风格何以永存 9787568903059 重庆大学出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘阅微 著

图书标签:

• 风格学
• 设计史
• 文化研究
• 艺术史
• 视觉文化
• 现代主义
• 后现代主义
• 设计理论
• 建筑设计
• 艺术理论

店铺： 花晨月夕图书专营店

出版社： 重庆大学出版社

ISBN：9787568903059

商品编码：29991191239

包装：精装

出版时间：2017-03-01

基本信息

书名：风格何以永存

定价：48.00元

作者：刘阅微

出版社：重庆大学出版社

出版日期：2017-03-01

ISBN：9787568903059

字数：

页码：

版次：1

装帧：精装

开本：32开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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时装到底有什么用？我们凭什么要买？你的衣服说错话了吗？选择经典款还是爆款？要流行还是要自我风格，如何两者兼得？哪种性感*性感？性感是道数学题？——时装女魔头、《时尚COSMO》主编刘阅微告诉你——时装与风格的秘密流行即是美，因为风格皆美。风格皆美，有时也需流行提携。

内容提要

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《风格何以永存》是一本时装文化图书。该书分为五个部分——时装与腔调，渐渐远去的年代，带刺的玫瑰，甜蜜的折磨，潮流易逝，风格永存。《时尚COSMO》主编刘阅微是时尚杂志进入中国后培养出来的*批时装编辑，从业近20年，对整个时尚行业，人们对时装的态度，以及时装和人们的关系有着自己的观点。该书不仅讲述了整个时尚行业的变迁，并且为读者如何在变化越来越快，风格越来越五花八门的时尚洪流中，找准自己的定位提供了专业而又实用的参考。

关于时装：

“衣服” 和“时装”，我们都需要，就像女人在婚姻中既享受实实在在的日常生活，又渴望带来心情激荡的爱情感受。务实是衣服，务虚是时装。

当我们被生活带来的倦怠感一点一点侵蚀，不是需要时装来振奋来鼓舞我们创造一个具有美感的世界吗？时装不是用来迎合世界的，它是用来创造世界的。

关于时尚：

时尚还像爱情，没有它你不会死掉，还可以免去好多麻烦，但你会失掉一次认识自己的美好机会。就像在冗长的婚姻中主动保留爱情的感觉，在庸常的日子里需要时刻保持对时尚的渴望。

关于优雅：

你还很年轻，可以不用急着去塑造优雅的形象，因为下半生都要跟这个词打交道，当下可以放肆地尝试各种可能性，30岁以后，也许40岁，你就要踏实下来，好好研究优雅的功课了。

关于风格：

如同减肥的*有效方法是少吃多动，找到风格的路径是多看多买多试。风格建立是一件件试出来的，成功转型也是一件件试出来的，没有丢掉几大柜子衣服，别妄想成为一个有style的人。

风格就是学会放弃，在万千件美好的衣服中，选择*能衬托你个性的那件。然后在日积月累中，悄无声息地养成。慢慢地，和你的生活方式，读的书听的音乐，还有你的气质，舒服地相配。

关于个性

永远也不要隐藏自己的个性，掩饰自己的需要，你，勇敢地、裸地表达自己的时装立场吧，想穿成什么样，讨好什么人，灭掉什么人，只有我们自己知道。

关于

在理解品“少”、“慢”、“精”的特性时，也应该懂得“少”盲从、“慢”品味、“精”选择，让品回到原来应有的样子，才能体味到品曾经带给我们的那种美好感受。

关于主流与非主流

真正懂得欣赏非主流时装的人，一定挺有眼光和个性。我只是不耐烦有些人毫无道理一味排斥主流时装品牌。审美这件事，我始终认为还是有相对的统一标准。这跟味觉感受差不多，大多数人喜欢的口味，一定差不到哪里去。

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目录

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作者介绍

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刘阅微，《时尚COSMO》主编，中国代时装编辑，曾供职于《Esquire》、《Marie Claire》、《L'officiel》等时尚刊物，在《时尚Cosmopolitan》担任时装总监近10年。

文摘

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序言

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现代艺术与美学新视野：一场跨越时空的对话 内容简介： 本书深入剖析了二十世纪以来，艺术思潮的演变如何重塑了我们对“美”与“风格”的传统认知。它不仅仅是一部艺术史的回顾，更是一场关于感知、媒介与文化身份的哲学探讨。本书聚焦于现代主义的爆发点，追溯其对古典范式的决裂，并细致描摹了后现代主义的解构与重构过程。 第一部分：现代性的黎明与断裂 本书的开篇，将读者带回十九世纪末的欧洲，那里孕育着对僵化学院派艺术的反叛。我们探讨了印象派如何通过对瞬间光影的捕捉，挑战了传统绘画的客观再现职能，进而引出了艺术主体性的觉醒。随后的章节，着重分析了野兽派的色彩革命与立体主义对时间和空间的几何化处理。 特别值得注意的是，本书对未来主义的激进美学进行了细致的考察。它不仅仅关注技术与速度的赞美，更深入探讨了这种对“运动”的狂热追求，如何预示着社会结构和审美体验的根本性转变。马里内蒂的宣言被置于更广阔的社会背景下，分析其政治倾向与艺术表达之间的复杂张力。 在抽象艺术的兴起部分，本书清晰地梳理了康定斯基的灵性追求与蒙德里安的几何秩序之间的分野。它强调，抽象并非是对现实的逃避，而是对视觉语言本身潜能的极限探索。作者试图揭示，抽象艺术是如何为后来的极简主义和概念艺术铺设了理论基础。 第二部分：媒介的革命与主体性的消解 进入二十世纪中叶，本书将视角转向二战后美国艺术的崛起，重点分析了抽象表现主义的“行动绘画”如何将画布变为艺术家情感的战场。波洛克滴画中的偶然性与必然性之间的辩证关系，被解读为对战后人类精神困境的一种隐喻。 然而，真正的转折点出现在对波普艺术的论述中。本书对安迪·沃霍尔和罗伊·利希滕斯坦的作品进行了深入的符号学分析，质疑了“高雅艺术”与“大众文化”之间那道曾经坚不可摧的界限。作者认为，波普艺术的本质不在于挪用，而在于对消费社会中符号生产速度和冗余性的冷静批判。它揭示了一种新的“风格”的诞生——一种基于复制和即时性的风格。 紧接着，本书探讨了极简主义的出现，这一运动以其对材料的诚实表达和对艺术品作为“物体”本身的关注，构成了对前一阶段情感宣泄的反动。从唐纳德·贾德的“特定物体”到罗伯特·莫里斯的身体空间探索，本书展现了艺术家如何试图通过去除一切主观干预，让作品回归其物理本质。 第三部分：后现代的迷宫与风格的消散 本书的后半部分，专门致力于解析后现代主义对现代性宏大叙事的颠覆。作者认为，后现代风格并非一种单一的运动，而是一种“怀疑论的美学立场”。这包括对“原创性”概念的消解，对拼贴、混杂（Pastiche）和戏仿（Parody）手法的广泛运用。 在建筑领域，本书对比了包豪斯风格的理性功能主义与后现代建筑对历史元素的戏谑性回归。通过对罗伯特·文丘里“少即是乏味”的解读，我们得以理解后现代艺术家如何拥抱复杂性、矛盾性和表面的装饰性，作为对现代主义纯粹性的矫正。 文化理论的引入是本书的一大特色。借用福柯和德里达的理论工具，本书分析了在图像泛滥的时代，艺术作品的权威性是如何被权力结构和话语体系所渗透和瓦解的。摄影和录像艺术的兴起，使得对“真实”的捕捉本身成为了一个充满偏见的过程。 第四部分：当代语境中的风格延续与挑战 最后，本书展望了二十一世纪初的艺术景观，探讨了数字技术、全球化对“风格”概念的进一步冲击。我们审视了“关系美学”如何试图将艺术活动从孤立的物体转向人际互动和社会实践。 本书总结道，真正的“风格”不再是一种可以被固化和模仿的视觉语言体系，而是一种艺术家在特定历史语境下，对现有媒介、材料和文化代码进行独特“选择”和“介入”的方式。风格的永存，不在于其形式的重复，而在于其背后所蕴含的持续的质疑精神和对世界观的重新建构的勇气。本书旨在为当代读者提供一套成熟的理论框架，以应对这个日益碎片化和符号化的艺术世界。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书的第一个感受是，它彻底颠覆了我对“风格”这个词的肤浅理解。我原以为这会是一本罗列各种流派和样式的图谱，但事实远比我想象的要复杂和深刻得多。作者没有停留在对表象的描摹，而是像一个经验老到的考古学家，深入挖掘那些潜藏在不同时代、不同领域之下的结构性力量——那些真正让事物超越时间、赢得后世景仰的内核。那种叙事方式，不是简单的“是什么”，而是深入探讨“为什么能成为经典”。尤其是一些关于“简洁的力量”和“形式服从情感”的论述，简直如同醍醐灌顶，让我开始反思自己日常工作中那些看似成熟实则僵化的处理方式。它引导我跳脱出当下流行的喧嚣，去寻找那些更具普适性和穿透力的底层逻辑。这种思想上的拓展，远比掌握一堆设计术语来得更有价值，它真正塑造的是一种审视世界的方式。

评分☆☆☆☆☆

这本书的论证过程极其严谨，逻辑链条环环相扣，让人不得不佩服作者深厚的学术功底和广博的知识面。在探讨一个概念时，它会毫不犹豫地追溯到源头，无论是古典哲学还是现代科学，都能信手拈来作为佐证，而且引用得恰到好处，绝不显得堆砌或卖弄。例如，它在分析某个建筑风格的持久性时，会巧妙地引入人类认知心理学的原理，将美学问题转化为更具科学性的探讨，使得结论更具说服力。对我个人而言，这种详实且有根有据的分析，极大地增强了我对书中观点的信任度。不像有些理论书籍，读起来云里雾里，总觉得作者在故弄玄虚，这本书却是步步为营，每一步都走得踏实有力。这种踏实感，让原本抽象的“永恒”议题变得触手可及，我能清晰地看到作者是如何搭建起这座宏伟的思想殿堂的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种沉稳又不失典雅的气质，单是捧在手里，就仿佛能感受到文字背后那些经久不衰的美学力量。封面用色的选择非常巧妙，既有历史的厚重感，又不失现代的清爽，让人忍不住想去探究内里究竟蕴含了怎样一番关于“永恒风格”的真知灼见。内页纸张的质感也处理得恰到好处，墨色的印刷清晰锐利，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲惫。从物理层面来说，这已经是一件值得收藏的艺术品了。我特别喜欢它字体排版的细微之处，字距和行距的把握都透露出一种对阅读体验的极致尊重，仿佛作者和出版社都在用行动告诉你：好的东西，值得被细细品味，而不是囫囵吞枣地消费。这种对细节的执着，本身不就是对“风格”的一种最高致敬吗？它让阅读过程成为一种享受，一种仪式感，而不是简单的信息获取。我期待着，在接下来的翻阅中，这些精美的外壳下，能映照出同样深刻且持久的内涵。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，说实话，需要一定的沉静心绪。它不是那种可以放在通勤路上，随手翻阅几页就满足的书籍。它更像是一壶需要慢火细炖的茶，需要你找一个安静的午后，关闭所有的电子干扰，全身心地沉浸其中。我尝试过几次在嘈杂的环境下阅读，效果甚微，因为书中很多精妙的对比和转折，需要大脑进行充分的消化和吸收。但一旦你沉静下来，你会发现那些句子内部的韵律感和节奏感极其出色，作者的文笔老辣而精准，没有一个多余的词语，每一个停顿和换行都似乎经过精心计算，旨在引导读者的心绪进入一种更深层次的思考状态。这让我意识到，谈论风格，本身就需要一种风格化的表达，这本书在这方面做得堪称典范，它本身就是对所论主题的一种生动诠释——真正的深度，需要耐心去解锁。

评分☆☆☆☆☆

让我印象特别深刻的是，这本书在处理那些似乎已经过时的风格时，所展现出的那种罕见的“同理心”和“去标签化”的能力。它没有简单地将历史上的风格进行优劣划分，而是试图理解每一种风格诞生时的时代语境、技术限制以及人们对“美”的共同追求。这种视角是极其谦逊和开放的。它教会我，所谓的“过时”，往往只是因为新的技术或思潮提供了更直接的表达路径，而不是旧风格本身存在根本性的缺陷。这种包容性极大地拓宽了我的视野，让我不再轻易地用二元对立的眼光去看待艺术和设计的发展。我开始欣赏那些在特定限制下爆发出的创造力，那些看似僵硬的规则下，涌动着的生命力。这本书不仅是关于风格的教程，更是一本关于如何理解和尊重历史的哲学指南。