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【西】吉玛·嘉丝奇，琼瑟 ·阿什辛 著

图书标签:

• 绘画
• 创意
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• 素描
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• 设计
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• 入门
• 技法
• 绘画技巧

店铺： 赏心悦目图书专营店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532299836

商品编码：30092330511

包装：平装-胶订

出版时间：2017-01-01

基本信息

书名：15堂创意绘画课—形体的探索与表现-W

定价：58.00元

作者：【西】吉玛·嘉丝奇,琼瑟 ·阿什辛

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2017-01-01

ISBN：9787532299836

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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本书是西班牙绘画基础经典教程中的一本，以“面向自然的艺术，面向创新的创作”为主题，从艺术家的角度出发，指引读者要用美术的方式去感受、想象和创造，并将教会你如何去探索各种绘画的造型，学习不同的表现技法，发挥个人的艺术风格。

目录

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作者介绍

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吉玛·嘉丝奇和琼瑟·阿什辛都是从事绘画教学和创作的视觉艺术家，均毕业于巴塞罗那大学，获美术学学士学位，各自都曾多次在西班牙、意大利和德国参展。自1955年，他们在一个试验集体艺术创作的文化协会中以“CREART”为名联合创作。本教程中的每一种创意方法都来自于他们在巴塞罗那艺术研究院任教授期间主持的绘画工作室教学经历。

文摘

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序言

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好的，这是一本关于“数字媒体艺术中的交互设计与用户体验”的图书简介，完全不包含您提到的那本绘画教程的内容。 --- 图书名称：《数字媒体艺术中的交互设计与用户体验：从概念到实现》 全书概要： 在当今高度互联的数字时代，用户体验（UX）已成为衡量一切数字产品成功与否的核心标准。本书深入剖析了数字媒体艺术领域中交互设计（IxD）的底层逻辑、设计流程与前沿技术应用。它不仅是一本理论指导手册，更是一套系统化的实践指南，旨在帮助读者——无论是艺术院校学生、数字设计师还是产品开发人员——掌握如何将创造性的视觉表达与严谨的用户中心设计方法相结合，打造出既美观又高效的交互系统。 本书的核心在于连接“艺术的感知”与“工程的逻辑”。我们不再仅仅关注界面（UI）的美观度，而是聚焦于用户在与数字系统互动过程中所产生的完整心智模型和情感反馈。全书共分为六个核心部分，层层递进，覆盖了从基础认知到高级实现的全过程。 --- 第一部分：交互设计的理论基石与心智模型（The Foundations） 本部分为理解现代交互设计奠定了坚实的理论基础。我们首先探讨了人机交互（HCI）的历史演进，以及数字媒体艺术如何从传统的媒介限制中解放出来，成为一种新型的“可塑性”体验。 关键内容包括： 1. 用户体验的五要素模型重构： 重新审视史蒂夫·克鲁克（Steve Krug）和唐纳德·诺曼（Don Norman）的经典理论，并结合沉浸式技术（如VR/AR）的特性，探讨如何测量和优化“感知效用”与“情感参与度”。 2. 认知心理学在设计中的应用： 深入解析格式塔原理（Gestalt Principles）、费茨定律（Fitts’s Law）以及希克-海耶斯定律（Hick-Hays Law）在不同交互模式（如触控、语音、手势）中的适用性与局限。 3. 情境感知设计（Context-Aware Design）： 讨论如何将时间、地点、设备状态、用户历史数据等情境因素融入设计决策，实现真正个性化且非侵入式的交互体验。 --- 第二部分：从概念到蓝图：交互设计流程（The Process Map） 成功的交互设计并非灵感乍现，而是一套严谨的、可重复的流程。本部分详细拆解了从初期调研到最终交付的全周期管理。 关键内容包括： 1. 双钻模型在媒体艺术中的适应性： 探讨如何将“发现”、“定义”、“开发”、“交付”的框架应用于如数字装置艺术、互动叙事（Interactive Storytelling）或大型屏幕信息可视化项目中。 2. 用户研究与画像构建（Persona & Journey Mapping）： 重点讲解如何针对特定数字媒体受众（如游戏玩家、博物馆参观者、直播观众）进行定性与定量研究，并绘制详细的体验旅程图，识别痛点与“惊喜点”。 3. 信息架构与导航设计： 教授如何构建清晰、可预测的信息层级，尤其是在处理复杂的多媒介内容（文本、视频、三维模型）时的导航策略，包括自上而下、节点式和网络化结构的设计技巧。 --- 第三部分：界面形态与交互范式（Interface & Paradigm Shifts） 本部分聚焦于当前主流和新兴的交互界面类型，分析其背后的设计哲学和技术实现要求。 关键内容包括： 1. 超越屏幕：空间交互与体感设计： 探讨 Leap Motion、Kinect 等体感设备的数据输入特点，以及如何为三维空间中的交互设计手势语言和反馈机制，避免“幽灵触控”和不适感。 2. 语音交互（VUI）的叙事潜力： 深入研究对话式人工智能（AI）的局限性与设计机遇，如何通过精心编写的提示语（Prompts）和反馈机制，构建令人信服的“声音身份”。 3. 数据可视化与交互叙事（Data-Driven Interaction）： 教授如何将复杂数据集转化为可供用户探索的视觉结构，并设计允许用户“切片”、“过滤”和“重组”数据的交互工具，使用户成为数据故事的共同讲述者。 --- 第四部分：动态反馈与情感化设计（Feedback and Emotion） 交互不仅仅是操作，更是对话。有效的反馈和对用户情绪的调动是数字媒体艺术作品能否打动人心的关键。 关键内容包括： 1. 微交互（Microinteractions）的精妙之处： 分析加载动画、按钮反馈、状态转换等细节如何微妙地影响用户对系统速度和可靠性的判断。 2. 触觉反馈（Haptics）的层次化应用： 在移动设备和专业控制器中，如何利用振动模式的频率、强度和持续时间来传达信息，增强沉浸感。 3. 美学-可用性效应（Aesthetic-Usability Effect）： 结合心理学研究，探讨高品质的视觉设计如何提升用户对系统可用性的初步感知，以及如何在追求美感的同时避免牺牲功能性。 --- 第五部分：原型制作、测试与迭代（Prototyping and Validation） 理论的价值最终要通过实践来检验。本部分提供了从低保真到高保真原型制作的全套方法论。 关键内容包括： 1. 低保真与快速迭代工具链： 推荐并实战演练如纸质原型、线框图工具（如Axure/Sketch）的快速搭建技巧，确保在早期阶段快速排除重大架构错误。 2. 高保真原型与动效实现： 重点讲解如何使用专业工具（如Principle、Framer）将动态设计（Motion Design）无缝嵌入原型中，使之更接近最终产品。 3. 可用性测试的艺术与科学： 详细指导如何设计有效的测试脚本，组织焦点小组，以及进行“眼动追踪分析”的简化应用，确保测试结果的客观性和可操作性。 --- 第六部分：前沿技术下的交互边界拓展（Future Frontiers） 本书的最后一部分展望了新兴技术对未来数字媒体交互带来的颠覆性影响，引导读者思考“下一个十年”的设计方向。 关键内容包括： 1. 去中心化与区块链界面（Web3 UX）： 探讨钱包交互、智能合约授权等新型去中心化应用中的信任建立与用户教育挑战。 2. 跨设备连续性与生态系统设计： 如何设计一个无缝流动的体验，使用户可以在手机、平板、智能家居中自然地延续任务，例如从AR试穿到电商购买的完整流程。 3. 可持续性设计与数字极简主义： 探讨交互设计如何减少认知负荷、减少不必要的数字消耗，倡导一种更专注、更负责任的设计伦理。 目标读者群： 数字媒体艺术专业学生、交互设计师（IxD）、用户体验设计师（UX/UI）、互动装置艺术家、游戏设计师、以及希望提升其产品数字感知层面的产品经理。本书结构清晰，理论深度与实践广度兼备，是构建未来数字体验蓝图的必备参考书。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是我绘画道路上的灯塔！我一直对形体表达感到困惑，总觉得自己的画缺乏生命力，线条僵硬，物体扁平。然而，当我翻开这本书，仿佛打开了新世界的大门。作者用极其耐心且富有启发性的方式，层层剥茧，将复杂的形体概念化繁为简。我特别喜欢关于“体积感”的讲解，那些关于光影如何塑造形体的例子，我反复看了好几遍，还跟着书中的示范在自己的速写本上练习。以前画圆柱体总觉得是两个椭圆和两条线，现在我能看到它是由无数个面组成的，光线照射在这些面上，产生了微妙的变化。书中关于“透视”的部分也让我豁然开朗，以前画楼房总是歪歪扭扭，现在我能理解消失点和视平线的作用，画出来的建筑立刻有了空间感，不再是贴在纸上的平面图形。而且，书中的例子都非常贴近生活，比如水果、瓶罐、甚至是人体模特，这些日常可见的物体，在作者的笔下变得生动有趣，让我充满了绘画的冲动。我迫不及待地想把我学到的这些技巧应用到我的创作中去，相信这本书一定会成为我案头必备的参考书。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我是一名绘画初学者，一开始接触绘画时，感到非常迷茫，不知道从何下手。市面上的绘画书籍琳琅满目，但很多都过于理论化，或者难度太大，让我望而却步。这本书的出现，对我来说简直是雪中送炭。作者的语言非常亲切，就像一位经验丰富的老师在和我面对面交流。他没有使用太多专业术语，而是用最通俗易懂的方式解释了形体的基本概念。我印象最深的是关于“骨骼与肌肉”的讲解，我以前画人体的时候，总是画不好人物的结构，肩膀、手臂、腿部都显得非常不自然。这本书用非常生动的图示，详细讲解了人体骨骼和肌肉的走向，以及它们如何影响外在的形体。我跟着书中的步骤，一点一点地去练习，感觉自己对人体的理解越来越深入。而且，书中的练习题也非常适合我这样的初学者，循序渐进，让我能够一步步地建立信心。现在，我敢于去尝试画更复杂的人物和物体了，这都是这本书的功劳。

评分☆☆☆☆☆

我是一名业余插画师，平时创作的时候，总觉得自己的画面虽然色彩丰富，但总缺乏立体感和空间感。尤其是画一些复杂的场景，常常显得非常拥挤，没有层次。这本书正好弥补了我在形体表现方面的不足。作者在书中花了很大篇幅讲解了如何运用“光影”来塑造形体，以及如何通过“虚实对比”来营造空间感。我学会了如何判断光源的方向，以及光线在物体表面产生的明暗变化。通过观察书中的例子，我发现即使是简单的几何体，只要处理好光影，也能立刻变得饱满而立体。更重要的是，书中关于“构图”和“透视”的讲解，让我对如何安排画面中的元素有了新的认识。以前我画背景的时候，常常是随意地填充，现在我能更有目的地去考虑前景、中景和远景的关系，通过线条和透视的变化，让画面拥有纵深感。这本书的专业性和实用性都非常高，对于想要提升画面表现力的画师来说，绝对是一本不容错过的佳作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的独到之处在于它不仅仅教授绘画技巧，更在于它引导读者去“感受”形体。我过去常常死记硬背各种透视规则和人体比例，但总觉得学得很被动，效果也不理想。而这本书，则鼓励我们用眼睛去观察，用心灵去体会。作者用一种非常诗意的方式描述形体，比如将一个苹果比作小小的星球，将人体的曲线比作流动的河流。这种描述让我不再把形体看作是僵硬的几何图形，而是充满了生命力的有机体。我尤其欣赏书中关于“动感”的阐述，如何通过线条的起伏、力量的走向来表现物体的动态。我在画人物的时候，常常觉得人物站着不动，就像一个木偶。但看了这本书后，我尝试去捕捉人物的重心转移，去感受肌肉的拉伸和收缩，画出来的角色立刻有了呼吸感，仿佛下一秒就会跳出画面。书中的一些小练习，比如用简单的线条勾勒出风吹动树叶的感觉，或者用不同的笔触表现水的流动，都让我受益匪浅。它们看似简单，却蕴含着深刻的形体表现原理。这本书让我重新认识了“形体”，不再是枯燥的理论，而是充满了无限可能的艺术语言。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的不只是绘画技法的提升，更是一种全新的观察世界的视角。我一直认为，优秀的绘画作品不仅仅是技巧的展现，更重要的是传达一种情感和思想。而形体的表达，正是承载这些情感和思想的重要载体。作者在书中，并没有拘泥于刻板的绘画教程，而是通过各种生动有趣的例子，引导我们去思考形体背后的意义。比如，当我们在描绘一个老年人的时候，我们不仅仅是在画他的皱纹和斑点，更是在捕捉他岁月的痕迹，他的人生故事。这本书让我学会了如何用形体去“说话”，去表达情绪，去传递信息。我喜欢书中对于“动态与静态”的对比分析，如何通过瞬间的捕捉来表现人物的活力，如何通过沉静的姿态来传达内心的宁静。每一次阅读这本书，都像是一次心灵的洗礼，让我对绘画艺术有了更深层次的理解和感悟。这本书，不仅仅是一本绘画教程，更是一本关于如何用视觉语言与世界对话的指南。