流行音乐录音/录音艺术专业“十二五”规划教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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丁乔 著

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• 流行音乐
• 录音艺术
• 音乐工程
• 教材
• 高等教育
• 音乐技术
• 音频工程
• 声学
• 音乐制作
• 专业课程

出版社： 中国传媒大学出版社

ISBN：9787565720598

版次：1

商品编码：12143123

包装：平装

丛书名： 录音艺术专业“十二五”规划教材

开本：16开

出版时间：2017-08-01

用纸：胶版纸

页数：181

字数：247000

正文语种：中文

内容简介

　　《流行音乐录音/录音艺术专业“十二五”规划教材》主要面向广大录音专业学生以及希望对流行音乐后期制作工艺有所了解的音乐创作、编曲制作人员。
　　《流行音乐录音/录音艺术专业“十二五”规划教材》通过对音色、动态以及空间三个音响元素的剖析，并结合不同音乐风格流派对于音响塑造的要求，来阐述流行音乐作品中录音与混音的概念及方法。希望对于不同学习背景的读者都能够产生一定程度的帮助作用。

内页插图

目录

第一章 流行音乐录音中的重要问题概述
第一节 如何认识流行音乐的音响塑造
第二节 风格流派与音响塑造的关系
第三节 听众的流行音乐音响审美习惯探讨
第四节 编曲过程中的音响思维与应用
第五节 流行音乐录音及混音中的设备因素

第二章 流行音乐音响塑造中的音色问题
第一节 录音制作中影响音色的因素
第二节 最常用的频率处理设备——均衡器
第三节 音色的改变对于录音作品的影响
第四节 音乐风格流派与音乐年代对于音色的要求

第三章 流行音乐音响塑造中的动态问题
第一节 常见的动态处理设备简介
第二节 压缩器
第三节 噪声门

第四章 流行音乐音响塑造中的空间塑造
第一节 流行音乐中的声像分配
第二节 流行音乐中的声音纵深
第三节 延时器
第四节 混响器

第五章 前期录音
第一节 录音技术与设备要素
第二节 人声的录音
第三节 人声的编辑
第四节 吉他的录音
第五节 贝斯的录音
第六节 架子鼓的录音
第七节 三角钢琴的录音
第八节 录音室同期录音相关方案与注意事项

前言/序言

　　开始动笔的时候，我在想，应该以什么样的语言来开始这本《流行音乐录音》的写作呢？是一段饶舌（rap）式的开场吗？我想应该不是这样的！作为流行音乐的录音师或混音师，在对待工作的态度上，与流行音乐的直接创作者和表演者有着很大的区别，这种区别体现在对音乐的把控上需要更严谨及客观的态度，不能把自己的喜好过多地强加于音乐作品之上，这也是我认为不应该以饶舌作为开场语的原因。我希望这本书能够更加客观地展示作为流行音乐的录音师或混音师，在对待工作和作品时应该如何去想、如何去做。
　　为什么要客观？作为流行音乐的工作者难道不应该更加自由、更加自我地表现作品吗？也许很多读者都会有这样的疑问，那么我们以一个范例来进行解释。假设两位音乐人都对贝斯这个乐器情有独钟，这两个人的分工不同，一位是编曲，另一位是混音师。那么编曲对于贝斯的喜爱体现在配器的过程中，贝斯声部的演奏更加细腻，有更多的小乐句进行穿插和展示；而混音师应该如何在工作中体现对于这个乐器的偏爱呢？加大贝斯的音量？让贝斯占有更多的频响空间？这样做的结果是破坏了乐队间的频响平衡，并且容易导致整个作品浑浊不清。当然，这样的解释很笼统，我们也没有必要在前言中去大篇幅地解释具体问题，在正文中，我相信你会找到答案的。
　　也许我们没办法通过一两个实际的范例就能以偏概全地去解释为什么录音师和混音师在面对流行音乐作品时要尽可能客观，但是一个浅显的道理是，流行音乐作为一种大众音乐，其作品需要更多的人能够接受；而对于音响的塑造，也希望无论是在收音机里、多媒体音箱上，还是在汽车音响甚至是在不同的耳机中都能得到相对合理的音响效果，这种合理更多体现在相同的回放环境中，不同歌曲（乐曲）于响度、整体频响等方面在一定程度上是相对统一的，这样才不容易丧失掉潜在听众的关注。因此，能否更加客观地去对待需要处理的作品，无论是在前期录音、后期混音还是在母带处理阶段，都有可能会影响到作品的最终体现。

音乐与技术的前沿探索：精选专辑制作与声音设计深度解析 本书聚焦于当代音乐产业中至关重要的专辑制作流程与精密的录音艺术，旨在为有志于在音乐制作领域深耕的专业人士、高级学生以及资深爱好者提供一套全面、前沿且极具实践指导价值的技术手册与理论框架。 本书摒弃了传统音乐教育中侧重于基础理论和乐理的范畴，而是直接深入到将创意转化为可流通、高品质音频产品的核心环节。内容严格围绕现代数字音频工作站（DAW）的极限运用、声音的物理学特性在录音中的应用，以及跨学科技术在音乐审美中的融合展开。全书共分为六个主要部分，力求构建一个从概念萌芽到最终母带处理的闭环知识体系。 第一部分：现代录音环境的构建与声学基础的深化应用 本部分首先审视了当前主流录音棚（无论是商业大型录音室还是家庭专业工作室）的物理环境要求。重点探讨了主动降噪技术与房间声学处理（Room Acoustics Treatment）的最新进展，特别是针对低频驻波的控制方法和混响时间（RT60）的优化策略。我们不仅仅停留在“声学处理”的表面概念，而是深入剖析了特定频率的吸声、扩散与陷波技术如何影响最终录音的相位一致性和瞬态响应。 在此基础上，本卷详细阐述了麦克风技术的高级运用。超越了常见的电容、动圈、带式麦克风的物理结构介绍，本书着重分析了指向性控制的非线性特性（如超心型和第八字型麦克风在复杂声场中的实际表现）、高分辨率麦克风前置放大器（Preamps）的电路拓扑结构及其对声音色彩的影响，并提供了大量在模拟与数字混合工作流程中选择和部署麦克风阵列（如Ambisonics基础实践）的案例分析。 第二部分：数字音频信号处理的极限探究 本部分是全书的技术核心，探讨了数字音频的采样理论与位深量化在极端动态范围录音中的实际意义。我们详细解析了抗锯齿滤波器（Anti-aliasing Filter）的设计哲学，以及现代声卡中模数转换器（ADC）和数模转换器（DAC）的时钟抖动（Jitter）控制技术。 核心章节集中于插件架构与算法的内幕。不同于简单地介绍均衡器（EQ）或压缩器（Compressor）的使用界面，本书深入讲解了数字均衡器的滤波器类型（如比塞尔、切比雪夫、贝塞尔滤波器在声学模拟上的细微差异），以及动态处理器的反馈/前馈电路拓扑的数学模型。对于瞬态塑造，我们分析了前馈压缩器、前置放大失真建模（Saturation Modeling）和脉冲响应（Impulse Response）采样的原理，旨在让制作人理解“听起来是什么”背后的“为什么是这样”。 第三部分：专业乐器录音的精细化控制 本部分聚焦于复杂乐器组的录音实践，强调的是声音捕获的精准度与多轨整合性。 针对鼓组录音，我们提供了一套系统化的多麦克风拾音策略，特别是针对军鼓（Snare Drum）的上下双麦克风技术，以及如何利用房间麦克风（Room Mics）与近场麦克风（Close Mics）的时间对齐（Time Alignment）来构建一个自然而有冲击力的立体声声像。 对于人声录音，本书超越了基础的防喷罩使用，深入讨论了齿音（Sibilance）的频率控制技术，包括多段式去齿音器（Multi-band De-esser）的工作原理，以及如何通过控制歌手与麦克风的距离（接近效应）来动态塑造其音色，确保主唱在密集混音中的清晰度和存在感。 此外，我们还详细覆盖了复杂电声乐器（如失真吉他箱体模拟、合成器信号的DI录制与再放大处理）的无缝数字接入流程，强调如何保持模拟乐器在数字化流程中的“生命力”。 第四部分：混音艺术中的空间化与声像构建 混音不再是简单的电平调整，而是三维声场构建的工程。本章详细讲解了如何利用平移（Panning）技术的进化——从传统的平衡控制到基于对象的空间定位系统（如Dolby Atmos/Auro-3D的基础概念）。 立体声成像技术是本部分的重点。我们对比分析了Ms（中侧）处理、相位干涉校正以及使用专门立体声扩展器时的潜在陷阱。本书提供了一套基于认知心理学的混音原则，指导制作人如何通过对比度和频率的堆叠，在听众大脑中“绘制”出乐器在舞台上的精确位置。 针对自动化（Automation）的运用，我们详细阐述了参数自动化与音量事件自动化的区别，并提供了如何通过精细的自动化曲线来模拟“人手操作”的动态变化，赋予混音生命力的实战技巧。 第五部分：母带处理：最终的质量把关 母带处理（Mastering）被视为录音艺术的终极环节。本部分侧重于标准化与审美的平衡。我们深入研究了国际响度标准（如LUFS, True Peak）的实施细节，以及如何在满足这些标准的同时，最大化音乐的动态余量（Headroom）。 核心内容包括多段压缩与限制器的协同作用，以及高精度立体声整形工具的应用。本书特别警示了“响度战争”的声学后果，并提供了“动态优先”的母带处理哲学，确保作品在不同播放系统（从流媒体到黑胶）上都能保持其艺术完整性。 第六部分：新兴技术与未来趋势：沉浸式音频与数据流 本书的收尾部分前瞻性地探讨了行业正在快速转向的方向。我们对沉浸式音频格式（如空间音频技术）的渲染管线、元数据管理进行了技术性剖析，并提供了将传统立体声工程转化为沉浸式体验的初步转换方法论。此外，还涵盖了基于机器学习的音频分析与辅助制作工具的原理介绍，帮助制作人理解这些工具是如何影响未来的音频工作流程，以及如何保持人类创造力的核心地位。 本书是为那些追求对声音的物理、电子和艺术层面都有最深层理解的专业人士而编写的，它是一份面向下一代高保真音乐制作的实操指南。

评分☆☆☆☆☆

刚拿到这本书，就被它沉甸甸的份量给吸引了。封面设计朴实无华，没有花哨的装饰，一看就是那种扎扎实实做学问的教材。我是一名音乐爱好者，平时喜欢听各种流行音乐，也对幕后的制作过程充满好奇。这本书的标题“流行音乐录音/录音艺术专业‘十二五’规划教材”听起来就非常专业，我猜想里面一定有很多关于录音技术、混音技巧，甚至是如何捕捉音乐灵魂的深入探讨。我特别期待它能解释清楚，为什么有些唱片听起来就是比别人更“通透”，那种空间感和层次感是怎么实现的？是不是有特殊的设备，或者特定的录音方法？这本书会不会像一本武林秘籍，把那些录音大师们独门绝技一一揭示？我之前也看过一些关于音乐制作的书，但总感觉缺了点什么，可能是理论与实践结合得不够紧密，或者是一些更深层次的艺术处理技巧没有被充分讲解。我希望这本书能够填补这些空白，让我从一个单纯的听众，向一个能理解甚至参与到音乐创作过程的“内行”迈进。这本书的定位是“规划教材”，这意味着它应该覆盖了该专业的核心知识体系，内容肯定非常系统和全面。我迫不及待地想翻开它，去探索流行音乐背后那充满魔力的声音世界，去了解那些让耳朵沉醉的秘密。

评分☆☆☆☆☆

我一直以来都对音乐背后的制作过程充满了好奇，尤其是流行音乐的录音和混音环节，总觉得那里藏着许多不为人知的魔法。这本书，一本厚重的《流行音乐录音/录音艺术专业“十二五”规划教材》，仿佛是一扇通往这个神秘世界的门。我希望它能够解答我心中长久以来的疑问：为什么有些歌曲听起来那么“干净”，人声那么清晰，乐器层次分明，而有些则显得浑浊不堪？这背后究竟是怎样的技术操作？书中会不会详细讲解不同时期、不同风格的流行音乐在录音技术上的演变？比如，早期摇滚乐的粗犷，到后来R&B的精致，再到如今EDM的电子化，这些风格的形成，录音技术扮演了怎样的角色？我个人对音频处理的各种插件非常感兴趣，比如压缩器、均衡器、噪声门等等，希望这本书能够对它们的功能、原理以及在实际操作中的应用进行深入的剖析，并且能够提供一些进阶的技巧，让我能够更好地运用这些工具来提升音乐的质感。我希望这本书不只是枯燥的技术说明，更能融入一些关于录音美学和艺术处理的思考，让我明白如何才能录制出真正动人的声音。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在校的音乐录音专业学生，我收到这份“流行音乐录音/录音艺术专业‘十二五’规划教材”，真是充满了期待！在课堂上，老师经常会提到一些核心概念和技术，但受限于时间和教学资源，很多内容都只能是点到为止。我一直渴望有一本能够系统、深入地讲解这些知识的书籍，能够帮助我打下坚实的基础，为未来的职业生涯做好准备。这本书的出现，让我看到了希望。我尤其关注“录音艺术”这个部分，它听起来不仅仅是关于设备和技术的操作，更强调的是一种审美和创造力。我希望这本书能够教会我如何去“听”音乐，如何理解不同乐器的声音特性，以及如何通过录音来放大和美化这些声音。例如，书中会不会讲解不同类型的混响和延时效果，它们各自适合什么样的场景？如何运用EQ来塑造乐器的音色，让它们在混音中脱颖而出？我希望这本书能够提供清晰的步骤、丰富的图示，甚至一些实践性的练习，让我能够学以致用。能够拿到国家规划的教材，我感觉自己掌握的知识体系会更加权威和扎实，也更有信心去应对未来的学习和工作挑战。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，对我这样一个在音乐制作领域摸爬滚打多年的从业者来说，简直就是一场及时雨。我们这一行，更新换代太快了，新技术、新理念层出不穷，感觉每天都在追赶。很多时候，我们忙于应付项目，反而忽略了对基础理论和核心技术的系统梳理。这本书冠以“十二五”规划教材的名号，我便知道它的内容肯定经过了严格的审视和筛选，它所涵盖的知识点应该是行业内公认的最重要、最前沿的。我尤其想了解书中对“录音艺术”的定义和阐释，在我看来，录音不仅仅是把声音记录下来，更是一种再创作，是赋予音乐生命力的重要环节。这本书是否能够提供关于如何利用空间、选择麦克风、控制动态等方面的详细指导，并且能够将这些技术性的操作与最终的艺术效果紧密联系起来？我非常期待书中能够包含一些案例分析，通过实际的音乐作品来剖析录音中的妙招，比如某首脍炙人口的歌曲，它的鼓点为什么那么有力量？主唱的声音为什么那么贴耳？这些问题的解答，对我们这些实践者来说，是极其宝贵的财富。我希望这本书能够帮助我拓宽视野，深化理解，甚至能够启发一些新的创作思路，让我能够在这个竞争激烈的行业中保持领先。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在音乐行业从业多年，但并非直接从事录音工作的朋友，我常常觉得自己在讨论音乐时，总感觉隔了一层。我能欣赏歌曲的旋律、歌词和演唱，但对于它如何被“制作”出来，是如何从一个原始的demo变成最终听到的成品，我始终感到模糊。这本书——《流行音乐录音/录音艺术专业“十二五”规划教材》，听起来就是那种能填补我知识空白的宝藏。我希望它能够以一种相对易懂的方式，为我揭示流行音乐录音和混音背后的“秘密”。例如，书中会不会介绍一些行业内通用的工作流程？一个完整的录音项目，从前期的准备到后期的母带处理，大致会经过哪些环节？那些听起来非常“大”的现场感，或者非常“紧凑”的节奏感，究竟是怎么通过录音技术实现的？我尤其期待书中能够提及一些关于声音的空间感营造，以及如何处理不同乐器的动态平衡，让它们在混合在一起时不至于互相干扰，而是能够和谐共存。我希望这本书能够让我以后在听音乐时，能够多一份专业的视角，能够更深入地理解和欣赏音乐制作人员的付出和才华。