伯里曼人体绘画教程-(精编版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

乔治·伯里曼 著

图书标签:

• 人体绘画
• 绘画教程
• 伯里曼
• 人体结构
• 绘画技法
• 速写
• 素描
• 艺术
• 绘画
• 人体艺术

店铺： 华下博文图书专营店

出版社： 湖南美术出版社

ISBN：9787535676306

商品编码：29625510360

包装：平装

出版时间：2016-05-01

基本信息

书名：伯里曼人体绘画教程-(精编版)

定价：78.00元

作者：乔治·伯里曼

出版社：湖南美术出版社

出版日期：2016-05-01

ISBN：9787535676306

字数：

页码：384

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

---

1.原汁原味。根据伯里曼出版公司1920年版精编而成，数代美术爱好者人手一本。
　　2.经典原图。1200余幅素描解剖图，人体绘画传世之作。
　　3.世纪巨作。乔治·B·伯里曼执教纽约艺术学生联盟45年之心血巨作。
　　4.优质悦读。精选优质手感特种纸，直面大师原作之既视感。180度全幅打开，给你大开眼界的悦读体验。
　　5.大幅高清，方便临摹，方便使用。相比同类艺用解剖图书，具有绘画性强、应用性强、实用效果好的特点。

内容提要

---

伯里曼先生的绘画方法影响深远，且独特。在本书中，他不仅全面论述了人体所有的骨骼和肌肉系统，并以前视图、后视图和侧视图等形式多方位地呈现。在每一部分，作者首先从身体的骨骼结构着手，然后是肌肉，并描述了身体运动时肌肉的变化，后展示了身体各部分在运动状态下的形态。人体是一个由许多部分组成的精巧的复合体。
　　本书将给学生和严谨的艺术家们带来人体结构的概念；并将展示骨骼和肌肉分别是如何影响我们的运动以及不同时间我们所表现出来的体态。本书中伯里曼先生用非技术性的方式阐明了如何去发现人类身体结构中具活力的力量，以及如何在绘画中更好地再现它们。他首先阐释了人体结构的运动，然后解释了描绘运动的人体轮廓时所遇到的实际问题，从简单的人体描绘和构造技法，到平衡、节奏、转动、扭曲以及嵌入等画法，再到组块之间更为复杂的分布、光影、凹凸、比例、运动关系，后转入了对解剖学具体领域的说明。
　　伯里曼人体绘画教程（精编版）通过1200余幅图片，伯里曼先生展示了他对人体结构与绘画的理解。书稿经过反复的推敲，仔细的编排，去除了部分重复的内容，强化了针对实用的部分，着力提升图书的视觉舒适性和内容实用性与结构的合理性。

目录

---

1 人体描绘
6 比例
9 测量
10 如何测量
12 构建简易人体模型
18 活动的组块
20 榫接、穿过和固定
26 组块的分布
28 平衡
34 旋转或扭动
39 节奏
42 光与影
46 模型
49 头部
104 颈部
116 肩部
128 骨骼
142 胸部
162 上肢
208 下肢
268 手部
338 衣褶

作者介绍

---

　　乔治·伯里曼，全名称是乔治·勃兰特·伯里曼（GeorgeBrandtBridgman1865年-1943年），是加拿大裔美国画家和人体结构方面书籍的作者，并且也是一位教授解剖和绘图方面的老师。伯里曼在纽约大学艺术学院讲授解剖学大约有45年。

文摘

---

序言

---

好的，这是一份关于一本名为《伯里曼人体绘画教程》（精编版）的书籍的详细图书简介，其内容完全不涉及该书的具体教学内容，而是从一个更广阔的艺术史和艺术实践角度来描绘其可能出现的背景和意义。 --- 《光影流转：欧洲文艺复兴至现代的素描实践与理论探析》 导言：视觉的革命与人类形态的探索 本书并非聚焦于单一的技法指南，而是将读者带入一场跨越数百年的视觉艺术史的旅程。我们深入探究，自文艺复兴的光芒初现，至20世纪现代主义思潮席卷全球，艺术家们如何通过素描这一最基础、最纯粹的媒介，来理解、记录并最终重塑人类的形态、情感与空间关系。 素描，作为艺术家的“第一语言”，其发展史实则是一部人类认知世界和自我表达方式的演变史。本书旨在揭示，在技法之外，那些深刻的理论思潮、哲学观念以及对解剖学、光学认知的进步，是如何共同塑造了我们今天所理解的“人体艺术”。 第一部分：从古典的理想到科学的解构——素描理论的奠基（约公元1400-1750年） 本部分聚焦于艺术史中对形态精确描绘最为推崇的时代。我们将剖析文艺复兴时期对古希腊罗马雕塑的重新发现，如何影响了早期艺术家对“完美人体”的构建。 第一章：透视的魔术与空间秩序的建立 我们详细考察布鲁内莱斯基（Brunelleschi）和阿尔伯蒂（Alberti）对线性透视的理论贡献。素描不再仅仅是表面的模仿，而是成为一种精确的数学工具，用于在二维平面上构建可信的三维空间。本章探讨艺术家如何利用消失点、视平线和焦点，将人体的动态放置于一个清晰、可量化的世界框架之内。我们将分析早期素描手稿中，对几何形体（如立方体、球体）如何被用来简化复杂人体结构的草图分析。 第二章：解剖学的觉醒与“内部可见性”的追求 文艺复兴的标志性特征之一是对人体内部构造的强烈好奇心。本章将追溯维萨里（Vesalius）的解剖学著作对艺术实践的颠覆性影响。素描不再满足于外部轮廓，而是开始致力于揭示肌肉、骨骼的相互作用。我们分析了艺术家们如何通过对尸体解剖的学习，将表面皮肤下的张力、重力作用转化为线条的力度和走向。这不是单纯的医学记录，而是艺术家试图用视觉语言解释生命的驱动力。 第三章：光影的哲学：明暗对照法的诞生 达芬奇对光影（Chiaroscuro）的深刻理解，标志着素描从单纯的轮廓描绘转向对体积感的极致追求。本章探讨了如何通过对光源的设定和对空气透视的模拟，赋予人体以雕塑般的重量感。我们研究了威尼斯画派和卡拉瓦乔主义者如何将强烈的明暗对比，用于强化人物的戏剧性与心理深度，将光线变成了叙事的一部分。 第二部分：学院派的规范与浪漫的张力（约公元1750-1880年） 随着启蒙运动和随之而来的学院体制的成熟，素描的教学和实践被系统化、规范化。本部分探讨了在这种严格框架下，艺术表现力如何寻找突破口。 第四章：从雅典到巴黎：学院派对“理想美”的固化 法国美术学院（Académie des Beaux-Arts）的兴起，使得素描的“正确性”成为衡量艺术家的首要标准。本章详细描述了学院派对特定姿态、特定比例的推崇，以及对素描练习（如石膏像临摹）的系统性要求。我们审视了这种规范如何确保了技艺的传承，但也可能扼杀了创新。 第五章：对“异域”的迷恋与对自然的回归 面对学院派的僵硬，浪漫主义和早期写实主义艺术家开始将目光投向更具情感冲击力的主题。本章分析了对自然光影的重新关注，以及对非古典题材（如历史事件、异域风情中的人物）的速写实践。素描的线条开始变得更加自由、更富于情感色彩，不再被几何规则所完全束缚，体现出对个体经验的重视。 第三部分：线条的解体与现代性的呼唤（约公元1880年至今） 现代艺术的爆发，彻底挑战了素描作为“忠实再现”工具的传统地位。本部分探讨了艺术家们如何解放线条，使其服务于观念表达而非仅仅是形体描绘。 第六章：印象派的瞬间捕捉与对感觉的记录 德加（Degas）等艺术家如何利用快速的线条和色彩的并置，捕捉转瞬即逝的动态，例如舞台上的舞者或赛马场上的场景。素描成为了记录“感觉”的工具，而不是对“实体”的精确测量。我们分析了这种转变如何预示着对传统“完成度”概念的颠覆。 第七章：结构的分离与内在心理的投射 立体主义、表现主义艺术家们对素描语言进行了激进的实验。塞尚（Cézanne）对几何体和多视角的探索，以及德国表现主义对扭曲线条的运用，彻底打破了文艺复兴以来建立的视觉一致性。本章重点探讨了艺术家如何通过线条的断裂、重叠和非自然的透视，来表达现代人内在的焦虑、疏离感以及对世界本质的重新思考。素描不再是关于“看到什么”，而是关于“感知到什么”。 第八章：材料的对话：从铅笔到拼贴 本书最后一部分关注素描媒介本身的拓宽。除了传统的炭笔、石墨，艺术家开始探索墨水、水彩、拼贴元素在素描中的应用。我们研究了这些材料的变化如何影响了线条的质感、速度感和最终的视觉重量，展示了素描作为一种开放性实践，持续吸纳新观念和新方法的活力。 结语：永恒的草稿与未完成的对话 素描，无论其理论背景如何演变，始终是艺术家与材料、与思想进行最直接对话的场域。本书旨在提供一个宏观的视角，让读者理解，每一次线条的落笔，都承载着其所处时代的艺术哲学、科学认知和审美取向。对人体形态的描绘，始终是检验和发展这些艺术语言的终极试金石。通过理解历史的脉络，我们可以更深刻地体会到，每一次艺术的革新，都首先在最朴素的素描稿中萌芽。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我拿到这本《伯里曼人体绘画教程-(精编版)》纯属意外，原本是冲着另一本书去的，结果被它厚实的封面和沉甸甸的质感吸引了。回家后翻开，一股浓厚的专业气息扑面而来，让我这个绘画爱好者欣喜若狂。虽然我不是科班出身，但对人体结构一直有着浓厚的兴趣，总是觉得人体是最复杂也最迷人的形态。这本教程给我的第一印象是内容非常扎实，绝对不是那种浅尝辄止的入门书。它似乎非常注重基础，从最基本的比例、结构入手，然后逐步深入到肌肉、骨骼的细节描绘。我注意到书中有很多不同角度的人体透视图，这一点对我来说太重要了，因为我经常在处理立体感和空间感时感到困惑。光是看着那些严谨的图示，就能感觉到作者的用心良苦。我特别期待书中关于动态人体和不同体态的讲解，因为现实中的人体是千变万化的，如何捕捉和表现这种动态感一直是我学习的难点。

评分☆☆☆☆☆

最近一直想系统地学习人体绘画，市面上关于人体绘画的书籍琳琅满目，挑来挑去，最终选择了这本《伯里曼人体绘画教程-(精编版)》。拿到手后，我被它的厚度和内容所震撼，这绝对是一本“重量级”的参考书。我一直认为，绘画的根基在于对客观物体的准确把握，而人体作为最复杂也最生动的载体，其绘画的难度可想而知。这本书给了我一种非常踏实的感觉，它似乎把人体绘画的难点都一一化解了。从简单的骨骼结构示意图，到复杂的肌肉块面分析，再到不同光影下的体积表现，都处理得非常到位。我尤其欣赏它对于人物比例和动态的讲解，这直接关系到人物画是否生动传神。虽然我还没有完全读完，但仅仅是浏览其中的一些章节，我已经受益匪浅，感觉自己对人体形态的理解有了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

我是一名正在备考美术院校的学生，平时接触过不少人体绘画的资料，但总觉得有些零散，缺乏一个系统性的梳理。《伯里曼人体绘画教程-(精编版)》这本书就像一本“武林秘籍”，让我看到了人体绘画的完整脉络。它不仅仅是教你如何画出一个人形，更重要的是理解人体内在的逻辑和运动规律。书中那些精细的解剖图，让我对人体的骨骼和肌肉有了更深入的认识，仿佛打开了一个新的世界。之前画人物时，总是在“形似”上徘徊，而这本书则引导我去追求“神似”，去理解形体背后的结构支撑。我特别喜欢它分析不同姿势和动态的方法，这对于我应对考试中的速写和写生非常有帮助。我甚至觉得，这本书不仅仅是绘画教程，更像是一本关于人体美学和运动学的入门读物，让我对人体的理解上升了一个层次。

评分☆☆☆☆☆

作为一个多年的绘画爱好者，我一直在寻找一本能够真正带领我理解人体之美的书籍。《伯里曼人体绘画教程-(精编版)》这本书，给我带来了耳目一新的感觉。它并没有一开始就用大量复杂的图形吓倒读者，而是循序渐进，从最基础的几何体结构开始，逐步引导我们认识人体。我最看重的是它对于人体内部结构的讲解，那种将复杂的肌肉和骨骼剖析得如此清晰透彻的方式，让我彻底告别了过去“凭感觉”画人物的时代。书中大量的插图和示意图，不仅美观，而且极具指导意义，能够帮助我更直观地理解每一个转折和凹凸。我尤其期待书中关于人物表情和动态的进一步阐述，因为我一直觉得，能够准确捕捉人物的神情和肢体语言，才是绘画的灵魂所在。这本书就像一位经验丰富的老师，用最浅显易懂的方式，为我打开了人体绘画的殿堂。

评分☆☆☆☆☆

我一直对人体素描情有独钟，但苦于没有系统的方法，画出来的总是不太对劲。偶然间翻到了这本《伯里曼人体绘画教程-(精编版)》，虽然还没来得及深入研读，但从目录和前几页的插图来看，它简直是我梦寐以求的那种教程！伯里曼的经典地位毋庸置疑，而精编版听起来就意味着内容会更加条理清晰，对于我这种新手来说，能有一个清晰的指引至关重要。我尤其期待书里关于人体骨骼和肌肉结构的讲解，我知道这是画好人体最基础也最关键的一步。想象一下，如果能掌握了骨骼的起伏和肌肉的走向，即使只是简单的线条勾勒，也能瞬间赋予人物生命力，而不是僵硬的“火柴人”。而且，这本书的插图风格我非常喜欢，既写实又不失艺术感，希望能从中汲取大量灵感。我已经迫不及待想开始学习了，相信这本书会是我人体绘画道路上的一位良师益友，帮助我突破瓶颈，找到绘画的乐趣和方向。