论
第I单元 声乐艺术的概念
一、声乐艺术的概念
二、声乐艺术的学科属性
三、声乐艺术的特征
(一)声乐是用人声表达的音乐
(二)声乐是语言化的音乐
(三)
(四)
第二单元 歌唱器官简介
一、歌唱器官综合观
二、歌唱的发声器官
三、歌唱的共鸣器官
四、歌唱的语言器官“高等院校教师教育专业音乐教材”是由上海音乐出版社、中国教育学会音乐教育专业委员会专业学术委员会根据国家教育部“关于加强专科以上学历小学教师培养工作的几点意见”文件(教师[2002]4号)的精神，组织我国部分专家、教授和长期在音乐教育第I线教学的教师精心编写的新世纪高等音乐教育系列教材。
本套教材根据我国各地高等院校教师教育专业的音乐教学实际，以新的教学理念、新的教学内容和新的教材结构编写而成，在注重教材基础性和实践性的同时体现时代性和综合性，以满足高等院校各种不同层次的教学需求。本套教材适合我国普通高等院校(包括高职高专等)的教师教育专业、音
乐教育专业、音乐表演专业的教学，也可用于艺术专业的教学。本套教材中的《音乐》(全一册)和《中外音乐简史及名作赏析》己被教育部高等教育司列为“普通高等教育‘十一五’国家规划教材”。

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音乐理论与实践深度探析：一部面向专业音乐教育者的综合指南 图书名称：和声学原理与应用：基于欧洲古典音乐传统的现代视角 内容简介： 本书旨在为高等院校音乐专业的教师及高阶学生提供一套系统、深入且具有前沿视野的和声学学习与研究资源。它并非传统意义上的声乐教学辅助材料，而是聚焦于音乐结构的核心——和声的理论构建、历史演变及其在不同音乐语境下的实际运用。全书共分六大部分，力求在夯实古典和声基础上，拓展至二十世纪及当代和声的复杂语境。 第一部分：和声学基础的严谨重构 (Foundational Principles Reconstructed) 本部分从音高、音级、调性概念的物理与心理学基础出发，对传统的音级关系和功能和声进行了一种批判性重估。我们摒弃了简单机械的规则罗列，转而探究和声实体（如三和弦、七和弦）在不同音响环境中的内在逻辑。 音高系统与调律的哲学探讨： 深入剖析十二平均律的形成历史及其对人类听觉感知的影响。对比毕达哥拉斯音律、纯律与平均律在色彩和功能上的差异，为理解和声的“色彩选择”提供理论依据。 功能和声的深度解析： 详细阐述主、属、下属功能群的相互作用，并引入“和声动力学”概念，解释和弦进行中的张力与释放并非仅仅是固定的语法，而是音乐家在特定时代背景下对“稳定”与“不稳定”的审美选择。特别辟章讨论了巴赫时代对位思维对功能和声的影响，强调横向思维在和声构建中的不可或缺性。 第二部分：转调的策略与艺术 (Strategies and Artistry in Modulation) 本章超越了教材中常见的“关系大小调转调法”的表面介绍，侧重于转调在大型音乐结构中的策略性应用。 远关系转调的连接技巧： 重点分析了“不协和音连接法”和“等音转换法”在浪漫主义音乐（如李斯特、瓦格纳）中的实际案例。通过大量乐谱分析，展示如何利用半音进行、增六和弦群，实现色彩的平滑过渡或戏剧性的突然切换。 调性模糊与多调性（Polytonality）的边缘： 探讨了调性中心不断游移的现象，如何从结构上维持音乐的连贯性，同时实现色彩的丰富。这部分内容对于分析德彪西及后浪漫主义作曲家的作品至关重要。 第三部分：对位法在和声语境中的体现 (Counterpoint Manifested in Harmonic Context) 本书坚信和声与对位是音乐思维的两面。本部分旨在展示如何将严格对位训练的结果应用于实际的和声写作与分析中。 巴赫的精妙平衡： 深入分析《平均律键盘曲集》中的作品，并非仅仅讲解对位规则，而是剖析巴赫如何利用对位线之间的张力，自然地生成丰富的功能性或非功能性和声。讲解“垂直与水平的统一性”。 复调织体的和声功能化： 探讨在奏鸣曲快板乐章或赋格引子中，当多个声部独立进行时，其叠加形成的垂直结构如何被整体理解和分析，而不是仅仅作为独立声部的简单堆砌。 第四部分：和声的拓展与非功能性探索 (Expansion and Non-Functional Exploration) 这是本书最具前沿性的部分，专门为熟悉古典和声的教师提供进入二十世纪音乐的阶梯。 印象主义的和声色彩学： 集中研究德彪西、拉威尔作品中对九和弦、十一和弦、十三和弦的非功能性运用。探讨全音阶、五声音阶如何解构传统的导音张力，并建立起全新的“色彩中心”。 十二音体系的结构逻辑： 详细介绍勋伯格的十二音体系（Dodecaphony）的数学与逻辑基础，重点在于音列的构造、变换（逆行、倒影、逆行倒影）及其在具体作品中的结构布局。分析如何从音列的排列中导出可以被识别的“和声块”。 序列主义与随机音乐的和声基础： 简要介绍战后序列音乐（如布列兹）对节奏、力度、音色的序列化处理，以及这些处理如何间接影响了听者对“和声”的感知。 第五部分：管弦配器中的和声色彩 (Harmonic Coloration in Orchestration) 和声的最终表现形态依赖于配器。本部分将理论与实践紧密结合，讨论如何通过乐器法实现和声意图。 音色叠加与和声的“透明度”： 分析不同乐器组合（如木管组的柔和性、铜管的穿透力）如何改变同一个和弦在听感上的稳定或不协和程度。例如，分析马勒在处理增六和弦时如何利用弱音铜管来强调其不稳定感。 和声的密度与空间感： 探讨在不同声部配置下（如弦乐八部与管弦乐团的宽广布局），如何控制和声的垂直密度，以营造宏大或亲密的空间感。 第六部分：和声分析方法论的批判性反思 (Critical Reflection on Harmonic Analysis Methodology) 本章引导教师反思现有的分析工具，并提出更具包容性的研究框架。 后功能和声分析： 介绍和声分析中的“上下文依赖性”原则，讨论如何运用李文森（Lerdahl）和杰克多夫（Jackendoff）的生成理论，以及分析框架（如Neo-Riemannian Theory，新里曼理论）来处理非传统和声关系，特别是后浪漫主义及二十世纪早期的作品。 历史语境与听觉研究的结合： 探讨在分析特定历史时期的音乐时，我们必须考虑当时听众的接受度。例如，分析瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》时，应如何平衡其“功能性瓦解”与当时听众对其“调性崩塌”的震惊。 本书资料详实，图表丰富，包含大量作曲家原稿分析与详细的乐谱摘录，旨在提升专业音乐教育者对和声学从基础到前沿的全面掌握能力。它是一部面向深入研究与高阶教学的理论工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书，说实话，刚拿到手的时候，我心里是有些忐忑的。毕竟“全国高等院校”这几个字份量不轻，我担心它会过于学院派，充满了晦涩难懂的理论和枯燥乏味的练习。我一个业余爱好者，最怕的就是那种高高在上、不接地气的教材。翻开目录，倒是松了一口气，至少结构看起来是循序渐进的。最开始的几章，它没有直接切入高深的声乐技巧，而是从最基本的呼吸控制讲起。那些关于气息的描述，不是那种“深吸气、慢呼气”的口号式教学，而是结合了人体解剖学的知识，用非常形象的比喻来解释横膈膜的运动。比如，它把气息比作发动机的燃料供给，强调稳定性和均匀性远比瞬间的爆发力重要。我试着跟着书中的图解进行练习，发现自己以前唱歌时那种“用嗓子喊”的感觉确实有所改善，至少在长时间演唱后，喉咙的疲劳感减轻了不少。而且，它还穿插了一些关于乐理基础与声乐的关系的探讨，让我这个“半路出家”的唱歌者明白了，音乐的理解深度，直接决定了演唱的表现力。整体来说，第一印象是扎实、细致，更像一位耐心且知识渊博的老师，而不是冷冰冰的理论手册。

评分☆☆☆☆☆

这本书的第二个亮点，在于它对不同声部特点的细腻区分和针对性指导。我一直以为声乐学习无非就是把音唱准、唱稳，但这本书让我意识到“美声”内部也有非常多的学问。对于女高音的讲解部分，作者用了大量的篇幅来讨论如何处理换声区的平滑过渡，避免“断层感”的出现。书中提供的练习曲目选择也非常巧妙，它们并非是那些耳熟能详的咏叹调，而是从更基础的音阶和琶音练习中，融入了特定的声学原理。举个例子，书里有一个关于“小舌音”的练习，一开始我完全摸不着头脑，觉得这跟唱歌有什么关系？后来对照文字解释，才明白这是为了训练声带的自然闭合与共鸣腔体的激活。另一个让我印象深刻的是，它在谈论“共鸣”时，没有停留在传统的头腔、胸腔这些笼统的概念上，而是引入了现代声学对“共鸣点”的定位分析，这对于追求清晰音色的人来说，简直是醍醐灌顶。对于那些想要系统提升自己的非科班学生来说，这种深挖内在机理的做法，远比单纯模仿录音有效得多。

评分☆☆☆☆☆

阅读过程中，我发现这本书的编排逻辑，非常符合一个学习者从“入门”到“精进”的心理曲线。它没有急于展示那些华丽的技巧，反而花了大量的篇幅去谈“健康歌唱”的基础观念。其中有一段关于“疲劳管理与嗓音保护”的章节，简直可以看作是声乐爱好者的“急救指南”。它详细列举了日常生活中哪些习惯会损伤声带，比如过度清嗓、大声喊叫后的不当处理，甚至还提到了空气湿度对声带的影响。这不像一本单纯的技巧书，更像是一位资深歌唱家基于多年舞台经验总结出的“职业道德守则”。我特别喜欢它反复强调的“不要与他人比较”的观点，指出每个人的发声器官都是独一无二的，真正的进步是与昨天的自己相比。这种强调内在和谐而非外在模仿的教育理念，极大地缓解了我初学时产生的焦虑感。这种人文关怀的融入，让整本书的阅读体验变得非常温暖和持久。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“教程”属性体现得淋漓尽致，它不仅仅是理论的堆砌，更是实际操作的指导手册。我最欣赏的一点是，它对“视唱练耳”与“声乐学习”的结合，做得非常到位。很多声乐教材会把视唱练耳作为单独的学科，但这本书将两者紧密编织在一起。例如，在学习某个特定音程的练习时，教材会立刻要求读者在钢琴伴奏下准确地唱出这个音程，而不是先唱完音阶再进行分析。这种“即时反馈”的学习机制，极大地提高了学习效率。更重要的是，它在讲解歌曲分析和演绎时，提供了非常细致的指导步骤。它不是简单地说“你要表达悲伤”，而是会引导你分析歌词的结构、音乐的和声走向，然后告诉你，哪一句应该运用哪种气息支持来烘托特定的情绪。这套完整的流程下来，即便是面对一首全新的、难度较高的作品，读者也知道该从何处下手，而不是盲目地开始“瞎唱”。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的深度远超出了我的预期，它真正做到了“高等院校”教材应有的水准，但又没有因此而变得高不可攀。在我看来，它在“技术性”和“艺术性”之间找到了一个近乎完美的平衡点。例如，当它讨论到意大利语发音在美声中的特殊地位时，它不仅给出了准确的国际音标对照，还结合了发音时口腔和舌位的细微调整，配以清晰的示意图。这使得学习过程不再是死记硬背，而是对声音物理构造的理解。最终，这本书不仅仅是教会了我“如何唱歌”，更重要的是，它重塑了我对“什么是好的歌唱”的认知。它让我明白，好的歌唱是科学、是艺术、是对音乐最深刻的敬意。对于任何想把声乐当作一门严肃学科来对待的歌唱者而言，这本教材提供的系统性知识框架，是无可替代的基石。它值得被反复研读，因为每一次重读，都会有新的领悟。