ECC铃木小提琴二重奏集(1) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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申明鹤 编

图书标签:

• 小提琴二重奏
• 铃木教学法
• ECC
• 儿童教材
• 分级读物
• 音乐教材
• 古典音乐
• 练习曲
• 合奏
• 入门级

店铺： 木垛图书旗舰店

出版社： 湖南文艺

ISBN：9787540485856

商品编码：29706900660

开本：8

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：ECC铃木小提琴二重奏集(1)
• 作者：编者:申明鹤
• 定价：40
• 出版社：湖南文艺
• ISBN号：9787540485856

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：28

内容提要

申明鹤编配的《ECC铃木小提琴二重奏集（1）》 把 铃木小提琴教材的单旋律内容，用二重奏的形式编 写 ，适用于开展提琴集体课、教师和学生的一对一、 一 对多教学、舞台演出等。本书具有如下特点： 1。集体课**教材。本书集中把铃木小提琴教 材 的内容改编成二重奏，让学生和老师们从枯燥的练 习 和教学中摆脱出来，将视唱练耳、节奏训练、作品 分 析、团队协作能力培养融为一体，提高学生综合音 乐 素质和教学效果。
     2。乐曲视听。教材中的每一首都可以试听下载 ， 用手机扫一扫二维码，就能轻松下载试听，为了解 和 演奏乐曲带来及大的便利。
    

目录

1.闪烁的小星星变奏与主题
2.轻舟荡漾(1)
3.轻舟荡漾(2)
4.风之歌
5.告诉罗娣阿姨(1)
6.告诉罗娣阿姨(2)
7.快来，小伙伴
8.五月之歌
9.很久很久以前
10.**号小步舞曲
11.第二号小步舞曲
12.第三号小步舞曲
13.快乐农夫
14.加沃特舞曲

巴赫：无伴奏大提琴组曲 作品背景与意义 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach，1685-1750）的《无伴奏大提琴组曲》（Cello Suites, BWV 1007-1012）是西方音乐史上最伟大、最深奥的作品之一。这六首组曲创作于巴赫任职于科滕（Cöthen）宫廷期间（约1717年至1723年），是巴赫早中期创作的巅峰代表作。在科滕时期，巴赫主要为安哈尔特-科滕的路德维希王子服务，这使得他得以摆脱教会音乐的束缚，专注于器乐和世俗音乐的创作，为我们留下了如《勃兰登堡协奏曲》、《平均律钢琴曲集》和这些无与伦比的大提琴独奏作品。 结构与风格 这六首组曲并非孤立的作品，而是构成了一个统一的整体，展现了巴赫对器乐复调艺术的极致掌控，以及对大提琴这一乐器表现潜力的深刻挖掘。每一首组曲都遵循了当时标准的巴洛克组曲结构，即以一首“前奏曲”（Prelude）开篇，随后是四首标准舞曲：阿列曼德（Allemande）、库朗特（Courante）、萨拉班德（Sarabande）和吉格（Gigue）。此外，许多组曲中还穿插了其他舞曲，如前奏曲之后紧接着的小步舞曲（Minuet）、布雷舞曲（Bourrée）或加沃特舞曲（Gavotte）。 这些组曲的伟大之处，在于它们不仅是技巧的展示，更是对人类情感与精神世界的深刻探索。尽管仅用一把大提琴演奏，巴赫却成功地在单线条的旋律中暗示了复调的织体，仿佛在听众的脑海中构建了一个完整的管弦乐队或键盘乐团。 细致解析各组曲的独特魅力 第一号 G大调，BWV 1007 这是所有组曲中最常被演奏和学习的一首，通常被认为是入门级的作品。 前奏曲（Prelude）： 以琶音和分解和弦为主导，流畅、明快，充满了即兴演奏的色彩。它确立了全套组曲的基调——清晰、平衡与和谐。 阿列曼德（Allemande）： 风格庄重，节奏稳定，展现了巴赫对旋律线条的精妙处理。 萨拉班德（Sarabande）： 这一舞曲是组曲的核心，它节奏缓慢，充满了沉思和内省的特质。第一号的萨拉班德尤其宁静、虔诚。 吉格（Gigue）： 快速、活泼，以对比鲜明的二元性主题结束了这首组曲，体现了巴洛克音乐的活力。 第二号 d小调，BWV 1008 相较于第一首的明亮，d小调带来了更加内敛和戏剧性的色彩。 前奏曲： 结构更为严谨，展现了更强的对位性思考，情绪略带压抑和紧张。 萨拉班德： 著名的“挽歌”式的萨拉班德，充满了深刻的悲悯情怀，是全套组曲中最具戏剧张力的慢板乐章之一。 第三号 C大调，BWV 1010 C大调被认为是巴赫创作中“完美”与“纯净”的象征。 前奏曲： 磅礴大气，充满自信与力量。它在指法和音域上对演奏者提出了更高的要求，仿佛是为巴洛克早期的大提琴（可能使用五弦琴）所作的辉煌宣言。 加沃特舞曲（Gavotte I & II）： 组曲中加入了两段加沃特舞曲，第二段以对比性的柔和音色出现，增强了音乐的趣味性。 第四号 E大调，BWV 1011 E大调是所有组曲中音域最高、色彩最明亮的，充满了阳光般的喜悦。 前奏曲： 快速的音型和宽广的音域展示了乐器的华丽一面。 萨拉班德： 充满了宗教性的宁静，它被誉为对“上帝之爱”的颂歌，是巴赫精神世界的重要体现。 第五号 c小调，BWV 1012 这是技术上和情感上最复杂、最黑暗的一首，通常被认为是最具探索性的作品。 调性： c小调本身就带有强烈的宿命感和戏剧冲突。 技法突破： 巴赫大量使用了“假和弦”（scordatura），即改变了C弦的调音，使得低音区的声音更加沉重、浑厚，甚至带有中提琴的质感，极大地扩展了大提琴的音色可能性。 布雷舞曲（Bourrée）： 充满了紧张感和不安的情绪，与萨拉班德的深沉形成对比。 第六号 D大调，BWV 1013 此组曲是独一无二的，它被认为是巴赫写给五弦大提琴（Violoncello Piccolo）的作品，或者至少是为需要更高音域演奏而特别构思的作品。 结构差异： 它没有前奏曲，直接以一组舞曲开始，更接近于纯粹的“独奏曲”而非“组曲”。 高超的技艺： 极高的把位和复杂的三声部模拟，使得它成为所有组曲中技术要求最高的一首。它充满了庆祝的氛围，光辉灿烂，如同对整个系列创作的胜利性加冕。 演奏实践与遗产 这些组曲在巴赫生前相对默默无闻，直到19世纪中叶，西班牙大提琴家帕布罗·德·萨拉萨蒂（Pablo de Sarasate）和后来的西班牙音乐家巴勃罗·卡萨尔斯（Pablo Casals）的发现与推广，才使它们重见天日。卡萨尔斯在20世纪的录音，彻底革新了人们对这些作品的理解，将其从单纯的“练习曲”提升到了“音乐的‘圣经’”的地位。 时至今日，巴赫的《无伴奏大提琴组曲》不仅是每一位大提琴演奏家的必修课，更是所有音乐爱好者冥想与沉思的永恒伴侣。它们证明了单件乐器如何在有限的框架内，承载无限的宇宙与人类经验。

评分☆☆☆☆☆

从教学参考的角度来看，这本书的价值简直是无法估量的。我将它用于指导我的一些进阶学生，发现它在拓展他们的音乐视野方面起到了立竿见影的效果。它提供的不仅仅是可供演奏的曲目，更是一套完整的、关于二重奏合作艺术的“范本”。书中对指法、弓法的标注，虽然克制，但都恰到好处地指向了声音美学的核心。例如，在处理某些需要极弱音（pianissimo）和细微揉弦的部分时，作者提供的解决方案是如此的富有洞察力，它避免了那种为了技术而技术的复杂化，而是指向了如何用最经济的动作达成最丰富的声音效果。这种“大道至简”的设计理念贯穿始终，使得这本书不仅对高级学习者是挑战，对那些刚刚开始尝试合作的初学者来说，也是一个极好的、能让他们从小就建立正确听觉习惯的基石。它培养的不是孤立的演奏家，而是懂得如何倾听与回应的音乐伙伴。

评分☆☆☆☆☆

我必须得夸赞一下这本书在装帧和纸张选择上的用心。作为一位痴迷于实体书触感的乐手，我深知一本好的乐谱集，其物理体验同样重要。这本书的纸张厚实而富有韧性，即便是在长时间的练习过程中，反复翻动也不会轻易磨损，更不会有那种廉价的、容易反光的纸质带来的阅读疲劳。油墨的印刷质量无可挑剔，黑白分明，清晰锐利，即便是快速浏览或者在昏暗的灯光下练习，也能保证准确无误地捕捉到每一个细节。这种对“工具”本身质量的重视，体现了出版方对演奏者群体的尊重。它不仅仅是一堆印着符号的纸张，而是一件可以经受住时间考验的、值得被珍藏的艺术品。当我把它平铺在谱架上时，那种沉甸甸的质感，本身就是一种无声的鼓励，让我更愿意沉浸于音乐的世界中，而不必为乐谱的耐用性而分心。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是让我惊喜，它不仅仅是一本普通的乐谱集，更像是一次对音乐灵魂的深度探索。当我翻开第一页，扑面而来的是一种久违的、古典乐器独有的温暖质感。书中的排版设计非常人性化，字体的选择和音符的布局都经过了精心考量，即便是像我这样偶尔会有些老花眼的演奏者，也能轻松应对复杂的乐谱。更难能可贵的是，它似乎捕捉到了作曲家创作时的那种心境，每一个音符的标记都充满了呼吸感，让人在练习的过程中，仿佛能与原作者进行一场跨越时空的对话。我尤其欣赏其中对于演奏技巧的细致提示，它们不是那种生硬的、教条式的指导，而是更偏向于一种艺术层面的建议，引导演奏者去理解“如何让音乐歌唱起来”，而不是仅仅“如何把音符弹对”。这种对音乐美学的深入挖掘，使得这本书的价值远远超出了单纯的教材范畴，它更像是一本关于如何用心去演奏的指南。那些看似简单的旋律，在经过这样的引导后，焕发出了令人惊叹的生命力，让我对音乐的理解提升到了一个新的高度。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱集的曲目选择，展现出一种既尊重传统又勇于创新的高妙品味。它似乎精准地把握住了二重奏这种形式最能发挥魅力、也最容易陷入俗套的微妙平衡点。里面的一些作品，旋律线条流畅得如同山间清泉，让人一听难忘，但绝不流于媚俗；而另一些篇章则充满了结构上的张力与戏剧性，需要演奏者投入极大的情感共鸣才能真正驾驭。我特别欣赏其中几首在速度标记上使用了非常感性的词汇，而非仅仅是机械的“Allegro”或“Andante”。例如，有些地方要求用“如泣如诉地”来表达，这无疑是邀请演奏者抛开纯粹的技术层面，用自己的生命体验去填充乐谱上的空白。对于那些渴望在演奏中注入个人情感表达的音乐人来说，这本书提供了极其丰富的“情感素材库”，它鼓励我们去质疑、去感受、去用自己的声音说话，而不是仅仅成为音符的复读机。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初抱着一种怀疑的态度拿起这本乐谱的，毕竟市面上的二重奏集太多了，很多都只是简单地将两声部并置，缺乏真正的互动和化学反应。然而，这本书彻底颠覆了我的固有印象。它的厉害之处在于，它巧妙地构建了一种“对话”的结构，两个声部并非是简单的“主旋律”和“伴奏”的关系，而是如同两位杰出的辩手，时而激烈交锋，时而温柔和解，共同编织出一张错综复杂的听觉挂毯。阅读这些乐谱时，我能清晰地感受到作者对声部平衡的精妙把控，高音部的细微颤动如何被低音部的稳定支持所托举，这需要的不仅仅是技术，更是一种深刻的音乐哲思。我尝试了其中的几首曲目，发现即便是与一位技术水平相仿的伙伴合作，我们也能在演奏中不断发现新的层次和解读。这种互补性，让每一次合奏都充满了探索的乐趣和未知的惊喜，极大地增强了合作演奏的意义和深度。