简明英汉双解音乐词典 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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郑玉章张愉 编

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出版社： 西南师大

ISBN：9787562139799

商品编码：29916666875

开本：32

出版时间：2008-03-01

基本信息

• 商品名称：简明英汉双解音乐词典
• 作者：编者:郑玉章//张愉
• 定价：25
• 出版社：西南师大
• ISBN号：9787562139799

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2008-03-01
• 印刷时间：2017-09-01
• 版次：1
• 印次：3
• 开本：32开
• 包装：平装
• 页数：175

内容提要

《简明英汉双解音乐词典》所收词目涉及古今中 外常用的音乐术语、音乐家、乐器等。正文按英语字 母顺序排序，为方便读者，正文后还附有“中文索引 ”。作为编者郑玉章、张愉，他们长期在艺术院校任 教并担任音乐翻译，深知音乐人士和音乐爱好者需要 什么样的音乐词典。一本好的音乐词典不仅应该能为 读者提供翔实的音乐知识，还能提高读者用外语表达 专业知识的能力。特别是在当今社会，**交流日趋 频繁，外语在音乐交流中的重要性不断凸显。本词典 正是应这样的需求而编写的，英语注释规范化、专业 化。不仅如此，本词典与同类词典相比，它*大的优 势在于注音，方便了读者正确拼读。
    

目录

正文

音乐理论与实践的百科全书 《西方音乐史纲：从古至今的旋律演变》 （一部深入剖析西方音乐发展脉络的权威著作） 第一部分：起源与奠基——中世纪的咏唱与早期的复调（约 500 - 1400 年） 引言：声音的觉醒与神圣的契约 本书以对声音在西方文明中早期角色的审视开篇。在古希腊罗马文化衰落后，中世纪的音乐并非一片空白，而是被深深地嵌入到教会的礼仪和世俗生活的仪式之中。我们首先探讨格里高利圣咏（Gregorian Chant）的结构、音阶（调式）的运用及其对西方音乐理论的根本性影响。 第一章：格里高利圣咏的体系 文本与音乐的融合： 分析不同类型的圣咏（如直叙、带有符号、节选）如何服务于特定的宗教文本。 中世纪的记谱法： 详细解读纽姆记谱法（Neumes）的演变过程，及其如何从辅助记忆工具转变为精确记录音高的工具，为五线谱的诞生铺平道路。 调式系统（Modal System）： 深入解析多利亚、弗里吉亚等教会调式的内在情感色彩和功能，这是理解巴赫之前所有音乐的基础。 第二章：复调的诞生与早期技法 复调音乐（Polyphony）是西方音乐最伟大的创新之一。本章追溯其从简单的平行进行到复杂的对位结构的演变。 奥尔加农（Organum）： 分析早期二声部、三声部和四声部奥尔加农的构造，特别是“自由奥尔加农”中旋律线的独立性发展。 巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）： 重点研究列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）在节奏理论和记谱法上的革命性贡献，特别是对规律性节奏模式（Rhythmic Modes）的建立。 世俗音乐的兴起： 探讨游吟诗人（Troubadours）和游士（Trouvères）的音乐，他们为世俗叙事和抒情歌曲引入了新的主题和更灵活的节奏。 第二部分：文艺复兴的清晰与和谐（约 1400 - 1600 年） 第三章：人文主义对音乐的影响 文艺复兴时期，音乐的重心从单纯服务上帝转向表达人类情感和追求音响的完美平衡。 法兰德斯乐派的统治： 介绍杜法伊（Dufay）和雅各布·奥布雷赫特（Obrecht）如何完善了模仿复调（Imitative Counterpoint）的技术。 约斯金·德普雷（Josquin des Prez）： 深入分析这位大师如何将文本意义与音乐结构紧密结合，特别是其弥撒曲和经文歌中对位技巧的成熟运用。 对位法的高峰： 探讨无伴奏合唱的黄金时代，以及音乐家对清晰度和文本可理解性的追求。 第四章：宗教改革、反宗教改革与音乐 宗教冲突深刻地影响了音乐的创作和传播。 马丁·路德与圣咏改革： 分析德语圣歌（Chorale）的创作原则，以及其对后世清唱剧和赋格曲的影响。 罗马公会的指令与帕莱斯特里纳（Palestrina）： 详细研究帕莱斯特里纳如何通过其“纯净”的风格，回应了对音乐过度复杂化的批评，确立了天主教音乐的典范。 世俗音乐的繁荣： 介绍法国香颂（Chanson）和意大利假面音乐（Madrigal）的发展，重点关注这种体裁如何探索更强烈的和声色彩和对文本的戏剧性描绘。 第三部分：巴洛克的激情与结构（约 1600 - 1750 年） 第五章：歌剧的诞生与风格的剧变 巴洛克初期是音乐史上最激动人心的变革期，从重视对位转向重视和声与戏剧性表达。 佛罗伦萨的尝试： 考察“新艺术歌唱”（Stile Rappresentativo）的起源，以及对古希腊悲剧理想的重新诠释，介绍蒙特威尔第（Monteverdi）在《奥尔菲奥》中对情感表现的突破。 歌剧的成熟与体裁的定型： 分析咏叹调（Aria）和宣叙调（Recitative）的功能划分，以及卡斯特拉托（Castrati）在早期歌剧中的核心地位。 清唱剧（Oratorio）与康塔塔（Cantata）： 探讨这些声乐套曲如何在宗教题材之外发展，并成为器乐音乐的重要补充。 第六章：数字低音与协奏精神 巴洛克音乐的基石是数字低音（Basso Continuo）的稳定支撑和协奏曲（Concerto）精神的全面确立。 奏鸣曲与协奏曲的结构： 详细阐述奏鸣曲（Sonata da Chiesa/Camera）和协奏曲的曲式结构（快-慢-快），以及维瓦尔第（Vivaldi）如何将这种三乐章结构推向极致。 键盘音乐的革命： 介绍巴赫（J.S. Bach）对赋格曲（Fugue）和前奏曲的集大成式发展，分析《平均律钢琴曲集》在十二平均律推广中的历史意义。 巴赫的终极综合： 探讨巴赫晚期作品（如《音乐的奉献》、《赋格的艺术》）中对位艺术的百科全书式总结，及其如何超越时代，预示了未来音乐的复杂性。 第四部分：古典主义的平衡与清晰（约 1750 - 1820 年） 第七章：从洛可可到海顿的交响曲 启蒙运动的思想解放了音乐形式，追求结构上的逻辑性、旋律上的优雅和情感上的适度。 “新的风格”（Stile Galant）： 探讨过渡时期（如卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫）如何摆脱巴洛克的繁复，转向更清晰的句法。 奏鸣曲式（Sonata Form）的统治地位： 深入解析呈示部、展开部和再现部的内在逻辑和功能转换，这是理解古典主义器乐的核心。 海顿（Haydn）与“交响曲之父”： 分析海顿如何系统化地确立了四乐章交响曲的范式，以及他对弦乐四重奏（String Quartet）体裁的贡献，确立了“维也纳学派”的基调。 第八章：莫扎特的完美与贝多芬的转折 本章集中于古典主义艺术的巅峰，以及向浪漫主义过渡的决定性时刻。 莫扎特（Mozart）的歌剧创新： 分析《费加罗的婚礼》和《唐·璜》中如何将复杂的内心冲突融入到音乐戏剧中，以及他如何将歌剧宣叙调提升到与咏叹调同等重要的地位。 贝多芬（Beethoven）的初期与中期： 考察贝多芬如何继承海顿和莫扎特的遗产，尤其是在钢琴奏鸣曲和交响曲中对奏鸣曲式的结构性扩展和情感深度的注入。 英雄的意志： 重点分析《第三号“英雄”交响曲》和《第五号命运交响曲》如何打破了古典主义的界限，将个人意志和普遍的英雄主题提升到音乐创作的核心。 第五部分：浪漫主义的激情与民族色彩（约 1820 - 1900 年） 第九章：艺术歌曲的私密世界与浪漫主义钢琴 随着音乐会制度的成熟和资产阶级的兴起，音乐走向更加个人化、情感化和抒情化。 艺术歌曲（Lied）的典范： 深入分析舒伯特（Schubert）对诗歌的音乐化处理，特别是“艺术歌曲套曲”（Song Cycle）的叙事功能。 钢琴的黄金时代： 探讨肖邦（Chopin）如何将钢琴的表达力推向极致，分析玛祖卡、夜曲和叙事曲中的民族元素与个人情感的交织。 李斯特（Liszt）的创新： 介绍交响诗（Symphonic Poem）的发明，这是一种自由的、单乐章的管弦乐体裁，旨在直接描绘文学或绘画的主题。 第十章：民族乐派与管弦乐的扩展 19世纪下半叶，作曲家们开始在音乐中寻找并强调本民族的文化根源。 德奥体系的延续与张力： 分析勃拉姆斯（Brahms）如何捍卫传统形式（如奏鸣曲、交响曲），并在其中注入深刻的、内省的情感。 “宏大歌剧”与“德意志音乐戏剧”： 详述瓦格纳（Wagner）的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，分析主导动机（Leitmotif）系统、自由和声的运用，以及他对传统调性体系的挑战。 俄罗斯五人组与东欧的旋律： 考察柴可夫斯基（Tchaikovsky）、德沃夏克（Dvořák）和穆索尔斯基（Mussorgsky）如何从民间音乐中汲取灵感，构建出具有鲜明民族色彩的管弦乐作品。 第六部分：现代与后现代的探索（约 1900 年至今） 第十一章：对传统的决裂与和声的解放 进入20世纪，西方音乐面临着前所未有的危机——传统调性体系的瓦解。 印象主义的色彩： 分析德彪西（Debussy）如何运用全音阶、五声音阶和复杂的和弦色彩，营造出“光影”般的听觉效果，挑战了瓦格纳主义的线性逻辑。 表现主义与无调性： 深入研究勋伯格（Schoenberg）如何通过放弃调性中心来表达人类心理的焦虑与痛苦，并介绍其在早期无调性作品中的探索。 新古典主义的回溯： 探讨斯特拉文斯基（Stravinsky）在《春之祭》后的转向，即对巴洛克和古典主义形式的理性回归，以及对节奏的极端强调。 第十二章：序列主义、随机性与电子音乐 本章聚焦于二战后音乐界对控制（Serialism）与偶然性（Chance）的两种极端探索。 十二音体系的严格化： 分析韦伯恩（Webern）如何将勋伯格的十二音技法推向极致，构建出高度抽象、注重音色排列的音乐。 偶然音乐与约翰·凯奇（John Cage）： 探讨凯奇如何引入随机过程、沉默（如《4’33”》）和东方哲学思想，彻底颠覆了“作曲家控制一切”的传统观念。 电子音乐的兴起： 介绍早期磁带音乐（Musique concrète）和电子振荡器的应用，以及这些技术如何拓展了音响的定义范围，为当代音乐创作开辟了新的疆域。 结语：未来的共鸣 回顾古典音乐的漫长旅程，从单音到复杂的十二音序列，从为神服务到表达个体存在，本书旨在展示西方音乐如何通过不断的对形式、和声和表达手段的革新，构建起一个宏大而精密的艺术殿堂。对历史的理解，是走向未来音乐探索的唯一桥梁。

评分☆☆☆☆☆

这本词典的装帧设计真是让人眼前一亮。封面采用了典雅的深蓝色，配上烫金的字体，透露出一种专业而又亲切的气质。拿到手里，首先感觉到的是它适中的重量，既有作为工具书的厚实感，又不至于笨重到让人望而却步。纸张的选择也很有讲究，触感细腻，印刷清晰，即便是长时间翻阅，眼睛也不会感到疲劳。我特别欣赏它在细节上的用心，比如字体大小的排布，主词条和释义之间的层级感处理得非常到位，使得查找信息时一目了然，效率极高。对于经常需要查阅专业术语的音乐学习者来说，这种人性化的设计无疑大大提升了使用体验。它不只是一本工具书，更像是一件值得收藏的艺术品，放在书架上本身就是一种享受。

评分☆☆☆☆☆

从一个资深乐评人和编辑的角度来看，这本书的价值在于其极高的准确性和权威性。在交叉比对了几本我珍藏的专业德语和法语音乐词典后，我发现此书在关键术语的翻译上几乎没有偏差，并且在一些存在多重解释的模糊地带，它选择了最为主流和公认的定义进行阐释，这显示出编纂团队深厚的学术功底和严谨的治学态度。在语言风格上，它的行文流畅自然，中文表述既符合现代汉语习惯，又准确传达了专业术语的原意，没有出现那种生硬的“机器翻译腔”。对于需要撰写专业乐评或进行学术翻译的专业人士而言，这本书无疑提供了一个可靠且高效的“第一参考源”，它真正达到了工具书所能达到的最高标准。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性体现在它对“查询效率”的极致追求上。在实际使用中，我发现它的索引系统设计得极为巧妙。无论是按音序排列的英文词条，还是穿插在正文中的中文释义，检索起来都非常顺畅。很多同类词典为了追求内容量而牺牲了查找速度，但此书在保持内容深度的同时，通过精心的版式布局，有效避免了“大海捞针”的窘境。我曾尝试查找一个非常生僻的管弦乐配器术语，结果不到十秒钟就精准定位到了，并且附带了清晰的英文对应和简短的背景介绍。这种“快、准、稳”的使用感受，对于需要快速确认信息或现场排练时使用的读者来说，简直是福音。它真正做到了“简明”二字，把复杂的信息提炼成了最核心、最易懂的形式。

评分☆☆☆☆☆

作为一名多年的业余钢琴爱好者，我一直希望能找到一本既能覆盖基础乐理，又能深入到古典音乐史和特定演奏技巧的参考书。这本书在这方面的表现远超我的预期。它的词条覆盖面非常广，不仅仅局限于传统的五线谱记号和术语，还收录了大量关于不同时期作曲家风格特点的简要介绍，甚至连一些现代音乐流派中的专有名词也有涉及。我尤其喜欢它在解释一些复杂概念时所采用的“双解”结构，中文的解释深入浅出，英文原词的对照也保证了我们与国际标准的接轨。例如，在解释“对位法”时，它不仅给出了准确的定义，还用非常简洁的语言阐述了其在不同音乐作品中的应用效果，这对于我理解巴赫的作品帮助极大。

评分☆☆☆☆☆

我特别想谈谈这本书在历史背景和文化渗透方面的处理方式。很多音乐词典只是冰冷地罗列定义，而这本书在某些词条后加入的简短的“文化注解”或“历史沿革”部分，极大地丰富了读者的理解层次。比如，对于某个特定的乐器名称，它不仅解释了发音和构造，还提及了它在哪个世纪开始流行，或者在哪位作曲家的作品中扮演了关键角色。这种润物细无声的知识渗透，让学习不再是枯燥的记忆，而变成了一场对西方音乐文明的探索之旅。这对于我们这些希望从“技术操作者”向“理解演奏者”转变的人来说，是至关重要的补充。它让我们明白，音乐不仅仅是音符和节奏，更是历史和情感的载体。